Marshall Blog

やっぱり初めて耳にした時はビックリしたわ。
「うんこ漢字ドリル」ってヤツ。
ウチの子が小学生の時にあったら買い与えていたかナァ～。
イヤ、買わないだろうな。ウチの品位が許さない。
でも、コレは実にウマいやり方だった…というよりコレを本当にこの世に出した出版社の勇気がスゴイと思う。
時代が変わったということか。
いくら時代が変わっても子供たちは「うんこ」大スキだからネェ。漢字の勉強をする気になりさえすればいいのかも…。
でも、大人になって、このドリルで覚えた漢字を目にするたびに「ああ、オレ、うんこで勉強したんだよナァ」と若干の引け目を感じるかもな。しかし、商魂たくましいというか…「うんこ漢字ドリル」のお菓子まで出ているというのだから驚くわ。
コーラ味だって。どうしてカレー味にしなかったんだろう？
何はともあれ、このブームに一番驚いてるのは、間違いなく「うんこ」自身だろうな。

そしたらアータ、こういうのがあるんだってね。
ハゲのドリル。
せっかくなのでハゲにちなんでマーブロ式に漢字ドリルをやっておこうか？
　
ハゲって漢字で書くと「禿」じゃん？
この「禿」という字は「カムロ」とも読む。
吉原の遊女の見習いの幼子のことを禿という。
以前、大阪にいた時に滋賀県の取引先に「禿さん」という人がいた。「カムロさん」ね。
で、私の先輩が実際に対面する前にその禿さんと電話やりとりをした。
「はじめまして、お電話で失礼します。私、カ・ム・ロと申します」
「え？カムロさん？」
なかなかの珍名さんだからね、先輩は禿さんにこう尋ねた。
「あら、珍しいお名前ですね。どういう字をお書きになるんですか？」
「あ、よく言われるんですよ～。カムロはハゲという漢字と同じなんですよ。ハゲです。ハゲって漢字おわかりになります？ハゲ、あのハゲです」とハゲを連発して説明した。
その説明を聞いて、先輩は大層不機嫌になってしまった。
なぜならその先輩の頭はツルッツルだったからだ…という事実。
電話の会話には気をつけましょうね。
さて、今日は4月の20日に渋谷TSUTAYA O-EASTで開催された爆弾ジョニーのライブ・レポート。
この公演は『太陽はまた昇るか。』と題したツアーの追加公演だ。
コレは会場に貼ってあったポスター。

「新しいCD作りてぇ～」って！
ドンドン作っちゃって！それが皆さんの本来のお仕事ですから。

ナント、この追加公演のタイトルが『うんこ』。

さっきから小学生みたいに「うんこ、うんこ」と頻繁に書き込んでいるけど、マァ、こんな時じゃないとできないからね。
うんこなんて出ないより出た方がはるかにいいんだよ。
何しろウチの父方のおばあちゃんはうんこが出なくなって死んだからね。
コレが本当の「不運」…ナンチャッテ。
長いツアーを終えて、色々なことを吸収して出すモノがこの日の演奏…すなわち「うんこ」というワケ。ステキな発想だ。
昨年の12月にZepp Tokyoのワンマン・コンサートがあってお邪魔するのを楽しみにしていたんだけど、そのほんの数日前から左の肩が痛くなっちゃって…。
もう夜も眠れないぐらいの激痛で、カメラを提げるなんてことが到底できなかったので取材を断念。
それだけにこの「うんこ」は是非とも観たかったのだ。

ほぼ定刻にメンバーが登場。
もうこの時点で普通とちがう。
バラエティに富んだ仕掛けが仕組まれていることをリハで部分的に知って、スタッフの方に「本番、面白そうですね～」と言ったところ、「面白いことしかやりたくないんですよ～！」とのご返答。
それが爆弾ジョニーのステージだ。

今回はドラム・セットを客席に設置。
ドラムのクリニックなんかではタマに客席にキットをセットすることがあるが、私も40年以上ロック・コンサートに足を運んでいて、これほど堂々とドラム・セットが客席に置かれているのは他に見た記憶がない。
いつもはステージの一番後にいるドラマーが今日はステージを飛び越して一番前に来ちゃった！

そして、ライブがスタートする。

ボーカルズ/ギターのりょーめー。

ギターのキョウスケ。

キョウスケくんはMarshall。

アンプ・ヘッドはJCM900 4100。
ロゴが取れてしまっているがスピーカー・キャビネットは1960Aだ。
以前にも紹介した通り、このMarshallはかつてTHEE MICHELLE GUN ELEPHANTの故アベフトシ氏が愛用していたもの。

キーボーズ/ギターのロマンチック☆安田。

ベースの小堀くん。

ドラムはタイチ。

オープニングは「ララララ」。
ステージから発されるはちきれんばかりのパワーを真っ向から受け止める観客。

続いて「なあ～んにも」。
初めて爆弾ジョニーを観た時、私が一番一生に残った曲。

3曲目は「アクセル」。

客席に降りて歌うりょーめーくんにお客さんは大興奮！

「回せるモノ回せ～！」と「ケンオラ」。

「ホイホイホイホホホイのホイ（←合ってるか自信なし）！全国回って来たぜ～！」とステージ前方に歩み出て客席をあおる安田くん。
このチームは全員が主役だ。

続いて「EVe」。
サビの展開がとてもステキな曲。
こうして始まった「うんこ」。
冒頭に書いた通り、新曲を含めたエキサイティングなパフォーマンスに加えて、後はこれでもか！これでもか！と、様々な仕掛けで見る物をたたみ込んだ！
　　
「オレと歌えるヤツいる？」
「ワンちゃん」では客席から歌い手を募集してタイチくんとデュエット。

そしてタイチくんの必殺のアルト・サックス・ソロ！

りょーめーくんのこのバルーンのパフォーマンスは面白かったナァ。

やってみて～！

無事ステージに帰還！

「この中で『唯一人』のギター弾けるヤツいる？……おー！そこの彼、一緒に弾いてくれ！」

さらにはお客さんをステージに上げてギターを弾かせる。
それがまた完璧なのよ。
ご本人、うれしかったろうナァ～。
りょーめーくんがお客さんに向かってスーパーのレジ袋をいくつか投げ込んだ。
え、ナニが入ってんの？

「せっかくの最後の公演なのでオレ達の友達を呼ぶよ」とネコグスパブリッシングの2人を迎えた。

「Shall be a youth」と…

「へへいへい」をプレイ。

この火花散るパフォーマンスもすさまじかった！

ところで、さっきりょーめーくんが客席に投げ込んだレジ袋にはこんなモノが入っていた。
ビールの空き缶を切って、中にビーズかなんかを入れたハンドメイドのマラカス。
…なんだけど、何にも言わないからゲットしたお客さんもどこでどうやって使っていいのかがわからない様子で、それがまた面白かったわ。

「キミハキミドリ」ではサブ・ステージにお客さんを上げてしまった。

このままとんでもないテンションでショウはクライマックスに向かった。

色んなことをするのでステージから一時も目が離せないんだよね～！

長い足をガバチョと開いてギターをかき鳴らすキョウスケくんのアクションが何ともカッコいい！
そして、股の向こうにはMarshall！

「毎日」、「BDBB」…

…「血」とつなげる。

そして、いよいよ本編最後のセクションにさしかかった。
が！あんまり暴れすぎたせいか、りょーめーくんのギターにトラブル発生！

「ギターが壊れたんで、ライブはココで終わりで～す」ってシレっと終わっちゃった！

さすがに、コレではおわれるハズもなくアンコール。

ギターのトラブルも解消し、本編で演奏する予定だった「かなしみのない場所へ」と新曲を演奏。

「ここからが本当のアンコールね！」と「はちきれ」、「操」をプレイした。
ちなみに小堀くんは誕生日にりょーめーくんから「うんこドリル」をプレゼントしてもらったそうです。

そして、最後は「DADADA」。

タイチくんは最後まで下で演奏。
こんな経験、これからのドラマー人生でもそうないんじゃないかしら?!

りょーめーくんはサブステージからバイバイ！
　
あ～、楽しかった！

今回も取り上げた「なあ～んにも」でりょーめーくんがこう叫ぶ。
「CDが売れない時代、ロックバンドは通用しないのか!?
答えは『ノー』だ！時代を変えるのがロックバンドの『お・し・ご・と』！
いつやる？今だろ！
誰がやる？オレらだ！」
　
だから私は爆弾ジョニーが好きなのだ。
　　
爆弾ジョニーの詳しい情報はコチラ⇒爆弾ジョニーOfficial Website

　
（一部敬称略　2018年4月20日　渋谷TSUTAYA O-EASTにて撮影）

  　　
本来であればココでクイズ『Marさま!!』である。問題のジャンルは漢字。
　　
「盈虧」の読み方を答えなさい
　
コレが質問なんだけど、もうMarshall Blogに何回も出てきているのでクイズになりゃせんな？
「えいき」と読む。
「月の満ち欠け」という意味。
知らなかったら読めもしないし、言葉の意味に至っては想像することすらムズカシイ。
私はコレをMEJIBRAYというビジュアル系バンドの曲のタイトルで知った。
人間、何事も勉強である。
それで思い出したのがRCの清志郎。
まだ渋谷の屋根裏に出ていた頃だったかしら…ナニかのインタビューで「忌野」という名字の由来について質問にこう答えていた。
「だってカッコいいじゃん？『忌』っていう字の形がサ…」
高校生だった私は「そうかナァ～？やっぱりミュージシャンってのは変わってんな…」と思った。
でもサ、「盈虧」の方がカッコよくね？書けないけど。
　
「満ちたり欠けたり、いつも心に寄り添う月。あなたを癒す月のような12のピース」
　
…というキャッチ・コピーが付けられているのがamber lumberのセカンド・アルバム『Mother Moon』。
「コレ、いいんだよね～」というファースト・アルバムの高評価が冷めやらぬうちのリリースだ。
キャッチ・コピーに偽りのないホッコリとした、さりとてそれだけには治まらない、静かな力強さに満ちたamber lumberの世界が広がっている。
今回もオリジナルのイラスト満載で、アルバム制作に対する計り知れない情熱が伝わって来て実に気持ちが良い。
あ、買った人はオビを捨てずにその裏面を必ず読んでね。

今日のレポートはその『Mother Moon』のレコ発ツアーの東京公演。
会場は神田須田町のTHE SHOJIMARU。
神田須田町についてはコチラに記してあるので興味のある人はどうぞ。

今回もamber lumberの２人が書いたエッセイが会場で配られた。
ライブのたびに書いていて、今回で第72号だって！
毎日ライブをやっているワケではないにせよ、毎回ってのは大変なことだよ。
1回、2回書くのはとても簡単なことだけど、継続するのは大きな困難をともなう。
内容を考えて、不明瞭な点を調べて、文章を書いて、文字数に収めて、推敲して、プリントして、持って歩いて、配って…この繰り返しじゃん？
他にもたくさんのオリジナル・グッズを手作りしてるからね。

この日はお店の2周年を記念して展開しているトリプル・ヘッドライナー・シリーズの一幕。
amber lumberはトリで登場した。
何しろココはamber lumberにとって東京のホームみたいなモノだからね。

満員のお客さんの前に姿を現したふたり。

森永JUDYアキラ

山本征史

「お店の2周年を記念して」…というワケではないんだけど、この日はサウンド的にいつもと違うamber lumberのステージになった。
それはまずアキラさんの後ろ。

いつもはラインで鳴らしているアコースティック・ギターを今日はアコギ用のアンプで鳴らしたのだ。
使用したのはMarshall AS100D。
ASというのは「Acoustic Soloist」の略。
ASの話をすると、「エエ～ッ！Marshallってアコギのアンプなんて作ってんの?!」なんて時々言われるんだけど、アータ、このシリーズはAS80Rというモデルをもってして1994年にスタートしたロング・セラーなんよ。
何回かモデルの出入りがあったにせよ、ビンテージ系のモデルを除けば、Marshallで24年も続いているシリーズってかなりの長命よ。
それもそのハズ、ヨーロッパ、時にフランスではアコギ・アンプのベストセラーなんだって。
その証拠にフランスが生んだ大アコースティック・ギタリストのピエール・ベンスーザンの言葉を引用するに…
「何よりもサウンドが好きだ。私のアコースティック・ギターのスペックにこれほど近いアンプは初めてだ。たくさん機材を持って行くよりも、ギグやリハーサルにこの1台だけを持って行ったほうがいい」
要するに出音が自然だということなのね。
だから海外では重用されるんだけど日本ではダメなんよ。
「アコギ」と言えばほぼ100%「ラインで鳴らすモノ」と思い込んじゃってる。
実際、専門学校なんかでもそう教えている…という話を先日耳にした。
　
チェット・アトキンスに「お金を払ってでも聴きたいギタリスト」と言わせしめたナッシュビルの超スゴ腕フィンガー・ピッカー、ドイル・ダイクスと何度か仕事をしたことがあった。
彼は必ずアコギ・アンプを通してプレイした。
MarshallのプレイヤーではなかったのでASの存在を知らなかったが、やはり「ナチュラルなサウンド」とAS100Dを大層気に入ってくれた。
海外では、ライブでアコギ・アンプを使うのが当たり前なのである。
ビックリした？
その利点は…
　1.　音のパンチ力がラインより格段に上。
　2.　ミキサーの人にいちいち頼まなくても自分の音を自由に手元で作ることができる。
　3.　自分の音が背後から出ているという安心感。
…などなど。
コレは私は勝手に書いているのではなく、ドイルをはじめとしたアコギ・アンプを常用している海外のギタリストから聞いた話。

で、実は、今のMarshall BlogになってAS100Dが登場するのは初めてなんですよ。
つまりアキラさんがASの壁をブチ破ってくれたというワケ。
そんなだからもう少しAS100Dを紹介させてもらいますよ。
ようやく企業のブログらしくなってきた！
　
出力は50W+50Wのステレオ。
8"カスタム・スピーカーとツイーターが2発ずつ搭載されてる。

簡単に言って入力は充実の4系統。

アコ―スティック楽器をつなぐAcoustic Channel 1。
その下がマイクもつなぐことができる楽器用チャンネル。

ハウリングを防止する「アンチ・フィードバック」や16種類の空間系エフェクトも装備。
下段はマイク専用のチャンネル。

さらに外部のステレオ音源を鳴らすためのRCA入力も装備されている。
だからコレ1台でなんでもできちゃうの。

リアパネルにはループやステレオDIアウトも各種装備。
あ～、便利だなったら便利だな。
コレで音が素晴らしいと来てるんだからタマったもんじゃない！

Marshallが作ったデモ動画あるので紹介しておく。
デモンストレーションは根っからのエレキ野郎のクリスが担当しているが、ASの音質や機能の良さは十分にご理解頂けると思う。

一方、征史さん。
いつもアコースティック・ベースを弾いているが、今日はエレクトリック。
5弦のフレットレスだ。
愛用のアコベは修理中なんだって。
聞いたら修理代がスゴイ！…でもそれだけの大工事だから仕方ない。
ミュージシャンにとって楽器のメインテナンス・コストは子供の養育費みたいなものだから、どうしても避けられない。

エレクトリック・ベースに合わせてアンプ・ヘッドもStrange, Beautiful and Loudの時に使用しているMarshall 1992 SUPE BASSが起用された。

1曲目は前作『運命の輪っか』から「青い月夜」。

なんかもうライブが終わっちゃいそうな、いい演奏を観た後の幸せに満ちた寂寥感のようなモノがタマらん。

アキラさんの歌と詞に呼応するように丁寧にベースの音を置いて行く征史さん。

アキラさんのシャープなカッティングでスタートしたのは…

同じく前作から「あたし待ってんの」。

好きな言葉は「紅一点」、キライな言葉は「四捨五入」だというアキラさん。
いい声だナァ。
「ウィスキー・ボイス」っていうの？
キンクスのレイ・デイヴィスは「Lola」という大ヒット曲の中で「Dark Brown Voice」という表現を使った。
それがどういう人の声かは実際に曲を聴いてもらうことにしてココには書かないが、この曲について面白いことを知った。
この曲はホモの体験を歌っているんだけど、その出だしに「彼女に会ったソーホーのクラブで飲んだシャンペンの味はチェリー・コーラの味がした　C-O-L-A コーラ」とある。
レコーディングをした時、元々この「チェリー・コーラ」という部分の歌詞が「コカ・コーラ」だった。
コレでは宣伝になってしまってBBCで放送することができないということになり、ニューヨークにいたレイ・デイビスをロンドンに呼び戻したという。
そのおかげで、レイ・デイヴィスはたった一言の歌詞を差し替えるために、往復9,600kmの道のりを日帰りしなければならなかったんだって！
amber lumberも気をつけてくださいよ～。
そのレイ・デイヴィスの今では「Knight」だからね。

私のためにセット・リストに加えてくれたという「雨雲レーダー」。
そう、前作に収録されていた「思えども思えども」と並ぶ感動巨編なのです。
お母さんとの手紙のやりとりを征史さんが情感豊かに演ずる。

アキラさんのシンプルなアルペジオが背景だ。
今日は一段と音がクリアで美しい背景が広がる。

「♪こっちのアジサイ濡らした雨が　そっちのアジサイ濡らしに行くよ」…ココで感動の嵐よ。
メロディがあるのはこのパートだけ。
アキラさんが征史さんのオクターブ下にハモリを重ねる。普通反対でしょ。
しかし、ナンダってこんなロマンチックな文句を思いつくんだろうね～。
　
ちなみ先日名古屋に行って東京に帰ってくる日はものすごい雨だった。
新東名を突っ走って帰って来たんだけど、結局雨雲と一緒に東に向かうもんだから、最初から最後までハンパじゃない大雨。
もちろんハンドルを握りながらこう歌ったさ！
「♪名古屋を濡らした雨は　東京濡らしに来るな！」って

ニュー・アルバムから「MSMM」。
「♪あたしはそんなに立派な人間じゃない」。
こんな曲、アキラさん以外に歌える人いないね。

途中から征史さんのベースが爆発。
歪ませたベースの音色のせいもあるんだろうけど、こうして聴くとキング・クリムゾンみたいだな。

ツアーでごちそうになったカニとブリがあまりにも美味しかったので作ったという曲、「カニはエライ」。
実やらミソやら捨てるところがないのがエライんだって。
しかし、みんなカニ好きだな～。
アタシャ、特段夢中になったことがないナァ。

カニに敬意を表して、ココは2本の指だけを使って弾いている。
ジャンゴもカニが好きだったりして…。

コレはふたりでカニ歩き。
そういえば、志ん生のマクラに「カニてぇヤツは横に這うもんだがな、このカニゃタテに這ってるよ。そしたらカニが…『少し酔ってますから…』」ってのがありましたな、ねぇ征史さん。お客さんと一緒に…「美味しく生まれてくれて、ありがとう～！」

ジックリと「半分の月」。これもニュー・アルバムから。

まるで時間の速度が半分になったかのようにユラ～っとした時が流れる。
アキラさんの歌のマジックだ。
落語に「もう半分」という噺があってね…ヒデェ話なんだよ、ねぇ征史さん。

「ちょっとスイマセン…」
アキラさん、突然ギターを降ろしちゃった。
ナニかと思ってたらトイレだって！
「アイガラピー」ってヤツ。
グラスを片手に演奏するような小ぶりのクラブの男性ミュージシャンにこういう光景を時折見かけるけど、女性は初めて見たな～。
正直でよろしい。

アキラさんが無事トイレから戻ったところでドラマーが加わる。

杉山章二丸！

曲はamber lumberのキラー・チューン「Eしか弾けない」。
前回同じ場所で拝見したワンマンの時は「Eってイイ！」⇒「カッコいい！」というお客さんとの掛け合いの説明をしていたが、今回はそれを省略してもバッチリ。
amber lumber人口が増殖しているのを感じた。

章二丸さんともう1曲。
イントロでアキラさんがKazooでうなる「風が吹いたら」。

『Mother Moon』のクローザー。
ライブを締めくくるにも最適な印象的なナンバーだ。

ショウは一度ココで終了したが、アンコールの声が鳴りやまず、間髪入れずもう1曲。
『運命の輪っか』から「ここにある宇宙」。

やっぱりこの曲の後半の征史さんの「暴れコーナー」がないとね！

今日はMarshall SUPER BASSにエレクトリック・ベースというコンビネーションで思う存分暴れて頂いた！

イヤ～、ホント、手前ミソながらASの音の素晴らしさに惚れ直すこともできたし…。
時間は短かったけどすごく充実したステージだった。

これからもamber lumberならではの音楽をジャンジャン世に送り出してくれることを期待している。

このツアー、西の方はもう終わっちゃったけど、まだ14本も残ってるからね…会場がお近くの時にゼヒ足を運んでamber lumberの音楽を楽しんでくだされ。
　
amber lumberの詳し情報はコチラ⇒amber lumber Official Website

 
（一部敬称略　2018年6月2日　神田THE SHOJIMARUにて撮影）

　
昔、イギリスの人気作家、フレデリック・フォーサイスに『戦争の犬たち』という小説があった。
クリストファー・ウォーケンとトム・べレンジャーの主演で映画化もされたが観たかどうかも覚えていない…そういうのはきっと観ていないんだろうな。
でも、中学校の時にこの原作が上梓されて、タイトルがとても印象に残った。それを読んだかどうかも覚えていない…そういうのはきっと読んでないんだろうな。
『戦争の犬たち』は原題を『The Dogs of War』という。
そうだ、トム・べレンジャーで思い出したけど、『山猫は眠らない』という狙撃手を演じた映画があった。アレ、すごくおもしろかった。
第1作がヒットしてシリーズ化されたようだけど、ナンてヒドイ邦題だと思ったよね。
私はやったことがないけど、この映画について外人と話をする時、間違えても『Wildcats never sleep』などとやってはイケない。コレ、原題を単に『Sniper』という。
で、今日はその「The Dogs of War」になぞってタイトルを『ブルースの犬たち』としてみた。
主演はハワイからやってきたブルースの親分犬、Tomi Isobe。
Marshall Blogは昨年に続いて2度目の登場だ。
前回は『士農工商犬ブルーズマン』というタイトルで16公演をこなしたが、今回はナント！スケールをギンギンにアップしての全22本！
昨日は高円寺で、今日の夜は福井だって！
スゴイな～。私なんかとても務まらんね。
今頃、「ヨーロッパ軒」でパリ丼でも食べているのだろうか？
それとも国道8号線沿いの「8ばんラーメン」か？
打ち上げはやきとりの名門、「秋吉」で間違いないだろう。
今回のTomiさんの来日のご用向きはコチラ。
昨年4月の来日時に金沢で録音したライブCD『HOWLING IN KANAZAWA』のレコ発ツアーなのだ。

上でチョコっと触れたように、そのツアーのちょうど真ん中となる11本目の公演である高円寺のJIROKICHIにお邪魔してきた。

メンバーは、Tomi Isobe。

Tomiさんは今回Marshall。

Marshall ASTORIA CLASSICをツアーを通じて使用。

ベースに小笠原義弘。

オガンちゃんはEDEN。

EDEN ET-800とD410XST。

ドラムスはマーブロではTHE FEB等でおなじみの小野秀夫。

今回のツアーは各地でゲストが迎えられるが、前日の横浜と本公演では前回と同様に稲葉雅裕がジョインした。
稲葉さんもMarshall。
昨年はASTORIA CLASSICでステージに立って頂いた。
それで、今回はTomiさんがASTORIA CLASSICを使用しているというワケ。

稲葉さん、今回はASTORIA CUSTOM…と思うでしょう。
実は、中身はCLASSICなの。
だから今日はASTORIA CLASSIC大会なのです。

「いいですか～？」
定刻通りにショウはスタート。

オープニングはコレ。

そうそう、このお声！
いいな～。

アレ？
Tomiさん、しばらく見ない間にサム・ピックになってる！
何でもジョニー・ウィンター譲りだとか…。
しかし、サム・ピックの利便性ってのはインスタグラムの面白さぐらいわからないな～。
チェット・アトキンスやドイル・ダイクスのようなフィンガー・ピッカーならわかるんだけど…。
簡単にズレちゃいそうだし、ズレないように強くしてハメると血が止まりそうだし。
でも、とりあえず他と違っていてカッコいいよね。

ん～、コレですよ。このベース。
オガンちゃんが音を出した瞬間、フワ～っとバンドの音がブ厚くなる。
オガンちゃんとか広規さんとか…このベースの魔術は一体なんなんだろうね？

前回はES-335だった稲葉さん。
今回はSGを携えてのご登場。
ASTORIAとSGの音って初めて聴いたかも？

聴いても観ても超安心な小野さんのドラミング。
小気味よく66号線をスウイング！

2曲目の「Messed Up」はTomiさんのオリジナル。
ファンキーなブルース。
Tomiさんのシャウトが実に気持ちいい！
ゼンゼン「mess」じゃなくて「spick and span」。

ギター・ソロではASTORIAがTomiさんのハートをバッチリと歌い上げちゃうよ！

「話題沸騰のハワイ島から来ました」
キラウェア火山のことね。
被害に遭っているのは全島の1%程度なのでご心配なく…とのこと。
「今日は知らない曲だと思ったらオリジナル曲だと思ってください！」
…とご挨拶の後は「Trouble in Mind」。

Richard M. Jonesというジャズ・ピアにストが作った8小節のブルース。「Ain't Nobody's Business」と同じ。
1924年の作品だというからもう少しで100歳になる曲。
関東大震災の翌年にアメリカのヴォードビル・シーンではこんな曲が演奏されていた。

続いてはおなじみの「Rock me Baby」。
この曲って一般的にはB.B. Kingの作とされているけど、実は作者不詳になっているらしい。こんなに有名な曲…印税はどうなってるのかしら？

次はTomiさんのオリジナル曲で「Never Gonna Let You Go」。

稲葉さんのギターがガッツリとフィーチュアされる。
ん～、出てくるフレーズがいちいち味わい深い。

今度はB.B.Kingで「Thrill is Gone」。
前回も取り上げて今回のアルバムにも収録されている。
Tomiさんの声にとてもよくマッチしていて、愛唱ぶりがヒシヒシと伝わって来る。
Tomiさんの歌とともに稲葉さんと…

Tomiさんのギターの掛け合いが素晴らしい。

第1部を締めくくったのはファンキーな「Doughouse of Love」。

この曲のオガンちゃん、スゴかったな～。
ジックリ聴きたいベース。

小野さんとのコンビネーションもバツグン！

第2部のオープナーはジョニー・ウィンターで「Stranger」。
シュワンシュワンとフェイザー・サウンドが飛び交う。
Tomiさん、コレが演りたくて1年間首を長くして待ってたんだって！
「気持ちが盛り上がりすぎて最初のところ間違えちゃった！」…言わなきゃわからないですって。
だってこの曲が収録されている『John Dawson Winter III』なんて普通の人はほとんど聴かないと思いますよ。

ボトルネックで彩を添える稲葉さん。
稲葉さんもガッツリとフェイザーをかましての登板だった。
みんな、ジョニー・ウインター好きネェ～。

次も皆さん大好きなFreddie Kingで「Sugar Sweet」。

オガンちゃんのソロ炸裂！

珍しくバカチコとスラップをやってた。

稲葉さんが猛然と16分のカッティングをブチかます！
かなりエキサイティングなシーンだった。

またB.B.Kingを取り上げる。
「朝起きたら母ちゃんがいない」と紹介したのは「Woke up this Morning」。
コレは盛り上がるよね。

私なんか恥ずかしながら、この曲は高校の時にNazarethで知ったからね。
タイトルは同じ。違う曲なんだけど内容は同じ。早い話が「パクリ」。
Nazarethの方は「朝起きたらイヌが死んでた」、「ネコが死んでた」、「ブタがいなくなってた」ってな具合。
いいの、いいの、コレで。
どうせロックはブルースの子供だから。
でも今のロックは子供でも孫でもない。「ブルース」という祖先と血脈が途絶えちゃったから。

「次はボクの大スキな曲。聴いたらわかると思います」…とエッタ・ジェイムスの「I'd Rather Go Blind」。

いい曲だな～。
Tomiさんも情感豊かにギターの音を並べていく。
やっぱASTORIAの音の良さは筆舌しがたいね。
今回のツアーでも各地でお客さんが終演後にアンプのチェックをしていたそうだ。
Marshallなんですよ～！
「空いているスペースで是非踊ってください」
ロマンチックにビリー・プレストンの「Will it Go Round in Circle」をプレイ。

前回のライブではTomiさんの半生をテーマにセットリストが組まれたのだが、その中に「Single Daddy's Blues」というオリジナル曲が含まれていた。
ま、説明しなくても意味と内容はおわかりでしょう。
コレぞブルース。

軽快なシャッフル・ブルース「I'm Coming to You Baby」。
Tomiさんのブルース・ナンバーはBbのキーが多いそうだ。
ナゼなら管楽器の連中と演奏する機会がおおかったら。
そう、ジャズのブルースではFとBbがダントツに多く、Eb、C、Abあたりが続く。
そこへいくとギターは自由だからね。ジョー・パスなんかはよくGで演ったりするし、ウェスには「D Natural Blues」なんて有名なオリジナル曲もあるよね。
　
いよいよクライマックスを迎えた4人の熱演が実に気持ちいい！

第2部を締めくくったのはTomiさんのオリジナル・バラードの「You my Lady」。
ジックリとシットリと歌い込んで本編の幕を降ろした。

アンコールもジョニー・ウインター・ネタ。
「Bonnie Maronie」を痛快にカッ飛ばした！

MCでTomiさんが「La Bamba」や「Come on Let's Go」や「Donna」で有名な「リッチー・ヴァレンスの…」と紹介した。
確かにリッチー・ヴァレンスも演奏していたが、作曲はLarry Williamsという人。
この人は「Bad Boy」や「Slow Down」、「Dizzy, Miss Lizzy」等のロックンロールのスタンダードを残した人。
ビートルズ好きならピンと来ることでしょう。
そう、ジョン・レノンがファンだったんだって。だからビートルズはこれらの曲をレパートリーにしていたんだね。

スペイン語がまったくできない私が全編言語で歌えるということで「La Bamba」で脱線すると、元々この曲はメキシコの民謡で、それをヴァレンスが手を加えてヒット曲に仕立て上げた。
「La Bamba」はアメリカではじめてヒットしたスペイン語の曲なのだそうだ。
「自分だけのサウンドを作りたい！」と、この辺りを描いたシーンが印象的だったルー・ダイアモンド・フィリップス主演の伝記映画『ラ★バンバ（La Bamba）』は存外におもしろかった。
「Sleepwalk」が効果的に使われていたのはこの映画だったっけ？
ブレイクし出した途端にヴァレンスは飛行機事故で他界。18歳だった。バディ・ホリーもそうだけど、まったく気の毒なことだ。
しかし何が驚くって、この風貌で18歳だからね。

イヤ～、何しろ4つの個性が真っ向からブツかり合ったこの日のギグ。

ひとりでも多くの人に観てもらいたいと思って、突貫で今日の記事を書き上げた。

今晩の福井を含めて北陸や西筋の公演と、東京ではTomiさんのソロ・ライブが残っているからね。
お近くの会場で魂の歌と演奏にドップリと浸かってくだされ！

蛇足の脱線。
上に書いたようにホント、皆さんジョニー・ウインターお好きですよね～。
私はどうも苦手で…ジョニー・ウインターとニール・ヤングはどうも受け付けない。
でもね、昔は聴いていたこともありましてね。
それが、さっき出てきた『John Dawson Winter III』というアルバム。
中学生の時に2つ年上のイトコが好きで私も一時よく聴いた。
だからリハーサルの時に稲葉さんが「Golden Olden Days Of Rock & Roll」のイントロを弾いたときはなつかしくて涙が出たよ。
そういえば『俺は天才ギタリスト』という邦題もいい加減ヒドイな。『ザ・ギタリスト・パ』よりはまだマシか？
ファースト・アルバムなんかも高校に入りたてぐらいの時に買って、アレでWillie Dixonの名前を覚えた。
でもね、あの名盤とされる『Johnny Winter And Live』とか『Captured Live』をさかのぼって聴いてみるに、どうにもキツくて…。
『Nothin' But the Blues』には手を出さずして撤退した。

同じライブ・アルバムでもエドガーと組んだ『Together』は大好きで、長野でハコバンをやっていた時にこのアルバムに収録されている「ロックンロール・メドレー」を演ったこともあった。
私の思い出なんざどうでもいいんだけど、つい懐かしくて書いちゃいました。

（一部敬称略　2018年5月31日　高円寺JIROKICHIにて撮影）

　　　
さて、ここ数年KRUBERABLINKAが東京のホームにしているのがSOKEHS ROCK（ソケーズ・ロック）というお店。
場所は東京メトロ丸の内線「四谷三丁目」駅から歩いて2分ぐらいのところ。
「三丁目」がつく地下鉄の駅っていくつかあるな…「四谷三丁目」、「新宿三丁目」、「志村三丁目」。
ナゼだろう？
この四谷三丁目という駅は、1日あたりの乗降客数が46千人で東京メトロ全130駅中第82位なのだそうだ。
東京近郊以外にお住いのMarshall Blogの読者の皆様にはお退屈さまかもしれないが…しからば、乗降客第1位の駅はどこだろう？
コレはかなり意外だったんだけど、池袋駅でダントツの557千人。
次いでグッと減って大手町の325千人。
次が…エ～ッ!?北千住で291千人だって！
それに銀座、新橋と続く。
その下が新宿の234千人、渋谷の220千人とランクが連なるのだそうだ。
池袋や北千住は埼玉、千葉、茨城といった近郊から都心に通う会社員や学生が集中する「玄関口」としての役割が大きいから乗降者数が多いだろうね。
今日は大阪のバンドが主役なので、せっかくだから大阪の市営地下鉄で同じことをやってみようか？
第1位は梅田駅の443千人！コレは堂々たる数字だけど、ランクとしては想像に難くない。
私は大阪に住んでいた時、事務所が御堂筋線の梅田駅の上にあって、東京生まれ東京育ちで人ごみに十分慣れているハズの私ですらあの万博級の混雑ぶりには舌を巻いた。
まだ駅を改装する前のことで、毎朝ホームから落ちた人が、入ってきた電車に轢かれて命を失っていた頃の話…ウソですよ～。
でも、少なくともあんなに厳しく入場制限をしている光景など東京では見たことがなかったのは確かだった。
次いで難波駅の355千人。コレも予想通り。
さらに天王寺駅で262千人、淀屋橋駅、本町、心斎橋と続いて御堂筋線沿線が圧倒的な強さを見せる。
御堂筋線はさらに新大阪駅も抱えているからね。そして、そのまま千里へと結ぶ北大阪急行がつながっているんだから強いにキマってる。
ニューヨークの「1番線」、ロンドンの「ピカデリー線」、東京の「銀座線」、大阪の「御堂筋線」…私の中では「世界の花形地下鉄路線」ということになっている。

四谷三丁目駅の入り口がある新宿通りの交差点には四谷消防署ってのがあってね、その中にかなり大規模な「消防博物館」という施設が入っている。
以前から気になってはいたのだが、今回意を決して中に入ってみることにした…無料だから。
面白かったのは江戸時代の火消しに関する展示。
有名な「いろは四十八組」というヤツ。江戸市中の消防自警団ね。
カッコいいのがサ、チームによってまといのデザインが違うんだよね。
イキだね～。
そもそもこの「まとい」というのは何のためにあるのかというと、ポンプの技術もお粗末だった江戸時代は「破壊消火」といって、火がついた家屋、もしくは燃え移りそうな家屋を問答無用で片っ端からブッ壊して火を消していた。
それの破壊の目印となっていたのが「まとい」の役割。
時には水をブッかける標的にもなっていた。
「三大」好きの日本人…火事にも「江戸の三大大火」ってのがあってね。
まずは「振袖火事」の異名で知られる「明暦の大火」。
1657年3月2日から4日まで延々と燃え続け、107千人もの死者を出したという。
コレがキッカケで日本橋にあった吉原が現在の吉原に移転することになった…と言われているがコレは誤り。吉原の移転は明暦の大火より以前に決定していた。
「振袖火事」の由来は長くなるのでココには書かないが、重度の片思いをした少女の無念が引き起こすかなりオカルチックなストーリー。
次、1772年には「目黒行人坂の大火」が起こり、15千人の犠牲者が出た。
この博物館にはこの火事のシミュレーション展示が設置されている。
さらには1806年に発生した「丙寅の大火」を以てして「江戸の三大大火」とされている。

さて、「いろは組」は隅田川を境とした西側の区域に組織されていたが、4つほど組の名前に用いられなかった文字があった。
何だか知ってる？
まずは「へ」。
「屁」はイヤだよね～。「へ組」なんてやっぱりシマらない。
メタンガスで被害を大きくしてもマズイじゃないか。
次は「ら」。
「ら組」がどうしてマズイのかわからなかった。
理由を知ってワロタ。
本当かどうかは知らないけど、となりに「ま組」が来るとマズイからなんだって。
「ま」と「ら」だよ。
Marshall Blogの品位が下がるのでコレ以上は書かない。どうしても理由が知りたい人は自分で勉強してください。
もうひとつの理由としては、江戸っ子は巻き舌の人が多く、「ららららららぐみぃ！」みたいになってしまい、発音しにくかったらしい。
それと「ひ」。コレは当然。「火」だからね。
最後は「ん組」。コレもなかった。「ウンコ」を連想させるからなんだって。
コレらの文字はそれぞれ「百」、「千」、「万」、「本」という漢字を使ってにチーム名にしたのだそうだ。
「や組」なんてのは矢のようにすっ飛んでいくイメージがあって人気があったらしい。
調べてみると、ウチの地域は「わ組」だった。
まさか消化機材をレンタルしてたんじゃないだろうな？

江戸市中の防災地図なんてのは個人的に興味のあるところ。
どうしても自分の家の場所を探しちゃうのは人情でしょう。
その地図の端に描かれていた方位表。
江戸城から見たそれぞれの街の方角がひと目でわかるようになっている。
ココで面白いのは遊郭のアダ名がココに記された方位とピッタリと合致していること。
当たり前のことなんだけど…。
例えば「北国」の異名を持つ吉原は「北」方面だし、「南」と呼ばれた品川遊郭はチャンと「南」の方角だ。
さらに四谷の先の内藤新宿は「西」と呼ばれたし、「辰巳」と呼ばれた洲崎は本当に「辰巳」の方角にある。
ひとつ例外なのは、千住遊郭。
日光街道並びに奥州街道の最初の宿場である千住にあった遊郭は、江戸城から見て北の方角にあったが、「北」とは呼ばれなかった。
ひとつには吉原が「北国」とされたていたことがあろう。
千住の遊郭は、方位と関係なく「コツ」と呼ばれた。「コツ」とは「骨」のこと。
今の南千住に当たる小塚原（こづかっぱら）には処刑場があって、無数の罪人の骨が埋まっていたからだ。（江戸の処刑場は他に大森にもあった）
吉田松陰も小塚原で処刑されて、高杉晋作がその亡骸を掘り起こしに行ったハズ。
よく「市中引き回しの上獄門」なんてのが時代劇で出てくるが、ココで斬り落とした生首をディスプレイしていた。
また、「腑分け」といって、処刑されて死んだばかりの罪人の解剖も小塚原でよく行われた。杉田玄白なんかは足繁く通ったらしい。
そして以前は、夜間はタクシーもこの辺りに行きたがらなかったらしい。
出るから…。
その一番ディープなロケーションは国鉄が土地を買い取って一般の民家が建てられないようにしたという。
だからね～「獄門同好会」どころの騒ぎじゃないんよ。
　　
イヤ、何が言いたかったのかというと、昔の人は色々な意味で方位とともに暮らしていたということなの。
大阪の人は場所を言い表す時に今でも「東西南北」を使うでしょ？
東京の人はまずやらない。
大阪は街が碁盤の目になっているため方角を方位で表現しやすいからだと理解しているんだけど、こういう資料を目にすると、実は東京も昔は方位が人々の生活の中に浸透していたことがわかる。

この博物館の大きな見所はビンテージ消防車の展示だろう。
1枚しか写真を撮って来なかったが、とてもよい状態で保管された古い消防車やハシゴ車が数台飾ってある。
すごくカッコいいよ。
好きな人にはタマらないコレクションなハズだ。

それとラー油。
イヤ、いくら口から火の出るような辛さでも消防署で売っているワケではない。
三軒茶屋に行く途中、三宿にある香港料理店でタマタマ買ったラー油が殺人的においしくてね～。
以前は三茶に行く時にしょちゅう立ち寄って買っていた。
ウチはこのラー油を食べたいがために…と言っても過言ではないぐらい頻繁に餃子を作るんですわ。
ところが、ココのところ三軒茶屋に行くチャンスがスッカリなくなってしまって困っていたの。
まさかラー油を買いに三宿までは行ってられんけんね。
で、もう少し近場にこの香港料理店がないもんかいな？と支店の有無を調べてみたらアータ、あるじゃないの！四谷三丁目の交差点に支店が！…ということで早速買って来た。
もうね、このラー油で餃子を食べちゃうと、他のラー油なんてバカバカしくて…やってらんないよ。
　
今日のオープニング・トークは以上。

さて、休憩をはさんで第2部が始まる。
休憩中、今日のスペシャル・カクテルの「ライチー」が大好評だった！
第1部では和重さんのお好きなカッワーリーに迎えられて登場したけど、第2部はシレっとステージに上がった。
カッワーリーはパキスタンの宗教音楽で、コレを聴きながら昇天するのが最上の死に方と言われているらしいッスよ。

プチ脱線。
私もカッワーリーが大スキでしてね。
もう亡くなってしまったけど、カッワーリーの大歌手、ヌスラット・ファテ・アリ・ハーンの来日公演のビデオをダビングして和重さんに差し上げたこともある。
で、ココで出て来るのがデレク・トラックス。
彼が『Joyful Noise』という2002年のアルバムでカッワーリーを演ってるんだよね。
歌っているのはヌスラットの甥っ子、ラハット・ファテ・アリ・ハーンという人。
イヤ、ヌスラットの歌声とは到底比べられるシロモノではないけど、音楽としては滅法カッコいい。
今から30年チョット前ぐらいにワールド・ミュージックのブームがあって、その時に初めてカッワーリーを耳したんだけど、「ボトルネック・ギターみたいだな」って思ったことがあって、それを見事にデレクが演ってくれたので、何の予備知識もなくこのアルバムを耳にした時はは結構ビックリした記憶がある。
ホラ、あっちの方の音楽って微分音階を使うじゃない？普通のフレット楽器だとうまく演れないんだよね。
その点、ボトルネックは自由に音程を操ることができるからね。
日本のギタリストもこういうクリエイティブなアイデアを実践してくれるとうれしいナァ。

赤尾和重

鈴木広美

泉谷賢

そして鎌田学。

昨日の＜前編＞で紹介した通り、皆さんの背後にはそれぞれ…
Marshall

NATAL

EDEN…が控えておる。
だから大丈夫だ！

第1部では6月20日にリリースされるニューアルバム『The Deepest Place』に収録されている10曲のウチ、6曲が披露された。
和恵さん、気前いい～！

第2部のオープナーもニュー・アルバムからで、お召替えして来た和重さんがまず歌うのは「ライムストーン」。

「ライムストーン」とは石灰岩のことね。
どうしようかと思ったけど…やっぱりやっちゃおうか！
無機化学で大脱線。
　　
コレが石灰岩。

日本は石灰岩の埋蔵量がやたらと豊富でね。
山口県に秋芳洞っていう日本一大きいということで有名な鍾乳洞があるでしょ？アレは石灰岩でできてる。
つまり山口地方は石灰岩のカタマリみたいなもので、それゆえ小野田、宇部、トクヤマ等々、セメントの工場がたくさんあるんですよ。
セメントの主原料は石灰岩だから。
で、セメントというモノは重い割には値段が安いので、いかにして運賃をかけずに商売をすることが肝要なの。
となると、当然生産基地の近くでビジネスをするのが有利でしょ？
結果、石灰岩がたくさんあるところに工場が集まってくるワケ。
下の写真は山口ではなくて埼玉の石灰山。
コレ、写真の左半分は元々は山だった。
全部削り出しちゃってこんな形になっちゃった。こういうのを「ベンチカット工法」という。
コレのおかげで周辺の気候が変わってしまったというんだから人間のやらかすことはげに凄まじい。

石灰岩、つまりライムストーンを高い温度で熱し、二酸化炭素を放出させると熱分解が起こり、生石灰（せいせっかい）ができる。

生石灰は水と反応して高熱を出すのね。
それを応用したのが、ヒモを引っ張ると熱くなる駅弁ね。
また、生石灰とコークスを電気炉で加熱するとカーバイドができる。
カーバイドに水を加えると今度はアセチレンガスが発生する。昔はアセチレンガスが照明器具に利用された。

また、生石灰に水を加えると消石灰（しょうせっかい）ができる。
コレは肥料なんかに使われる。

我々世代で最も身近な消石灰の用途は校庭に線を引くアレだろう。
あの白い粉が消石灰。
コレ子供の頃はやりたかったよね。
でもあの白い粉に触れると手がカサカサになっちゃってね。
アレは消石灰が強アルカリだから。

さて一方、ライムストーンが活躍するのは既に触れた通り、ナントいってもセメントだ。
セメントは石灰岩に粘土を加えて高熱で焼くことによって元が出来上がる。
下がキルンといって石灰岩を焼く窯。
ものスゴイ温度だからね、稼働している時に近よるとメッチャ熱い。
このキルンで焼きげるとクリンカといってシカの糞の親分みたいなモノが出来上がる。
コレをミルで細かく砕けばセメントになるんだけど、そのままだとアッという間に固まってしまう性質を持っているので、水や砂と混ぜた時に硬化する時間を調節するための混ぜ物を加える。

そうして出来上がったものがこうして袋に詰められてホームセンターなんかで売られるワケだね～。
これで「ライムストーン」という曲をより一層味わうことができるってもんでしょう？

もうチョットやるよ。
そのセメントに水を加えてコネコネしたモノを「セメント・ペースト」という。
それに砂を加えたモノが「モルタル」。
下は床スラブにモルタルを流し込んでいるところ。
左官屋がコテで家の外壁に塗りたくるヤツもモルタル。
セメントと水だけだと収縮率が高くてヒビが入りやすくなっちゃうのね。

さらにモルタルに砂利を加えたモノがコンクリート。
よくこの状態を見て「セメント」という人がいるが、全くの誤り。
そんなの選挙の応援カーで「大きなマイクで失礼します」と言っているようなモノだ。

もう1回『The Deepset Place』のジャケットを出すよ。
昨日の＜前編＞でこの作品は一種のコンセプトアルバムになっていると書いた。
「Goodbye Ground」に始まってクルベラ洞窟の最下点「The Deepest Place」で締めくくる…と。
実はこのアルバムにはもうひとつのストーリーが仕組まれている。
もうおわかりでしょ？
それは山から切り出された「ライムストーン」が「モルタル」になるというストーリーだ。
ま、コレは私にわずかばかりのセメントの知識があるのをいいことに、勝手にコジ付けてるだけなんだけどね。
でも、言いたいことがひとつある。
いつも書いていることでもあるんだけど、それは「音楽配信」のこと。
ビートルズの『Sgt.Peppers』をはじめとしたコンセプト・アルバムの文化が絶滅の危機に瀕しているということ。
モッタイないね。
人類の英知を傾けたひとつの音楽文化がコンピュータくんだりにチョチョイを捻りつぶされるなんてあまりにも納得がいかん！
私はコンセプト・アルバムを得意とするプログレッシブ・ロックが大好きなので余計に面白くないのだ。
「曲重視の先祖返り」という見方もあるのかも知れないが、今のロックの情勢では、先祖に帰ったが最後、そこから進化を重ねて新しいモノを作るなんてころはまずありえないだろう。
これから先の音楽文化を背負っていく今の若者がそうしたトラディショナルな音楽のスタイルを知らなさすぎるから。

アルバムではアップ・テンポの2曲に続いて3番目に登場するこのミディアム・ナンバー。
こうしてショウのアタマに持って来るとドッシリした雰囲気を醸し出していい感じだ。
中間部とエンディングに出て来るキメの部分はギターのハモリが大きなポイントになるハス。
コレをライブでどう弾くのか興味深く見ていたが、広美さんはギター1本でウマい具合に処理していた。
頼むから「同期」とか使わないでくださいね。

今回のアルバムはクリックを使わず、また差し替えもしないナチュラルな手法でレコーディングされた。
最近はCDとライブの演奏がまったく違うというバンドが多いが、KRUBERABLINKAにはそういう問題はない。
3日で全10曲録音したんだって！

もう1曲新作から「闇夜へドライブ」。

ん～、「70年代ハード・ロック」丸出し！
コレですよ、ロックは！

古臭いことなんか微塵もありはしない。
流行りすたりの音楽じゃないからね。古くならないんだ

やったな広美さん！
ソロの締めのフレーズ。
こんなん弾かれたらどうしていいのかわかりませんよ！

次に演奏した「Big So Bad（大厄介）」がニュー・アルバムから最後の選曲となった。和重さんもMCで触れていたけど、確かにチョット変拍子っぽくに聴こえるな。
でもそれが全く気にならない。
コレが例の「クルベラ流気を衒う一歩手前」のヤツ。
「あ～、厄介な曲やった！」というMC。
「こんなん作るなんてヘソが曲がってると思います。私がヘンな曲が好きなの知ってて作ってくれてると思うけど…ヘンな曲作らせたら天下一品ですわ！」と広美さんについて語った。
「次の曲はホッとしてもらおうかな…」

ナント、ここから旧作の大メドレー！
今回の気合いの入れようったらないよ！

まずは『BLANKO』からアルバム・タイトル曲の「BLANKO」。

『Conicarify』から「カルデラ」、『BLANKO』から「8」。

クルクルとテンポが変わって面白いナァ～。
まったくホッとしないけど。
さらにTerra Rosa時代の和重さんと広美さんの共作「Do You Go」。
鎌田さんは今日2回目となるピック弾きを一部のパートで披露。

さらに『冬のクルベラ』の「ギドラン」を経て、また「BLANKO」で締めくくった。

ココで定番のギター・ソロ・コーナー。

弾くわ、弾くわ、でもどこまでもメロディアスなのが広美流。
ただただ速い音符を並べるだけでは決して表現できない説得力がある。
それと、真空管アンプのサウンドだよね。
やっぱりコレでなきゃ「ロック」は成り立たないってば！

いよいよ第2部の最後のセクション。

ココも演奏し慣れた旧作で固められた。
『KAIZU』から「帳」。

ウン、このあたりでホッとしてきた。

そして、KRUBERABKINKA伝統のキラー・チューン「Don't be so Mad」で本編を締めくくった。

アンコール。
「ありがとうございました！久しぶりのソケーズ・ロック。大きなマイクで失礼します！」…和重さん、コレよっぽど気に入ってるんだナァ。
でもやっぱりロック・ボーカルズは大きなマイクに限るね…イヤ、太く大きな声に限るね。
今日の和重さん、ホントにすごかった。
熱唱は熱唱なんだけど、実にかろやかに、そして楽しそうに歌っていた。
きっと新作の出来がいいからなんでしょうな。
昨年のステージで「来年はスゴイの作るよ！」と言い切った和重さんの言葉に偽りはなかった。

アンコールには「海図」と「案外」が選ばれた。

KRUBERABLINKAの詳しい情報はコチラ⇒KRUBERABLINKA Facebook

昨日＆今日とMarshall Blogにしては異例の早さでレポートをアップした。
それはナゼかと言うと、KRUBERABLINKAの故郷である関西の人たちへのメッセージなの。
KRUBERABLINKAは来る6月2日に阿波座のBIG JACKで同じくレコ発ライブを開催する。
ヘタな写真とくだらん脱線とつまらない文章だったけど、このショウの素晴らしさが少しでも読者の皆さんに伝わって、ひとりでも多くの人にKRUBERABKINKAを観てもらいたいと考えたのだ。
今回のアルバムとライブは相撲で言えば、敢闘賞、技能賞、殊勲賞を総取りして優勝したイメージか？
賜杯は地元大阪で渡されることだろう。
栃の心にも聴いてもらいたいナァ。

あ、そうそう、それとこのCD、ピクチャー・ディスクになってますからね！

 
（一部敬称略　2018年5月26日　四谷Sokehs Rockにて撮影）

　　
生まれて初めて大相撲を観に行った。
先週の日曜日に千秋楽を迎えた「五月場所」の6日目。
イヤ、正確に言うと20年ぐらい前に一度アメリカの取引先の担当者を連れて国技館に観に来たことがあった。
一番安い席しかなくて、二階席のいっちばん後の列の席に座って、２人で前相撲をひと通り観て国技館を後にした。
そのアメリカ人は国技館名物の焼き鳥の串を口に運びながら結構興奮して観戦していたけど、何しろ土俵に上がる力士は豆粒にも満たない米粒ほどの大きさで、元来相撲に興味のない私は退屈極まりなかった。
あの時の力士のサイズは40年以上前に武道館のてっぺんから見たスティーヴン・タイラーを思い出したよ。

ところが！
今回は前から6列目という席。
升席よりも土俵に近く、力士が屁でもしようものなら息を止めなければ乗り切れないような至近距離。
飲み食いも禁止されたシリアスなエリアだった。

もちろんそれなりお値段はするワケで…ヘヘヘ、セガレの仕事の関係で頂戴したチケットだったの。
これだけ土俵に近いと力士の顔もバッチリ見えて、やれ「お茶漬け」だの「ベビースターラーメン」だの…知った顔がジャンジャンお目見えしてとても楽しい。
下の写真の赤い化粧まわしを付けているのは、この場所の成績で大関昇進が決まった栃の心じゃんね。

横綱の土俵入り。
やっぱヘッドライナーだけあって、ケタ違いにカッコいいワケ。
もうね、ウッドストックのジミ・ヘンドリックスってな感じ？

それと、テレビで見ているとまだるっこい儀式がいちいちカッコいいの。
やっぱりこういう格式に則った所作というものは見ていて実に気持ちがいい。
気持ちがいい…のはいいんだけど、席が極端に狭い！
足を思いっきり曲げて座らないとスペースに入りきらないじゃん？
足が完全にシビレちゃって、トイレに行く時なんかよっぽど注意して立ち上がらないと危ないことこの上なし。

やっぱり迫力がスゴイのよ。
行司の声や力士がブチ当たった時や張り手の音。
そして、勝負が付いた時のお客さんの歓声！
ヘタなロック・コンサートより断然迫力があるってばよ。
ヒイキの力士への呼び声もにぎやかだ。
チョット後ろの席にやたら元気のいいオバさんがいて、「かがやき～」とか「いきおい～」とか叫ぶワケ。
「かがやき」？「いきおい」？
こっちは相撲のことなんか全然知らないもんだから、昭和40年代の電化製品を連呼しているみたいで面白かったな。
テレビでしか見たことないけど、昔はプロレスの試合の合間にスポンサーの家電製品なんかをリングで紹介して宣伝していた。
三菱電機の「風神」とかいう掃除機とかね。アレを思い出しちゃった。
チョット前には色々あったけど、やっぱ白鵬はカッコいいね。
結びの一番。

ところがこの日は「阿炎」に負けちゃった！
「あえん」？
「亜鉛」かと思ったら「あび」関。初の金星。
おお～、座布団が飛びまくってるぜ～！テレビで見てるとナンてことないんだけどね。
後からタックルされるほどではないにしても、ガンガン飛んできて結構アブナイんよ。
ところで、相撲ってのは写真を撮ってもいいんだね。
それを知っていたらチャンとしたカメラを持って行ったのに～！
掲載した写真はすべて携帯で撮ったモノなの。

で、なんで大相撲の話題を引っ張り出したか…。
それは「いい席で見た」という自慢がしたかったの…というのはウソ。
カギはこの人、栃の心。
立派な尻だナァ。
まるでサイのようだ。
上で触れたように今回の場所を終えて大関昇進を決めた。大関になることは「夢のまた夢」だったらしい。
それもそのハズ、この人キャリアがメッチャ長くて、新入幕から60場所もかかっての大関昇進なのだそうだ。
コレ、増位山と並ぶ歴代最遅の記録なんだって。
まさに定年間際のサラリーマンが滑り込みで部長に就任したというイメージか？
よく辛抱したな～、栃の心。
やっぱり何事も続けていないとダメだね。止めちゃったら全部終わりだ。
それでですね、Marshall Blogも10年続けてるのよ。
小結ぐらいにはなってんのかね？エ、まだ序二段？
ハイ、栃の心を見習ってまだまだがんばります。

最近、よくご両親がテレビに出演していたりするので私も知っているのだが、栃の心の故郷はジョージア。
なんだアメリカかかいな…と最初は誰しもが思うわナァ。レイ・チャールズの顔まで浮かんじゃったりしてサ。
ジョージアというのは、いつ呼び名が変わったんだか知らないが、かつてはグルジアと呼ばれていた1991年にソヴィエト連邦から独立した共和制国家。
北はロシア、東はアゼルバイジャン、西は黒海、そして南はトルコに接するロケーションで人口が370万という小国だ。
ロシアとトルコに挟まれた国なんて音楽がメッチャ面白そうだ。

この日の栃の心の取り組み相手は豊山。
決まり手は「突き落とし」。突き落として栃の心の勝ち。
で、そのジョージアにですね、「世界一深い」と言われている洞窟がある。
現在わかっているだけでもその深さは2,197mにも達するという。
この洞窟の名前が「クルベラ」という。

そしていきなり…。
コレが6月20日にリリースされるKRUBERABLINKAの5枚目のアルバム『The Deepest Place』。
まず、ジャケットがいいね。
KRUBERABLINKAはいつもジャケットがいい。
赤尾画伯の作品。
初め黒人が描かれているのかと思ったらさにあらず。
世界で最も深い場所、クルベラ洞窟の底は当然真っ暗闇だ。
そのThe Deepset Placeでの様子が描かれているということだ。

コレがですね～、素晴らしいんですよ。
ラッキーにして私はKRUBERABLINKAが立ち上がるところからお付き合いさせて頂き、その変遷を傍らで拝見してきた。
このバンドの作品ってどれも非常にミッチリ作ってあって、とても聴きごたえがあるんだよね。
Ritchie Blackmore'S Ranibowの『Rising』で人生が変わったという和重さん。
それだけにそのサウンドはブリティッシュ・ハードロックの伝統に深く深く根ざしていて、気を衒う寸前の曲作りが実にカッコいい。
そして、今回の『The Deepest Place』。
まだ将来があるチームであることを百も二百も承知して言うけど、「最高傑作」になるんじゃないかしら？
私的な聴き方をすれば、「最も理想的な日本のハード・ロック」が出て来ちゃった感じがするんだよね。
それは歌詞であり、曲であり、録音であり、演奏であり、ジャケットであり…。
老若男女を問わず、ひとりでも多くのロック・ファンに聴いてもらいたいアルバムだ。
特に若い人に聴いてもらいたいナァ。

発売日までまだひと月近くあるが、エエイ！
先行して「レコ発ライブ」をやっちゃった。
正確には「レコ発されてないライブ」だ。

場所は最近のKRUBERABLINKAの東京でのホーム、四谷三丁目のソケーズ・ロック。

赤尾和重

鈴木広美

広美さん使用のMarshallはJVM410Hと1936。

ドラムスは泉谷賢。

NATALのメイプルを使用。
フィニッシュが黒地に赤いラメをあしらったブラック・スパークル。

ベースは鎌田学。

EDEN Terra Nova TN501にD410XLTの組み合わせ。

オープニングは広美さんのゴージャスなリフから始まる「Goodbye Ground（地上よ、さようなら）」。
『The Deepest Place』のオープナーだ。

最初にコレは言っておこう。
実はこの新作は一種のコンセプト・アルバムになっている。

地上に別れを告げ、アルバムの最終曲「The Deepest Place」で地中の最も奥深い世界にたどり着くという筋立てだ。

この日、新作のタイトル・チューンである「The Deepest Place」は演奏されず、ショウの運びとしてアルバムの完全再現という手法は採用されなかったが、収録された10曲のうち、9曲が披露された。

フロント・ピックアップのサウンドをフィーチュアした広美さん独特のソロが冴える！

新作に込められた大きな自信が窺い知れる堂々たる歌唱が素晴らしい。

続いて前作『Conicalify』から「Chamber」。

コレも広美さんのリフでスタート。

Judas Priestにありそうなヘビメタっぽい曲想だが、KRUBERABLINKAが演るともう少し前の時代の「伝統のハード・ロック」となる。
コレがいい！
「chamber」とは「会議所」とか「王宮の公式の間」という意味。
「the」をつければ「議院」という意味。
我々の世代は「エコー・チェンバー」でおなじみの言葉。それゆえ「小部屋」みたいな意味が第一義かと思っていた。
若いギタリストは知らないだろうけど、「エコー・チェンバー」とは今でいうディレイのこと。
テープ・エコーもクソもない。それしかなかった。
ちなみにこの言葉、正しくは「チェインバ」と「チェ」にアクセントを置いて発音する。

「ホンマに久しぶりのソケーズ・ロック…昨年の9月以来ですね」
ドワッ！もうそんなに経つの?!ついこないだのような感じだけど…鯛ラーメン食べたのは。
「今日は6月20日に発売するアルバムのレコ発ワンマン。1曲目から新曲をお披露目したんやけど、どやろ？」

次に演奏したのは「モルタル」。

今度のアルバムの中でも、特に私のお気に入りのひとつ。
タイトルもさることながら、ナントいってもこの♪ズンズクズンズクというリズム・パターンがタマらん！
これぞハード・ロックの王道！

最近はこういうタイプの曲が全くなくなっちゃったからとてもうれしいのだ。

そんな王道ハード・ロックに載せられた歌詞がとてもヘビィだ。

ん～、このギター・ソロも素晴らしい。
奇抜なアイデアが曲にピッタリとマッチしている。

「モルタル」なんて言葉が出て来たら私としては当然ダマっていられないのだが、今回は触れないでおく。
新作のコンセプトにからめて＜後編＞でやらせて頂く。

「だんだん暑くなって来たんじゃないですか？」…「クルベラのソケーズ名物」であるオリジナル・カクテルを紹介。
キウイ、メロンと果物でつなげて来たKRUBERABLINKAの曲にちなんだドリンクだ。

今回のお題は「ライチー」。
楊貴妃が好んで食べたっていうアレね。
青がからまってとても涼しげだ。

カシシを手にした和重さん。
歌うは「ライチー」。
タマタマ写真は険しい表情になっているけど、曲は「恋の予感」を歌ったナニかが揺れてるさわやか系。

ココでもよく練られたギター・ソロが曲の楽しみを倍増させている。

CD通りの「♪チーン」…まるでドヴォルザークの交響曲第九番「新世界より」のシンバルよろしく、和重さんが1回だけトライアングルを鳴らして曲を締めくくった。

ハイ、ココでガツンと脱線。
KRUBERABLINKAのフルーツ・ネタにちなんでMarshall Blogでもフルーツ・ネタを一発お見舞いしよう。
ココは浅草ひさご通りにある「フルーツパーラー ゴトー」。
人力車がガイドするほどの人気で、ココのパフェをモチーフにした画家が先日ニューヨークで個展を開いたという有名店。
いつも行列ができていて、平日といえども昼間はまずスンナリと入ることはできない。
パフェが目玉のお店だからネェ。
女性ばっかりだと思うでしょ？イヤイヤとんでもない。
男性も結構並んでるのよ。
…というのは、パフェに使われている果物が信じられないぐらいのクォリティの高さで、よっぽど果物が苦手という人は別にすれば、ココで出される果物にケチをつける人はこの世に1人もいないと考えるのが普通だろう。

左下は本日のパフェ。
その他は完熟マンゴー・パフェ。
テーブルについているのはMarshall社社長夫妻のジョンとエリーだ。
ジョンはいつもはこの手のものを口にしないのだが、アッと言う間にペロリ。
エリーも「デリ～シャス！」、「ベリーナイス！」、「グレート！」、「ワンダフル！」の連発。
見ているとイギリス人もよく果物を食べるけど、青くて酸っぱいリンゴばっかりだもんね。それかオレンジ。

中に入っているシャーベットやアイスクリームも自家製。
当然、同じフルーツから作られる。
マンゴーってサ、我々の世代は若い頃に食べたことはおろか、見たことも聞いたこともない、どちらかと言うと新しい果物というイメージが強いと思う。
おしいもんだね～。
食べた瞬間、飛び上がるわ。まさにホッペが落ちそう！って感じ。
口にするのはせいぜいインド料理屋のマンゴー・ラッシーぐらいだからネェ。
とにかくこのおいしさと値段にはビックリだ。
そういえば、むかしむかし、ある晩父が「コレおいしいんだぞ～」と言ってグレープフルーツを買って来たのを覚えている。
当時は半分に切って、グラニュー糖をタップリかけて、先がギザギザになっているスプーンで実をほじくって食べるのがスタンダードな頂き方だった。
酸っぱいというより、少し苦いような味がとても不思議に感じたな。それとナンでコレが「グレープなの？」って。

下は今が旬のアメリカン・チェリーのパフェ2種。
上に乗っているのは病院のお見舞いに持って行くような、そんじょそこらのアメリカン・チェリーとはワケが違う。
みずみずしくて、肉厚で、味が濃くて最高においしい。
上に乗っているアイテムは同じだが、向かって左にはそのアメリカン・チェリーを使ったアイススクリームが下に詰まってる。
一方、右にはチョコレート・アイスが収まっている。
チョコレートとチェリーってのは相性がバツグンだからね。

うまいぞ。
筆舌しがたいおいしさだ。
KRUBERABLINKAの次作でのフルーツ曲は「マンゴー」か「アメリカン・チェリー」でお願いしたい。
ちなみに、マスターと私はザッパ友達なのだ！

「次はシットリ系。今年ヒットして来年の紅白歌合戦に出れると思う。どんな曲やねん?!」

曲は「遠い彼方をひとりで探す」。
和重さんの言葉通りのマイナーのバラード。フレットレス・ベースに持ち替えた鎌田さんのプレイが深い！
「砂山」を思い出させる広美さんのソロも魅惑的だ。

しかし、ナントいってもこの曲で一番特徴的なのは和重さんの「語り」だろう。
チョット意外なイメージ。
もうひとつ意外なのは、和重さんでも紅白歌合戦に出たがっている…ということだ！
グラストンベリーとか、ダウンロードとかよりも紅白！
やっぱり日本っていいね～。

続けて「ピエロの心臓」。2014年の『BLANKO』からのチョイス。

5/8拍子が自然に聴こえるトリッキーな1曲。「しゃらくさい！」、「シロクロ！」…こうしたドッシリとしたヘヴィ・チューンでの和重さんの声は何とも頼もしい。
そう、ロックの頼もしさにあふれかえっている。

第1部最後のセクション。
「あと2曲になりました…ホッとしてるんじゃないですか？
「ナンでやかましいかと言いますと…」…と、Marshall、NATAL、EDENの紹介をしてくれた。
いつもありがとうございます。
そうなの、和重さん、前々からNATALのコンガが欲しいって言ってくれていましてね。
ゴメンなさい、そのウチ入れますから！
イアン・ギランはNATALのコンガを愛用していたからね。
和重さん、イアン・ギラン・バンドがお好きなんだよね。
私も1977年の初来日公演を武道館に観に行ったけど、結局うれしかったのはパープル・ナンバーだけだった。まだオコチャマだったから。
でも、今CD聴くとメッチャかっこいいんだよね～。
あのバンドはギターにスター・プレイヤーを迎えなかったのが最大の悲劇だったと思う。リッチーで懲りたのかね？
この辺りはボーカリスト最大のジレンマだよね…なんて時代がまた来て欲しいナァ。ギタリストがMarshallでギターをチャンと弾いてもてはやされる時代がサ。
やっぱりね、私はアンチ巨人だけど、夏が暑く、冬が寒くならなければならないように、巨人は強くなければ自然の法則が成り立たないと考えてる。
それと同じで、ギターはやっぱり花形じゃないとロックは成り立たない。
見ろ！
この自然の法則が破壊され出した途端、ロックはヒップホップに駆逐され出したじゃないか！

「パラダイス～、インフェルノ～！」と声高にタイトルをコール。

この曲もメッチャ好き。「KRUBERABLINKAのロックンロール」と私は勝手に思ってる。
広美さんのバッキングがいいんだよ。
そして、曲が次から次へと展開していくパノラマ状態。

しかし、和重さんの歌詞はムズカシイのう。
どこから言葉が飛んでくるかがわからない。
でもロックはコレがいい。
今、若い人の間でハヤっているロックって「あるあるソング」だもんね。
日常のことを歌うのはポピュラー音楽の常道なのはわかるけど…このあたりに洋楽が聴かれなくなった要因のひとつがあるのだろう。
我々世代は「猫の足　鉄の爪　神経外科医たちが金切り声で求め続ける　妄想病者の毒の扉の前で
21世紀の分裂病者」だからね。
ロックはコレでいいのです。

そして、第1部最後の曲「Cell Division」。

この曲は以前から演奏していて、前回も取り上げられた。

コレもパノラマ感に富んだ複雑な曲。
大スキな曲で私はコレをKRUBERABLINKAのキラー・チューンのひとつと捉えている。

それを今回のアルバムの2曲目に収めたところが何ともうれしい。
アルバムもショウも2曲目が重要なのだ。

初演の頃はムズカシイと盛んに騒いでいたが、レコーディングを終えた今、すっかり自家薬籠中の1曲とし、完璧な演奏で第1部の幕を降ろした。

KRUBERABLINKAの詳しい情報はコチラ⇒KRUBERABLINKA Facebook

 
（一部敬称略　2018年5月26日　四谷Sokehs Rockにて撮影）

 
今日はD_Drive。
4月の中旬に新宿のライブハウスで開催されたイベントでのひとコマ。
今までの記事の中でも幾度となく触れているが、D_Driveとの付き合いもずいぶん長くなった。
ナニせ最初からだからね。
今年で9年目。
来年は10周年。
相も変らぬ安定した活動を継続している。
　　
今日の1曲目は珍しく「Drive in a Stary Night」。
Seiji

Yuki

Toshiyuki

Chiiko

…アレ、なんか変だな。
もう1回やってみるか。
　　
今年で9年目。
来年は10周年。
相も変らぬ安定した活動を継続している。
ギターはSeiji。

SeijiさんのMarshallも相変わらず。
JCM200 DSL100ECと1960AX…と相変わらずなんだけど、どう？キャビネット？
キレイになったでしょう？
今まで使っていた1960AXがあまりにもズタズタに傷んでいたので入れ物だけ交換したのだそうだ。
イヤ、違うな、
程度の良い1960AXが手頃な値段で売られているのを見つけて、今まで使っていたキャビネットに載っていたスピーカーを移し替えたのね。
このスピーカー交換の作業って、裏ブタを開けて、配線をハズして、バッフル板にスピーカーを取り付けているビスを外して…載せ替えるスピーカーを用いて、後はこの逆の作業をすればいいだけなんだけど、コレがひとつ細かい失敗をしてしまうとモノスゴく厄介なことになる。
ずいぶん前の話だけど、私は愚かにもこの失敗をやらかしてしまって、通常10分もあればこなせる作業に3時間半を費やしたことがある。
もちろん、このことを伝えてあったので、Seijiさんは難なく作業を完遂。

ギターのYuki。

Yukiちゃんももちろん安定のMarshall。
先日のSONY Xperiaの新機種の発表会の時にも用意されたJCM2000 TSL100と1960Aだ。

そして、Toshiyuki。
あ、ココだ！
ココがいつもと違ってたんだ！…と後ろのChiikoちゃんもそう言ってます。
そう今日は、ベースがShimaちゃんからToshiくんに交代してから初めての東京での演奏なのだ！

メンバーが替わっても変わらないのはベース・アンプ。
実はToshiくんは以前からEDENのプレイヤーでTerra Nova TN-501を愛用してくれていたのだ。

メンバーが替わっても「Starry」の見せ場のひとつであるフォーメーションはバッチリ。
今日はSeijiさんもシッカリやってる。
でも、ナンカひとりだけキメのポーズが違うような気がするのは私だけか？

続けて「Attraction 4D」。

ガチッと締まったイントロから…
ポップなサビ。

イキもつかせぬギター・アンサンブルと曲の展開。
真ん中のキメからサビの戻るパートなんてタマらなくカッコいい。
とてもいいアイデアだと思う。

ソリッドかつハードでディープなリズム隊。
必要以上にドコドコやらないこの曲のバスドラムが好き。
「高速バスドラ」とかいってやたらドコドコとペダルを踏むなくるのが普通になってるでしょ？
アレ、始めたの誰ッ？
バス・ドラム本来の使い方とは遠くかけ離れてしまっているように思えてならない。
低域がリッチになって曲の迫力は増すかもしれないけど、曲やバンド個性を完膚なきまでに殺してしまう…と私は考えている。
早く去って欲しいトレンドのひとつ。

そして、もちろんギター・チームのソロもバッチリとフィーチュア。

そういった聴きどころ満載のキラー・チューンが「Attraction 4D」。
つまり、D_DRiveの「Highway Star」なんだな。
ザッパで言えば「Inca Roads」だ。
私がもしD_Driveのアルバムをプロデュースすることができたとしたらこの曲をオープナーに据えるね。

さらに続けて「Cassis Orange」。

この辺りで「Cassis Orange」が出て来るのは勝負を急ぐ時のパターンや。

そう、今日は出演バンドが多く、持ち時間が少ないからね。

ドバっと一気にD_Driveをさらけ出しちゃう計画。

Toshiくんは曲によって指とピックを使い分けて、今までのD_Driveにない低音域をクリエイトしていた。
ところで、ToshiくんがMarshall Blogに登場するのは初めてのことではない。
そう、CONCERTO MOONに在籍していた時にも何度も出てもらっている。
でも、久しぶりのことで、一体何年ぶりなんだろう？8年ぶりぐらいか？
　
閑話休題。
ベースってサ、寡黙な楽器に思われがちだけど、実はとてつもなくデカいバンド・アンサンブルのカギを握ってるんだよね。
約40年にわたって山下達郎さんの低音を担当している伊藤広規さんの『Relaxin' at IWAKi ALIOS』というライブ・アルバムのライナー・ノーツと写真を担当させて頂いた時、「いいバンドには、いいベーシストがいる。いいベース弾きには、いい仲間がいる」というキャッチ・コピーを提案し、CDの帯に刷り込んで頂いた。
いまでもそう思っている。
　
さて、今2012年にリリースされたそのCDのライナー・ノーツに久しぶりに目をやってビックリ。
おかげさまで、色々なところに我が拙文を寄稿させてもらっている。
そんな時、商品が出来上がる前は何度も何度も自分の書いた文章に目を通すけど、印刷されて商品になったモノってナンカ読めないんだよね。コワいのと、恥ずかしいのとで…。
で、このアルバムのライナー・ノーツを書いた時はまだMarshall社に入社する前で、浪人の時だったのね。
原稿を書き上げて、さて自分の肩書をどうするか…ということになって、大層困った。
「フォトグラファー」といえば聞こえもいいし、実際に写真も撮っているんだけど、どうもシックリ来ない。
そもそもナンだってカメラマンがライナー・ノーツを書いてんだ？ということにもなりかねない。
もちろん今ならMarshallの名前を出せば一発で事足りるのだが、この時はそうもいかなかった…浪人だったから。
結局どうしたかと言うと、制作の方と話し合って「ミュージック・コーディネーター/フォトグラファー」という肩書を付けてもらった…恥ずかしィィィィ～！。
「ミュージック・コーディネーター」か…忘れてたよ。
でも、Marshallを通じてそんな仕事をして行きたいナァとは思っているのです。
そんだけ。

今日のToshiは同じEDENでも旧型のWT-800を使用。
新旧の差はあっても、そこはやっぱりEDEN。
ヌッケヌケのトーンが素晴らしい。

ココでMC。
「皆さんに新しいメンバーを紹介したいと思います。ベースのToshiyuki～！今日で3回目のライブです！」

「3回目のライブでもう人生のピークを迎えています！すごく楽しいです！」
「今日がピークなら後は落ちて行くだけやん！」とシッカリYukiちゃんに突っ込まれとったで。

Seijiさんからは物販の紹介。

そして、MCマイクはYukiちゃんに戻り…
「次は私が『ドラゴン・ボール』が好きなので、勝手に『ドラゴン・ボール』の曲をイメージした曲を作りました。Chiikoさん行きますか！」
と、最新シングルから「GEKIRIN-逆鱗-」をプレイ。
私なんかは『ドラゴン・ボール』になるとサッパリわからないんだよね～。何なの、サイア人って？
それでも「アラレちゃん」まではイケるんよ。
それと、サッパリわからないのが『ガンダム』。英語では『グンダム』。何なの、「シャア」って？
訊くと何でも本名を「シャア・アズナブル」とおっしゃるとか…それ、フランスの大歌手、「シャルル・アズナブール」だってば！
アズナブールって94歳でいまだに現役で歌っているんだけど、生年がナント、1924年…コレだけ聞くとピンと来ないけど、1924年といえば大正13年、関東大震災があった翌年の生まれだからね。
Marshallの創設者、ジム・マーシャルのひとつ年下だ。
コレは前にも書いたナ。

ギター・チームは竿を持ち替え。
アレほど「イヤだ！」って言っているにもかかわらず逆さにはえた鱗に触られた龍のような演奏だ！…見たことないけど。
そういえば、昔、神保町の靴屋があって、その店先に箱が置いてあった。
その店で買っている犬がいつもその箱に入っていた。
犬といえば、「地球上で唯一、自分のことより飼い主のことの方が好きな動物」というぐらい人類と仲が良いワケだ。
にもかかわらず、その犬の箱にはこう書いてあった。
「さわるのキライ」
反対側には…「さわるとかじる」。
犬にもいろいろあるようで…。
「龍の鱗」の話を聞くといつもこの犬のことを思い出しちゃうんだよね。

ちなみに、「逆鱗に触れる」というのをどう英語で表現するか…。
例えば私が要らぬことを言って、Seijiさんの逆鱗に触れたとすると…実は簡単。
「I pushed Seiji's buttons!（Seijiさんのボタンを押しちゃった！）」でいい。
Seijiさんはいつも「ヤル気スイッチ」がONの状態なので、特にボタンを押す必要はないのだが…。

最後を締めくくったのは「Screw Driver」。

おなじみの「Dスタンダード」に会場は大いに盛り上がった！

メンバーが替わってもまったくライブ活動に変化を見せないD_Drive。
いくら人生のピークとはいえ、Toshiくんも曲をアタマに叩きこむのが大変だろうな～。
そんな折、今年もTSPと組んで『美女と金髪と野獣』のツアーが催行される。
今年は全国8か所の公演だそうだ。
コレ、どんどんデカくなっていくね～。いいことだ。

D_Driveの詳しい情報はコチラ⇒D_Drive Official Web Site

　　
＜オマケ＞
今日の会場の楽屋のトイレのドア。
どう見たってMarshall。
そんじゃ、まさか冷蔵庫に続いての新しいブランド商品はトイレのドアか？
そんなことはないにしてもスゴクね？
コレだけで「Marshallだ！」というイメージが伝わっちゃう。すなわり、ロックのイメージがつたわっちゃうんだから。
ミッキーマウスのシルエットと同じぐらいスゴイと思うわ。
だ～か～ら、ロック・ギタリストを標榜するならMarshallを使わなきゃ損だって！

 
（一部敬称略　2018年4月15日　新宿CLUB SCIENCEにて撮影）

　
『舞子邁進 激突乱舞』…次に登場したのは犬神サアカス團。
犬神さんの物販コーナーはこんな感じ。
ひと際目を惹くのが右下のカリカチュアライズされた凶子姉さんが「ゴホン、ゴホン」と咳き込んでいる四角い薄いハコ。
コレ、マスクのケースなんだって。
昔は存在しなかったアイテムだよね。
日本人のマスク好きには、冬から春にかけて来日する外人がもれなくビックリするからね。
大勢のマスクをして街を往く人たちを見て「オイ、シゲ！あのマスクはナンダ？疫病でも流行っているのか？」ってな具合。
冬であれば「Due to the flu」と答えるし、春であれば「Hay fever go around」ぐらいに答えているけど、これほどマスクを重用する国民は世界に他にないのではないか？
それもこれも、花粉症の出現という環境の変化によるところも大きいのはもちろんだが、それに対応するあの紙製のマスクなくしてはこの「マスク文化」は成り立たなかったであろう。
私は花粉症が全くないので、よっぽどの理由がない限りマスクをしない。
それでもインフルエンザの大流行期に病院に行ったりする時などはさすがにマスクを着用せざるを得ない。
すると、付けたりハズしてポケットに入れたりしているウチに、どうしてもマスクがグシャグシャになっちゃうんだよね。
予備のマスクもバッグの中でズタズタになっちゃうし…。
そんな時にはこのマスク・ケースは便利だよね～。
まったく色んなモノを考えるもんですナァ。
エ、「『疫病』なんて英単語知ってるのかよ？」って？
知ってんのよ。
「plague」と言って「出る単」に載ってるから。発音は「プレイグ」。
ケーブルの先っチョに付いているヤツは「plug」で「プラッグ」と読む。
時々混同してしまってアブナイ時があるのよ、この2つ。
ちなみにチェコの首都プラハの英語名は、疫病の「l」が「r」に置き換わって「Prague」と書き、「プラーグ」と発音する。
英語をコレから勉強したいと思っている人…英単語を覚えるんだったら「出る単」が一番おススメだよ。

犬神サアカス團がステージに上がった。

犬神凶子

犬神情次2号

犬神ジン

犬神明

ジョニーちゃんはもちろんMarshall。

自前のJCM800 2203だ。
コレがなければ犬神サウンドは成り立たない…ぜ。

オープニングは最近作のタイトル・チューン「新宿ゴーゴー」。

イントロのギターがカッコいいんだよ…スパイ映画に使われる音楽みたいで。
あ、そうそう、スパイ映画と言えば、フランシス・フォード・コッポラに『カンバセーション…盗聴…（原題：The Conversation）』って作品があるんだけど観たことある？
ジーン・ハックマンにジョン・カザール、メッチャ若き日のインディ・ジョーンズ、あるいはハン・ソロ…すなわちハリソン・フォードがチョイ役で出てる。
プロの盗聴屋がクライアントの殺人事件に巻き込まれてしまって、いつの間にか自分が盗聴される側になってしまう…みたいな内容でね。
コッポラだけあって映画も相当面白かったけど、デヴィッド・シャイヤという人が作曲した主題歌があまりにも素晴らしいの。
マイナー・ワルツのピアノ曲なんだけど、いかにも盗聴している会話を録音するテープ・レコーダーのリールが怪しげに回っているようなイメージでね。
中学1年生ぐらいの時に初めてラジオで聴いたんだけど、ズッと忘れなかったもんね。
音楽の力ってのはホントにスゴイよ。
いきなりの脱線でした。

「♪甘ったれのヨーコ　内気なミキ　おどけもののレーコ　ナオミはみなしごさ」
最近は「みなしご」なんて言葉をまったく耳にしなくなったけど、歌詞がまたシックリ来るんだよね～。
そして「♪ゴーゴー！」と展開するサビ。
ああ、新宿でくすぶっていた時代を思い出すわ…ウソこけ！
新宿は今でもコワいです。
ちなみに今の新宿二丁目あたりにあった遊郭は昔「ニシ」と呼ばれていた。

「今日は女子のボーカルズのバンドしか出ないイベントです。女子はドSのMCをやるので、ウチもそんな風になりたいと思います。
春なので踊りたいと思います」

2曲目は「平成デモクラシー」。

「踊ります」の言葉通り、長い袖をフリフリ、鮮やかに「平成の舞」を見せてくれた凶子姉さん。

続けて「花嫁」。

この曲は演奏される頻度が高いんじゃない？
いい曲だもんね。
2002年のアルバム、『怪談 首吊りの森』から。
ジョニーちゃん、情念のギター・ソロ！
やっぱリフもバッキングもソロもMarshallがいいよ。
ウン、間違いない。

ジン兄さんのスケールの大きな低音域。

そして、明兄さんのドライブ感。
こうして犬神流のハードロックが炸裂する。

「今日はMarshall Blogが写真を撮ってくれているのでみんなは撮影禁止ね」
凶子姉さんにも紹介してもらっちゃった！
「撮ってる人いる？いたらお金もらうよ！財布の中見せてみな。コレってドSじゃなくてカツアゲ？」

カツアゲではありません。
カツアゲは何も見返りを与えずにお金だけを強引に脅し取る行為。一方、凶子姉さんの場合は知的所有権の販売です。
ちなみに「カツアゲ」の「カツ」は恐喝の「喝」、「アゲ」は巻き上げの「アゲ」だからね。
「あと3曲」
「エ～！」
3曲残っていればいいんじゃない？という気がしないでもありませんが…。
「最後だから一緒に歌いましょうかね！」

「ロックンロール」のコール＆レスポンスを交えてアルバム新宿ゴーゴーのリード・チューン、「暗黒礼賛ロックンロール」。
典型的なハードロック調のリフ。
やっぱロックはリフだよ。

いつかこの曲をサラ・ヴォーンの愛唱歌だった「Black Coffee」になぞったことがあったけど、ウ～ンやっぱ両方カッコいいな。

続けて明兄さんのドラムに…

ベースとギターの掛け合いが重なる「栄光の日々」。
『新宿ゴーゴー』のクローザー。

コレ、初めて聴いた時から歌詞にビビビと来た。
「ホコリだらけの栄光の日々」…か。
歌詞の内容と字面がメロディに実にウマく噛み合ってる。
この曲がアルバムの最後に収録されているのも面白い。

そして、出番の最後を「赤い猫」でコッテリと締めくくった。

犬神サアカス團の詳しい情報はコチラ⇒公式家頁

※今回は『私のディープ浅草』はお休みします。まだ続いています。

　
（一部敬称略　2018年3月30日　初台Doorsにて撮影）

　　
今日登場するのは久々のARESZ。
『舞子邁進 激突乱舞』という5つのバンドが出演したイベントのひとコマ。
相変わらずマッシブな品ぞろえのARESZの物販コーナー。

堂々たるTシャツ・コレクション。

もはやARESZ商店街！

ARESZのステージは「Going to Hell」でスタート。

瑠海狐＜るみこ＞

那都己＜なつき＞雅己＜まさみ＞

翔己＜しょうい＞

今日のドラムスはTakayuki Tashiro。

キタキタキタキタ～！
シュッとした瑠海狐さん。
でも相変わらずのMarshallボイス！
一瞬にして「ARESZだ～」ってことになる。

もちろん不動のメンバーが織りなす極悪のメタル・アンサンブルも相変わらず。

2曲目はおなじみ「我が生き様誉れ」。

「フリー」が担当パートの翔己くん。
「ノド」でも大活躍。

翔己くんはMarshall。
愛用のベース・アンプ・ヘッド3530とギター用スピーカー・キャビネット1960Aの組み合わせ。
リグの組み合わせも「フリー」なのだ。

今日は出演バンドが多数なので持ち時間が短く、ARESZのステージも5曲とコンパクト。
それを考慮してか最初から猛ドライブ！
まぁ、ARESZの場合、何時間やっても全編猛ドライブなんだけどね。

ところが！暗いのよ～！とにかく暗い！
ARESZが暗いワケではないのよ。
照明が暗くて暗くてどうにも写真が撮れない！
私は滅多にやらないんだけど、仕方ないのでこの時だけはカメラの感度を思いっきり上げて撮った。
それでも追いつかなくて、後に強引に明るく現像したのが今日の写真。
ありがたいことにARESZのお客さんもMarshall Blogの写真をいつも楽しみにしてくださっていて、現場でよく私に声をかけてくださる。
とてもうれしいんだけど、今日はゴメンね、ゴメンね～。
でも演奏の方は、燃え盛る炎のように明るいことこの上なし。

MCでは瑠海狐さんがARESZの東京移住計画を開陳。
メンバーみんなで住めるような物件を探しているのだが、なかなか借りるのが大変らしい。
見た目のせいで…。
「人間は『見た目やない』言いますが……人間、見た目ですナァ」
そりゃそうですよ。
何事も第一印象が大切。
人間、中身の良さがわかるまでお付き合いするなんてことは滅多にないんだから。
で、髪の毛を以前の金髪から大人しめの茶色に変えたら不動産屋の対応がゼンゼン違ったという。
ま、そんなもんです。
見えはしないんだけど、電話もそうだよね。
いつも思うんだけど、電話愛想のいい人って実際に会うと結構コワかったりするんだよね。で、電話ではコワいんだけど、会ってみるとゼンゼン愛想が良かったりするケースってない？
アレは電話でのファースト・コンタクトで先入観が出来上がってしまうからだろうか？
電話もコワいよね。
そして、そのMC内でMarshall Blogの紹介をしてくれた。
瑠海狐さん、ありがとう！
次の曲は那都己くんの「ほっぺふくらまし曲」…「Quickly and More Slowly」。

那都己くんが頬を膨らましたまま1曲通して演奏するという荒行。
昔のスコーピオンズのルドルフ・シェンカーの逆立ちにも似た企画。
意味のないところに双方の共通点を見出すことができると言えよう。

那都己くんも当然Marshall。
DSL100Hと1960Aを使用。

那都己くん、見事にバッキングに、ソロにと全編ほっぺを膨らましたまま演奏したが、誰もそのことに触れないではないか！
ま、土台、仲間なんてそんなもんですよ。

♪ドンガラドンガラとドラムスで始まるのは…

おなじみの「BATTLE MODE」。

翔己くんのベースが遠慮なく暴れ回る！

すさまじい音圧で迫りくる瑠海狐さんの歌声！というか叫び声！というか雄叫び！
ちなみに「雄叫び」という言葉は、女性が叫んでも「雄叫び」になる。
そりゃそうだ、勇ましく叫んで「雌叫び」では撞着になってしまう。

そして、那都己くんのソロ！
さっきの「ほっぺ事件」の悲劇を吹き飛ばすような会心のプレイ。

最後はこれもおなじみの「Soldiers of Cause」。

夢に出て来そうな瑠海狐さんの雄姿がARESZのステージの最終曲を飾った。

瑠海狐さんのルーティンで締めくくる。

演奏後の瑠海狐さんのご講和。
「美人、美男は得です」
ホント、そう。
『ローマの休日』って映画があるでしょ？ウィリアム・ワイラーの。
ヘップバーン扮するアン王女が勝手に髪の毛を切っちゃって、スペイン広場にいると見知らぬ男性が何かをくれるんだよね。アイスクリームだったっけ？
可愛いから。
得だよ～、美人は。アレ、可愛くなかったらナニももらえないからね。
あのシーンを観るといつもそう思う。
しかし瑠海狐さんはこう続けた。
「でも、どうやって生き抜くかは自分次第です。優しい気持ちになった方が得です。とことん落ちて上がりましょう。美味しいモノを食べたら復活できます」
2週間前に名古屋で食べたひつまぶしは殺人的に美味しかった…確かに復活した。

いつもニコニコしている瑠海狐さんはスゴイ。
優しい気持ちになってARESZの5人はステージを降りた。
　
ARESZの詳しい情報はコチラ⇒official web site of ARESZ

＜後編＞につづく　

　
（一部敬称略　2018年3月30日　初台Doorsにて撮影）

　　
日本ではよく午後の時刻を「16時30分」とか「22時10分」とか言い表すでしょ？
アレを海外でやると、時々「Oh, military time!」て言われて驚かれるんだよね。
彼らにはきっと「ひとろくさんまる時」とか「ふたふたひとまる時」みたいに聞こえるに違いない。
それでは連中は午後の時刻をどう言い表すのかというと、午後の4時半だったら単に「Four thirty」と言う。たいていは「A half passed four」と言う。もう午前か午後かは当事者同士はわかっているのでコレだけでいい。
朝の4時半に用事があるなんてことは滅多にないからね。
22時08分だったら単に「Ten eight」と言う
コレが22時10分だったら多分「ten ten」とは言わずに「Ten passed ten」と言うだろう。
相手が時差のあるエリアにいる時や、昼か夜かの念を押す時には時刻の後に「am」か「pm」をくっ付けるだけ。
イギリスは緯度が高いので一番日の長い6月中旬では夜の10時半ぐらいまで明るいし、冬は3時には暗くなってしまう。
日本とは大きく違う日照時間がこういう違いを生み出すのかな…なんて勝手に思っていたりする。
もうひとつ、こうした感覚の違いに曜日の取り扱いがある。
連中は滅多なことでは日にち（date）を口にしないんだよね。
日を指定する時、すべて曜日（day）で済ませちゃう。
「Last Sunday」とか「Next Wednesday」とか…。
それより先や過去のことの話はしない…と言えばウソになるが、私の感覚ではとにかく曜日を優先しているように見える。
例えば、ひと月先の旅行のスケジュールについて話をする時、我々は恐らく「〇〇日」と具体的に日にちを使って当該のの日を言い表すのが普通だが、彼らはそういう時でも曜日で言い表すんだよね。
もう心は彼の地に行ってしまっていて、その旅程の中に出て来る曜日を使って日を言い表す。
具体的にやってみると、今月の8日から12日までウチの社長が来日した。
ここのところ、レギュラーな行事として社長が来日した際、Marshall、NATAL、EDENをご愛顧いただいているプロ・ミュージシャンの方々に順番に出席いただく会食の場を設けている。
今回は9日だった。
でも、事前にスケジュールをスリ合わせる時、社長はガンとして「9日」って言わないんだよね。「水曜日」って言うの。
ま、私は海外に住んだことがないので、あくまでも部外者的な観察を経ての発見なので例外もたくさんあるだろうけど、こういうことがひどく面白いのだ。
　
さて、今日はそんな曜日がグループ名に入っているバンドのライブ・レポート。
I Don't Like Mondays.の登場だ。

ボーカルズの悠。

ギターは兆志。

ベースが謙二。

そしてドラムスは秋気（しゅうき）。

兆志くんはMarshall。

この日はJCM900 4100に1936を使用。

I Don't Like Mondays.がMarshall Blogに登場するのはコレが2回目。
前回は2016年の4月にお台場で開催された『CHIMERA GAMES TOKYO Vol.1』というイベントのレポートだった。

その時以来、このチームとは没交渉になっていたのだが、先日レポートした福島を応援するイベントで兆志くんと再会。
お台場の時に彼が「ゲイリー・ムーアのファン」と言っていたのがとても印象的でね…焼けぼっくいに火がついたように、その福島イベントの時にお近づきさせて頂いた。
それが今回のステージのレポートにつながったというワケ。
舞台は代官山UNITで開催した『New Edition Vol.1』というイベント。

I Don't Like Mondays.はトリで登場。
「今日はみんなで楽しもうよ！」
「Don't Look Back」で幕を開けたステージはそのまま続けて2曲目の「Shape of Love」に突入。

相変わらずのシャレオツなファンク・サウンド。
そこでブチかまされる兆志くんのゲイリー・ムーア魂のソロ。
このコントラストが気持ちいいのだ！

さらに続けてファンキーに「Fire」。

ちなみにI Don't Like Mondays.は思いっきりその頭文字を取って「アイドラ」と呼ばれている。
「アドラマ」とは言わない。
「マ」はどこへ行ったのかは敢えて訊くまい。
そんなことを考えている「間」などないゴキゲンなファンク・サウンドなのだ。
チョチョチョチョ、その前に…さっきから「ファンキー」だの「ファンク」だの言ってるけど、私は本当にこの手の音楽を全く通っていない門外漢なので、他に適切な形容詞が見つからないのですよ。
今日はそのこところを割り引いて読んでくださいね。
そもそもこの手の音楽にMarshallが使われていることが珍しいワケだから。

ところがね～、いいんですよ。
Marshallのクリーン・サウンドってのはこうした16ビートのカッティングに実にキレイにフィットするんですよ。
しかも今日はキャビネットが2x12"なのでヘヴィすぎることもなくとてもいい感じ。

そして、その小気味よいカッティングか～ら～の～、ソロがド～ン！
実によろしいな。

そんなギターと軽妙洒脱な悠さんをガッチリ支えるリズム隊。

この手のサウンドだと大抵キーボーズが入ったり、ともすればサックスを入れて下世話なサウンドになっちゃうところをこのチームはレッド・ツェッペリンやヴァン・ヘイレンと同じインストゥルメンタリゼーションで演っているところが素晴らしい。

「そんなもんですか、トーキョー！」
少しハード目に「Tokyo Brothers」。

続いては2枚目のフルアルバム『Fashion』から「Freaky Boy」。
滑らかな律動感がタマらんね。

「今日初めて観るっていう人はいますか？」
その初めてのお客さんたちに向かって…「今日は特別な夜になりそうですね！」と、ちょっとユッタリに「Super Special」。

さらに昨年12月の配信シングル「My Girl」。

いかにもアイドラらしい軽快なナンバーですな。
お客さんたちもとても楽しそうだった。

完全に曲の一部としていい具合に組み込まれたギター・ソロ。
このメリハリ感がいい！

ゴキゲンな時間は過ぎるのは早うございまして…もう最後のセクション！

曲は「Tonight」。
もうこのあたりはまさにステージ客席が一体化してる…っていうヤツ！
元々身体を動かしやすいタイプの音楽だからね。
そりゃ盛り上がるにキマってる。
そして最後。
「みなさんとステキな時間を過ごして元気をもらいました！明日からまた頑張れます！人生を楽しみましょう！」と、「We Are young」を演奏して本編を締めくくった。

もちろんすぐさまアンコール。

まずは「Girlfriend」。
この雰囲気！

最後まで気合いの入った演奏を聴かせるバック陣。

さらにもう1曲…「On my Way」を演奏。

こうして興奮のイベントは幕を降ろしたのであった！

I Don't Like Mondays.の詳しい情報はコチラ⇒I Don't Like Mondays. Official Site

　　
＜＜第2部＞＞
I Don't Like Mondays.は、去る5月10日、インドネシアのジャカルタで開催された特区・フェスティバル『Stellar Fest 2018』に招聘された。
その時の写真とレポートを兆志くんが送ってくれたのでココで紹介しておこう。

アジアは私の担当エリアということで、先日アジア地区のロック・フェスについて調べてみた。
すんごいイッパイあんのよ！
ビックリしちゃったよ。
いつの間にかこのフェス文化ってのが世界中に定着したね。
日本にも「フェスには行くけど、コンサートには行かない」とか「ワンマン・コンサートなら行くけど、イベントには行かない」とか、ライブの形態が細分化するにつれてお客さんの動きにも変化が出てしまって、動員に高等なノウハウが必要になってしまった感がある。
アジアの他の国ではどうなんだろう？

事前に兆志くんはこのフェスがパンク・ロック寄りのイベントと聞いていたらしいのだが、実際に参加してみると、アイアン・メイデンを想起させるよなプログレ感を持った現地がバンド出演していたとか。
4年前にフェスに出演した時も同じ感覚だったという。
ん～、「プログレ感」ってのが気になるな。
プログレッシブ・ロックってのはサ、あのどんよりした長く寒い冬を持つイギリス特有の音楽だからね。
乾季と雨季しかない一年中暑い国での「プログレ感」ってのはどういうモノだろうか？

4年前にアイドラを観て、今回の参加をとても楽しみにしていたという現地のファンの方が大勢いたとのこと。
こういうのはうれしいよね～！

別の日には現地のユー・チューバーの人たちとコラボしたり、ラジオに出演してちょっとしたジャカルタ語のゲームにチャレンジしたりと、現地の方と触れ合うことができて楽しかった…という。

そして、旅の楽しみと言えば、食べ物。
どれも美味しかったって！
最後に現地のスタッフに連れて行ってもらった「シンガポール」という中華料理店（ややこしい！）で食べた炒飯とフライドチキンが絶品だった…って、兆志くん、そんなのどこでも食べられるでしょうが！
インドネシアでは猿、コウモリ、コブラを食べることができるらしいじゃん？
あ、私はそういうのからっきしダメです。
そういえば、最近立て続けに台湾の料理が苦手というミュージシャンに会ったな。
八角っての？2人ともどうしてもアレがダメだって言ってた。
台湾の料理には何にでも入っちゃってるから、日本からカップ麺やらレトルト食品を色々持って行かなければならないんだって。
で、その「シンガポール」の隣にある「1/15」なるおシャレなカフェのカフェオレが絶品だったとのこと。
ふーん、偶然昨日のマーブロでやったばかりだけど、やっぱりインドネシアもコーヒー豆はアラビカ種ではなくてロブスタ種なんだね。
ちなみにアイドラのボーカルズの悠さんのお兄さんがジャカルタで「FUKUROU」というレストランを経営していて、滞在中はかなりお世話になったとのこと。
そちらのかき氷が最高だったのと、帰国直前に飲んだ味噌汁が体に染みわたったのだそうだ。
「さよならジャカルタ！」で味噌汁?!
オイオイ、すべて日本でも食べることができるモノじゃんか！

もちろんステージはMarshall！
ハハハ！アンプの上のMarshallバッグはうれしいね！

I Don't Like Mondays.は9月30日の大阪を皮切りに全国8か所を回るツアーを決定している。
東京は10月8日の品川ステラボール。
楽しみですな～。
益々のご活躍をお祈りしております…Marshallと共にお願いします！

 
（一部敬称略 2018年3月27日　代官山UNITにて撮影）

ステージにセットされたMarshallとNATAL。
コレらがガンガン使われたイベントのレポート。

NATALはアッシュのブラックスワール。

Marshallは上手がJCM900 4100（写真）とJCM2000 DSL100。

『chemical drive』と銘打った筋金入りのバンドのトリプル・ヘッドライナー。
「Chemical」は私、スゴイですよ。
何しろ学校出たての頃は化学品会社にいたからね。でもセメントのことしか知らないの。
　

トップバッターはTHE LOVEROCK VIOLENT。

ボーカルズとギターに木村直樹。

ギターはAtsuo。

キーボーズに清水賢治。

ベースは臼井OZMA孝文。

ドラムスは乙部-オトチ-ヒロ。

オープニング・ナンバーは「Rage」。
ストレートなエイトビートのジャパニーズ・ロック。

木村さんの熱唱がグイグイと迫って来る。

随所で魅せるAtsuoさんのギター・ソロも大きな聴きどころ。
やっぱりチャンとしたロックのギターはMarshallで鳴らさないと！ってこと。

最初「ザ・ラヴロック・ヴァイオレント」というバンド名を聞いてチョットだけビックリした。
ナンとならば、Marshallのイギリスの本社の仲良しに「ラヴロックさん」という人がいるから。

この写真の右の赤ちゃんを抱っこしてるのがラヴロックさん。
ザック・ワイルドも顔がほころぶ可愛さの赤ちゃんは次女のコニーちゃん。今はもうリトル・レディだけどね。
ただ、「Loverock」とはスペリングがひと文字違っていて「Lovelockさん」なのです。

CLASSIC ROCK JAMやDAIDA RIDAで何度もご一緒させて頂いている。
清水さんのキーボーズから始まるのはバラード。

ギターを降ろしてジックリと歌い込む木村さん。

あとはお客さんの手拍子が盛んに鳴り響くノリノリ・ナンバーが続く。

OZMAさんのアクションはいつも通り！
ロックだわ～！

Atsuoさんも負けてない！

やっぱりこのアッシュの音というのはソリッドなロックにピッタリだね。

「面影」という曲で締めくくった全8曲、全力疾走のステージだった！
　
THE LOVEROCK VIOLENTの詳しい情報はコチラ⇒OFFICIAL WEBSITE

2番目に登場したのはMOMO & THE SHOCKERS TOKYO！

広島から駆けつけてくれたMOMO！

ギターは西尾ともひろ。

下手のギターは大雅（たいが）。

ベースはTIOSHI。

そして、ドラムスは我らが山口PON昌人！

PONさんはいつもNATALのアッシュ。
だから鳴らしどころが完全にわかってらっしゃる！

MOMOさん、スゴイ迫力！
まず出で立ちからして強力だ。

44口径の弾丸もハジキ返しそうなバックルのついたベルト。
アチチチチチ！ホットロッドな足元！
そして、BLIND BIRDのTシャツ。

もちろん見た目通りのマスキュリンな歌声で暴れまくってくれた。
ロックというモノは本来はこういう声で演る音楽だったんだけどね。
イヤ、こういう声で演奏するのが「ロック」という音楽なのサ…我々の世代は。

コチラのチームもジャパニーズ・ロック・フィーリングむき出しのゴキゲンなパフォーマンス！

そうなんだよね～、大雅くん。
某所で何回も会ってるんだよね～。
ゴメンね、オジさん気がつかないで。
DSL100で着実なギターを聴かせてくれた。

実は…恥ずかしながら…GargoyleのTOSHIさんにも気が付かなかった！
コレのチョット前には犬神サアカス團のステージで撮影させて頂いたのに！
終演後、「アレ、TOSHIさん！観にいらしてたんですか？」なんて言ったら、「今、出てたんですよ！」ってな具合。
だってゼンゼン雰囲気が違うんだもん。
恥ずかしいったらありゃしない。
MOMOさんとはずいぶん長いお付き合いなのだそうだ。

この日は3月7日だったのだが、ココでPONさんからひと言。
「丁度ひと月前の2月7日にこのステージでBLIND BIRDのライブを演りました。それは今年初のステージでとてもいいライブになりました。
その後、桐嶋直志が2月22日に心不全で突然この世を去ってしまった…」
と、直志さんのことに触れ、言葉を続けた。
「MOMOが直志に『この曲をオレにくれ！』と頼んだ曲があります。ひと月前にココで演った曲です」

そして、「桜ひとひら」という直志さんの曲を演奏した。

MOMOさんの熱唱。
BLIND BIRDのTシャツはMOMOさんの直志さんへの感謝の印だったのである。

ギターを降ろしたMOMOさん。
次の曲でも魂のさらけ出すような熱唱が続いた。ココで雰囲気を変えて「Are you ready?」とお客さんと声出しをした後、再びMOMOさんがギターを手にして持ち時間の最終コーナーに突入した。

昨年5月にリリースしたアルバム『12 Strings Ablaze～炎の12弦～』からタイトル曲他をプレイ。

いかにもベテランらしいガッツのあるロックを聴かせてくれた！

MOMOの詳しい情報はコチラ⇒MOMO-SNAKE BITE LOVE

（一部敬称略　2018年3月7日　渋谷La Mamaにて撮影）

　　
道を歩いていて、外人から「What's your sign?」と訊かれたらどう答える？
「サ、サイン？…ナンの？」
野球のキャッチャーだったら「スライダー」とかフザけて答えるかもしれない。
芸能人だったら「色紙とペンは持ってるの？」と応対するかも。
実際にいきなり外人から「What's you sign?」と声をかけられることは絶対ない。
コレ、「あなたの星座は何ですか？」という意味だから。
知っていなかったら意味が分からない英語表現のひとつではあるまいか？
私は外国の友人からすら訊かれたことはないが、せっかく勉強して覚えたので外人に試したことは何回かある。
もちろんキチンと答えてくれます。
ナンでこんな書き出しになっているのかとい言うと、『RagnarøkKr 神々の黄昏』の＜後編＞は占星術をモチーフにした曲をレパートリーに持つシンフォニック・メタルバンド、Draculeaが登場するからだ。
Marshall Blog初登場！Kellyさんのステージの終了後、ほどなくして「Gateway to the Great Abyss」をイントロに据えてステージにその姿を見せたDraculea。
大所帯だ。

Kellyさんのステージの最後にYAMA-Bさんと「Now Your Turn」をデュエットしたKaiser Dracul。
外宇宙より来たるアウタースペース・ゴッドの一族で、暗黒聖書SAGAの創造主。
土星の環の「暗黒螺旋城」に住むアンダーワールドの皇帝。
そして、地上における姿は魔術師だ。
何やらやたらと忙しそうだ。
ノスフェラトゥの"H.E.L"KAISER.Draculは水瓶座だ。

Draculeaの大きな特徴は2人のバッキング・ボーカルズを擁していること。
下手に陣取るのは射手座のYUTAH。

対する上手のバッキング・ボーカルズを担当するのは天秤座のAAYA。
ちなみに英語では「vocal」という言葉はパートを表す名称で、たとえ1人でも「vocals」と複数形にするのが普通だ。

蟹座のベーシストはブロンズの車騎王、MASAKI。

ギター・パートも2人。
山羊座のYUTAROは「紅の星騎士」。

対して双子座のSINは「白の月騎士」だ。

キーボーズは乙女座の銀の錬金術師、TAITO。

ドラムスは2バンド掛け持ちで登板した「ローズの竜騎士」…YOSUKE。
おつかれさまです。

1曲目は「星座XIII BIBLE BLACK 暗黒聖書」。
なるほど「暗黒聖書」か…40年前、中学生の頃「星無き暗黒聖書」に夢中になったナァ。
今でもそういう人は多いんじゃないかしら？

Kellyさんの時とは異なる雰囲気で一気に会場をDraculeaの空気に変えてしまうKEISERさん。

そのKEISERさんを完璧にサポートするバック陣とのコンビネーションが素晴らしい。
見てすぐにわかる。

前述した通り、Drasuleaのレパートリーは星座にちなんだ曲ばかり。
私は占星術にはまったく詳しくないが、世の中星座をモチーフにした事物がナント多いことよ…となると、いちいち何か余計なことをくっつけたくなるのがマーブロ流。
特に音楽の分野は星座がらみのネタが豊富なんだよね。
今日はチョットそんなところをイジらせて頂きたい。
　　
3曲目は「Taurus♉牡牛座 | Undead Minotaurus / アンデッド・ミノタウロス」。
ミノタウロスはギリシャ神話に登場する、頭が牛で身体が人間の格好をした怪物。
牛の頭なんて重いモノが乗っかってたら肩コリ間違いないぞ～。
あ、でも西洋人って日本人とは骨格が違っていて肩コリしないんだってね。うらやましい。
で、ミノタウロスは日本にもいるということはいつかも書いたことがあるよね？
また書いちゃおう。
「～の件」の「件」と言う字は「にんべん」に「牛」って書くでしょ？この字は「けん」の他に「くだん」と読むことは皆さんもご存知の通り。
日本のミノタウロスはその字の通り「くだん」という妖怪だ。
「くだん」は元々、頭が人間で身体が牛の格好をした妖怪がいるとされていた。
それが次第に上下が逆さになって、「くだん」はミノタウロスのように頭が牛で身体が人間という説が定着した。
どちらが好みかは人によって分かれるところだが、この「くだん」は災厄を寄せ付けないという不思議な力を持っているいう言い伝えがあった。
まさに「アンデッド・ミノタウロス」。
だから第二次世界大戦中も、あたり一面焼け野原になったにも関わらず奇跡的に空襲から逃れた家は「アソコには『くだん』がいるんじゃないか？」などということがまことしやかに言われたらしい。
私は「くだん」のことを中学生の時に呼んだ小松左京の「くだんのはは」という短編で知った。結構ショックを受けたな。
当時『日本沈没』とかで小松左京が流行っていたんだよね。
もちろんこのタイトルの出自は二葉百合子のアレ。
後から知って秀逸なアイデアだと思った。
小松左京って、確か京都大学のイタリア文学科を出てるんだよね。
「イタリア文学」なんて相当珍しい。ダンテとかボッカチオとかを学んでいたのかナァ？
　
このDraculeaの曲はとてもドラマチックなメロディが印象的だ。

バリバリ弾きまくるYUTAROさんとの絡みが絵になるね～。

3曲目は「ARIES♈牡羊座 | Armor The Curse of War / 呪いのアーマー」。
ハードなドライビング・パートからジックリと歌い上げていくパートのコントラストが美しい。

KEISERさんの力唱が聴きどころの！「LEO♌獅子座 | The Berserker Load / 野獣の王冠」。
「♪Fire～！」で盛り上がる！
「berserker」は「狂暴な」を意味する「berserk」の動作主名詞で「戦場で狂暴になり無敵の強さを示した戦士、狂暴な人」のこと。
ザック・ワイルドのニックネームは「Berserk」だったよね？

声楽の人たちが自分のノドを「楽器」と呼ぶように、やっぱり「声」は最高の楽器だからして、Three Dog Nightじゃないけど、トリプル・ボーカルズなんてのはサウンドが大変ゴージャスになりますな。

神社の狛犬のように、こうして舞台の左右に２人の歌い手が陣取っている見た目も立派なのだ。

「CANSER♋蟹座 | Sheherazade / 戦慄のシェヘラザード」はこの手のチームにしては珍しい6/8のリズム。
ん～、聴かせどころが多いぞ！
「シェエラザード」と来ればリムスキー・コルサコフをイジると思ったでしょう？
いいえ、詳しくないことは書きません。

この日、比較的バッキングのパートを中心にプレイしたSHINくん。
SHINくんとは結構前からの知り合いで、楽屋に顔を出した瞬間に声をかけてくれた。うれしかった。
シンプルなチャイナ服がかえって目立ってていいぞ！

反対にリード・プレイをふんだんに聴かせてくれたのがYUTAROさん。
ア・カペラのギター・ソロを披露。
Marshall JVM410Hを使用。

YUTAROさんはJVMを使ったことがないとのことで、当日のリハーサル前に電話で使い方を説明したのだが、もう一発でJVMのキモを掴んで素晴らしいサウンドを聴かせてくれた。

反対に、このことはJVMの使い方が見た目より格段にシンプルで使いやすいということの証明でもある。

イヤ～、弾くわ弾くわ。
まさに炎のようなシュレッディング！

そして、ドラム・ソロ。

BLIND FAITHの熱演があったのがウソのようなパワーみなぎるプレイ！

電光石火で四肢を繰り出す！

このパートだけで壮大なストーリーが成立しているかのような劇的な展開だった！

KEISERさんが衣装を変えて登場。
曲は「LIBRA♎天秤座 | Elysion / エリシオン」。
「エリシオン」とはギリシャ神話に登場する楽園の名前だ。
勇猛果敢な曲調が気持ちよい！

語学力は別にしてアメリカ人との会話で困ることのひとつに度量衡がある。
ヤード・ポンド法ってヤツ。
マイルぐらいはまだいいんだけど、インチとかポンドとか、ついでにファーレンハイトとか、本当にわからん。
前にも書いたけど、ヤードポンド法を採用している国は、チョット前まではアメリカとリベリアとミャンマーだけだったが、そのリベリアもメトリックに移行、ミャンマーは現在混在しているそうだ。
さぁさぁ、どうするアメリカ！
ヤードポンド法を止めろ！
でもね、メトリックを採用しているイギリスもところどころ混在していて、特にナゼか人の体重については「ストーン」という単位を使うんだよね。
1ストーンは14ポンド、イコール6.35kgだって。
私、最近1ストーンとチョット体重を落として現在11と1/2ストーンになった！
それで、このポンド。
英語の発音では「パウンド」ね。プロレスの選手紹介の時はナゼか「パウンド」って言うね。
コレは普通「Lb.」と表記する。
「Pound」なのに「L」と「b」と「.」…ヘンだと思わない？
例えば下の1976年のラサーン・ローランド・カークのアルバム。
大大大スキで、学生の頃毎日聴いていた。
このアルバム、『天才ローランド・カークの復活』というアジもソッケもない邦題が付いていたが、原題は『The Return of the 5000Lb. Man』という。つまり「5000ポンド男の帰還」。
2tはないにしても、ラサーンは実際太っていたからね。
ナゼ「Lb.」が「ポンド」を表すかというと、元は天秤座から来ているのだそうだ。
天秤座のシンボルって「はかり」でしょ。
「Lb.」というのは「Libra pondo」を省略した表記なのだそうだ。
つまり、ラテン語で「libra」は「はかり」を意味し、「pondo」は天秤ばかりの一方に乗せる「分銅」を意味する。
「.」は「省略しています」という印。コレは英語も同じ。
こういうことを知るのは実に楽しい！
　
さて、このアルバム、ジェフ・ベックでおなじみの「Goodbye Pork Pie Hat（ラサーンは作曲者のチャールズ・ミンガスのコンボに在籍していた）」やコルトレーンの「Giant Steps」、「There Will Never Be Another You」や「Sweet Georgia Brown」といったスタンダード。さらにはミニー・リパートンの「Lovin' You」までバラエティに富んだ曲を取り上げているのね。
ラサーンは生まれた時は普通に視力を持っていたが、看護婦のミスで目に何かの薬品が入ってしまい不幸にも失明してしまった。
その後、独創性あふれる天才的な演奏で名声を得るが、脳卒中で倒れてしまい半身不随になってしまった。
それにも変わらず不屈の闘志で作り上げたアルバムがコレ。
だから「The Return」なワケ。実に感動的なアルバムなのです。
ロック・ファンにもおススメ。

もうひとつ天秤座で脱線させて！
今度は1979年のフランク・ザッパのロック史上最高峰の名盤『Sheik Yerbouti』に収録されている「Dancin' Fool」という名曲から。
当時のディスコ・ムーブメントを揶揄した曲で、最後の方にディスコでナンパをするシーンが出て来る。
こんな感じ。

Hey darlin', can I buy you a couple of drinks?
Lookin' for mister Goodbar? (Cutie sugar)
Here he is
Wait a minute, I've got it, you're an Italian (Cutie sugar)
Hu? You're jewish?
Oh, love you're nails (Cutie sugar)
You must be a Libra
You place or mine?
　　
ネェ、彼女！ナンカおごらせてよ。
ミスター・グッドバーでも探してるの？（♪キューティ・シュガ～）
それならココにいるよ～。（美しい女教師が麻薬とセックスにおぼれていくという内容の1977年のアメリカ映画、『ミスター・グッドバーを探して』からの引用）
チョット待って、ハハンわかったぞ…君はイタリア系だね？（♪キューティ・シュガ～）
アレ、それともユダヤ系？
おお、爪がいいね～。（♪キューティ・シュガ～）
キミは天秤座に間違いないね。
キミのところへ行く？それともボクのところに来る？
　
コレの「天秤座」が意味するところは何だろう？
残念ながらわからないんだけど、きっと良くないことにキマってる。
それというのも、この「Cutie sugar」という合いの手のコーラスが空耳になっていて、「気にしな～い」という日本語に聴こえるの。
私なんかは面白がってアメリカ人の友達にルーツのことを訊いちゃうけど、ディスコくんだりで「イタリア系」だの「ユダヤ系」だの、こんなことしたら失礼にキマってるわね。
あ、私がアメリカ人にルーツを尋ねる時はチャンと許可を取ってから話していますからね。
だから「はいはい、気にしな～い！」という感じで、ザッパが本当に日本語でこの合いの手を入れたのでは？という噂がかつてあった。
絶対そうだと思う。
イヤ、そうであって欲しい。

雰囲気を変えて「Virgo♍乙女座 | The Scion of Paradise / 楽園の末裔」。ブッ速い曲でシャウトしまくるKEISERさんはもちろんだが、こうしてジックリと歌い込むのKEISERさんもまたとても魅力的だ。

ちなみにテナー・サックスの巨匠、ウェイン・ショーターの1964年の『Night Dreamer』というアルバムに「Virgo」という曲が収録されている。
ショーター本人が乙女座なのだそうだ。

今回のセットリストには入っていなかったが、Draculeaには「PISCES♓魚座 | The Creater / クリエイター」という魚座の曲もある。
上の『Might Dreamer』とブルーノートつながりで言うと、アート・ブレーキ―にはドンズバで『PICES（ピスシス＝魚座）』というアルバムがあるんよ。
お、そうだ、ここでのテナーはウェイン・ショーターだわ。

もういっちょ、ジャズの星座アルバムを紹介しておきましょうか？
1974年にリリースされたジュリアン・キャノンボール・アダレイの『Love, Sex and the Zodiac』という作品。
ま、ジャズというよりファンクっていうのかな？
キャノンボールは最後の方はファンクになっちゃったからね。
このアルバムも「Leo:Rosebud（バラのつぼみ）」とか「Virgo:For Pam（パメラに）」などと、すべての星座それぞれにイメージされる言葉が与えられていて、それに基づいた妙な語りを含む曲に仕立てられている。
だから収録曲もイントロダクションを除いて12曲。
コレが泣きたくなるほどツライ…聴くのが。
今、この項を書くので仕方なく聴いているが、人生でこのアルバムを聴くのはコレで2回目。
1回目を聴いた後、おそらく死ぬまで聴くことはないと思っていた1枚をKEISERさんが引っ張り出してくれた！
世間の評価もすこぶる低いようなのでおススメしません。
救いは2人のピアニスト。
ひとりはハル・ギャルパー。
そして、もう1人は何とジョージ・デューク！
ジョージは昔キャノンボール・クインテットのレギュラー・ピアニストだったからね。

1973年のローリング・ストーンズのアルバムで「Angie」が収録されていることで人気がある『Goat Heads Soup』ってのあるじゃない？
中学校2年の時に友達が買って回し聴きしてたんだよね。
アレって邦題が『山羊の頭のスープ』となっていて、アレ「やまひつじの頭のスープ」だと思ってたの。バカでしょう？
ヒッチコックにも『山羊座のもとに』という作品があるね。評判があまり良くないので見たことないけど。
原題はそのまんま『Under Capricorn』という。
Draculeaのショウも終盤に入って出て来たのがその山羊座。
TAITOさんの分厚いキーボーズ・サウンドに包まれた「Capricorn♑山羊座 | Legion / レギオン」。

コレまた壮大な曲調だった。

ヘビーに「水瓶座♒️ AQUARIUS God the Chaos 混沌神の舞踏」。
随所でYUTAROくんのシュレッディングがフィーチュアされたが、KEISERさんとのコンビネーションは最後まで完璧だったね。

水瓶座といえば、「アクエリアス」。
「アクエリアス」といえばフィフス・ディメンション。
1969年のこの大ヒット曲を印象的に使った映画があった。
スティーブ・マーチンとゴールディ・ホーンの『アウト・オブ・タウナーズ』という1999年のコメディ。
ゴールディ・ホーンが最高にお茶目でカワイイの。
この人、ものスゴイ良家の出で、ひいおじいさんかナンカの名前がアメリカの独立宣言文の中に入っているらしい。
何の予備知識もなくレンタル・ビデオで借りて来て観たんだけど面白かった。
でも見初めてすぐに気がついた。
「アレ？コレどこかで観たことがあるぞ！」って。
それで思い出したのが…。

ジャック・レモンとサンディ・デニスの『おかしな夫婦』という1970年の作品。
なるほど、原題を調べてみると「The Out-of-Towners」と同じ。
私はこっちの方が好きかな？
でも両方面白いよ。
ナゼなら脚本がニール・サイモンだから！
ちなみに、オリジナルの方の音楽を担当しているのはクインシー・ジョーンズです。
この頃クインシーはこんな仕事をたくさんしていたんだろうね。
さらにちなみに…クインシー・ジョーンズについて皆さんはどうお思いか存じ上げませんが、元々はトランぺッターでカウント・ベイシー・オーケストラにいた人ですからね。
ナンであんなんなっちゃったんだろうね？

最後を締めくくったのは「射手座♐️ Sagittarius Celeritas Chiron 光速のキローン」。
「キローン」は日本では「ケイロン」ともされるようだが、ギリシャ神話に登場する半人半馬の怪物。
ケンタウロス族の賢者なのだそうだ。
「ケンタウロス」は英語では「センター」と発音するからね。要注意。

タイトル通り、急速調のドライビング・チューン！
イケイケ～！

最後の最後までド派手に叩きまくったYosukeくん！
お見事～！

歌にMCにDraculea独特の世界を構築した"H.E.L"KAISER.Draculさん。
大熱演の連続に大きな歓声が浴びせられた。

こうして二人の魔王が出会い、神々の世界が終わった…。
　
ところで、冒頭に戻って「What's your sign?」と訊かれたらどう答えるか？
私は蠍座なので、「Scorpio」を例に採ると、「I'm a Scorpio」と言う。
コレ、不定冠詞の「a」を入れるところがミソ。
たくさん蠍座の人がいるウチのひとり…という感覚なのかな？
ザッパの「You must be a Libra」もそうなってるでしょ？
アレ？ところで蠍座の曲って演らなかったじゃん?!
次回よろしくお願いしま～す。
　　
Draculeaの詳しい情報はコチラ⇒Draculea Official Web Site

　 
（一部敬称略　2018年3月11日　東京キネマ倶楽部にて撮影）

　
今日お届けするのは、3月に開催された『Ragnarøkkr 神々の黄昏』というイベント。
「神々の黄昏」とくれば。どうしたってワーグナーの『ニーベルングの指環』ですな？
ワーグナーは聴かないな～。どうやって接すれば良いのかがサッパリわからない。
でも、ヒトラーもそうであったようにワーグナーには狂信的なファンが世界中にいて、そういう人たちを指す特別な言葉がある。
「ワグネリアン」…という。
カッコいいね～。
「エリントニアン」なんてのもある。
コレはデューク・エリントン楽団のメンバーを指す言葉。
エリントンのオーケストラのメンバーであることはそれだけ名誉あることなのだ。
以前もチョコっと書いたけど、ジャズ・ギタリストで松坂慶子さんのご主人である高内春彦（ハル）さんの著書によれば、アメリカの音楽はすべて、今も昔もデューク・エリントンでできているのだそうだ。
実は雑誌の取材で、私は過去に何度かハルさんとご一緒したことがある。
仕事柄、私もたくさんのギターの達人にお会いするけど、ハルさんの演奏には舌を巻いた。
ジョー・サトリアー二とか、ハルさんとか、「本当にギターのウマい人」とはああ方々を指すのだろう…と思わざるを得ない。
まるで息を吸うようにギターを自然に弾き、その場で「自分だけの音楽」が成立してしまう…という感じ。
で、ハルさん、Marshallがお好きなんですよ。
それで色々とお話を伺うと、とにかく優しい口調で、信じられないぐらい何でも上手に説明してくださる。
ニューヨークの黒人がハルさんにブルースを習いに来るというぐらいで、話の何しろ説得力が凄まじい。
そんなハルさんがジャズの歴史という音楽の歴史を俯瞰した一冊がコレ。
ジャズ理論についても詳しく言及していらっしゃってすこぶる面白い。
また表紙がいいね、『Somethin' Else』で。
ジャズ・ファンに限らず、音楽ファンの皆さんにはいつか読んで頂きたい一編だ。

久しぶりにMarshall Blogを更新したもんで、いきなり思いっきり脱線してしまった。
で、この「神々の黄昏」の原語が「Ragnarøkkr（ラグナロク）」という言葉。
ミュージシャンなら気になるよネェ…「ø」が。
「Aø」なんて、ポコッと大文字のアルファベットの隣にくっ付けてやれば、Am7の5度が半音下がっちゃう。
いわゆる「ハーフ・ディミニッシュ」ね。「Am7-5」とか「Am7b5」とも書くけど、ジャズの連中はツラりと「Aø」って記す。
もちろん、「Ragnarøkkr」の場合はそんなことはゼンゼン関係なくて、コレはスカンジナビアの方で使われる「o」と「e」を合わせた文字。「oe」と発音するようだ。
スウェーデンに「Niels-Henning Ørsted Pedersen」という有名なベーシストがいた（2005年死去）。「ニールス＝ヘニング・エルステッド・ペデルセン」とカタカナでは表記されるが、きっと真ん中の「エルステッド」は「オェルステッド」と発音するのが正しんだろうね。
ちなみにぺデルセンはベルギー人のフィリップ・キャサリンというギタリストと組んでSteeple Chaseというスウェーデンのレーベルから何枚かのアルバムを出しているけどカッコいいよ。
このギタリスト、レスポール・カスタムでガンガンとジャズを弾いちゃう。
ロック・ファンにわかりやすく言えば、オランダのFocusのヤン・アッカーマンの後任で、『Focus Con Proby』というアルバムに参加している。
Focusファンには冷遇されているアルバムだけど、私は好き。
ちなみにこのアルバムでドラムスを担当しているのは、Journeyに参加する前のスティーヴ・スミス。
それと、キャサリンは1975年に2度目のFocusの来日公演に参加している。モノの本によるとエラく評判が悪かったようだけど、私は観たかったな～。
大スキなギタリストで、学生の頃この人が参加しているアルバムを探して歩いたものです。

で、スカンジナビアの古語で「神々の運命」を意味する言葉「Ragnarøk」は、北欧の神話で「終末の日」や「世界の滅亡」を表すのだそうだ。
また、13世紀のアイスランドの詩人スノッリ・ストゥルルソンという人が著した『エッダ』という詩の教本や9～13世紀の『古エッダ』と呼ばれる歌謡集では「Ragnarøkkr」と呼ばれ、「神々の黄昏」と訳される。
ワーグナーはコレを「Götterdämmerung （読めない！）」というドイツ語に訳して『ニーベルングの指環』の最終章のタイトルとした。
だから、日本語でも「Ragnarøkkr」には「神々の黄昏」という訳語が当てられるのだそうだ。
ブリッジ通訳みたいな感じだね。
　　
そんな『Ragnarøkkr』を冠したダブル・ヘッドライナー。
出演はDraculeaとKelly SIMONZ's BLIND FAITH。
「二人の魔王が出会う時、神々の世界は、終わる。」…まず最初の魔王にお出まし頂こう！

最近作『Overture of Destruction』のオープナー「Overture」でショウはスタートする。
　
Kelly SIMONZ

KAZ

Yosuke Yamada

Kellyさんのホーム、東京キネマ倶楽部のサブ・ステージに現れたYAMA-Bが3人に加わる。

曲はアルバム通りの進行で、タイトル・チューンの「Road to Destruction」。

1曲目からトップにギアを入れてブッ飛ばすKellyさん！

中間のバロッキッシュなキメがカッコいい。
そのパートからつなぐギター・ソロ。CDではまさに鬼気迫る演奏を聴かせてくれる。
もちろんライブではそのCDのプレイを上回る激演となる！

キレ味鋭いKellyさんのリフでスタートするのは「Road To Ruin」。
「Road to」シリーズ。
やっぱりこういうのはMarshallのサウンドじゃないとダメね。

Yosukeくんのバスドラムがドコドコと迫りくる！

メロディアスなサビでYAMA-Bさんの声が会場に響きわたる。

ギアはトップに入れたまま。
ストレートなエイト・ビートに乗って思いっきりアクセルをベタ踏み！

さて、ココでマーブロ的には避けて通れないのが「Road to」シリーズでしょう。
コレは1940年代にビング・クロスビー、ボブ・ホープ、ドロシー・ラムーアという人気スターがレギュラーで出演したハリウッドのコメディ映画シリーズ。
日本では「Road to」が「珍道中」と翻訳されてやはり大きな人気を博した。
下はそのウチの4作品、『モロッコ珍道中』、『アラスカ珍道中』、『南米珍道中』、『バリ島珍道中』。
戦中の映画ですよ。
日本人がヘロヘロになっている時にアメリカ人は『珍道中』を観てハラを抱えて笑ってたワケ。
一方、ニューヨークではビ・バップのムーブメントが隆盛を極め、「モダン・ジャズ」が誕生した頃。
それだもん。アメリカなんかに勝てるワケないよ。
とにかく、映画や音楽に関しては30年代、40年代、50年代とアメリカは一番いい時代を過ごした。
さすがに私も数本しか観ていないが、やっぱり面白いよね。
マルクス兄弟なんかもそうだけど、「お笑い」のオリジナルネタが山ほど詰まっている。
ちなみにQueenの『オペラ座の夜（A Night at the Opera：映画のタイトルは'オペラは踊る'）』と『華麗なるレース（A Day at the Races：映画は'マルクス一番乗り'）』の原題はそのマルクス兄弟の映画のタイトルをそのまま頂いている。

ちなみにボブ・ホープはジム・マーシャルが熱心に活動していた「ウォーター・ラッツ」という芸能関係者が運営する慈善団体の会長を務めていたことがあり、ジムはそのことを何度か私に話してくれた。
当然、コチラもボブ・ホープといえば「Roat to」シリーズと知っているので、そのあたりの話をしたことがあった。
ちなみにブライアン・メイやリック・ウェイクマンもそのウォーター・ラッツの会員だ…ということはもう何度も書いている…それを知ってて書いていますのでご安心ください。

もう一発！
前作『At the Gates of a New World』から「Bound For Glory」。

快調に飛ばすKellyさん。
とても気持ちがよさそうだ。
いつかの「怒り」をテーマにした新宿の時とはゼンゼン表情が違うもん。

KAZさんが送り出す低域が急速調に輪をかける。
ベース・アンプはもちろんEDEN。
ヘッドがWT600、キャビネットはD410XSTだ。

この曲も中間部に設けられたバロッキッシュなキメが魅力。
どうしてもどうしても、バロック音楽って聴けないんだけど、Kellyさんのならいいな。
昔、イギリスの古楽とロックを融合したGryphonっていうバンドがいてね、なかなかヨカッタのよ。ノリノリのKellyさん…曲よりも高速でスケールの大きな音符を叩き出す！

『Overture of Destruction』から「Regeneration」。

この曲のポイントはナント言っても勇ましいサビのメロディでしょう。
1回聴いたら忘れない。
それこそワーグナーの楽曲に出てきそうだ。
あ、Marshall Blogでは「楽曲」という言葉はクラシックにしか適用しません。
広辞苑では「楽曲」という言葉を「音楽の曲」と説いてはいるが、その後に「声楽曲・器楽曲・室内楽曲・管弦楽曲などの総称」としている。
ロックやジャズには「曲」という言葉を使うのが適当だと私は強く考えるのであ～る。
「ワルキューレ」とJ-POPの曲を並列で「楽曲」と呼んでいるのをワーグナーが知ったらアタマから湯気を出して怒るって！

Yosukeくんはこの日、両バンドを通じて出ずっぱりだったのだが、エネルギーの配分など一切考慮しない激演ぶりを見せた。

Kellyさんがマイクを握る「I Am Your Judgement Day」…実際には握っていないけど。

70年代ブリティッシュ・ロック風のサウンドが好き。
この曲も最近はスッカリKellyさんのステージでは定番になったね。

さて、Kellyさんのステージの中盤。
ココがもスゴかった。
怒涛のインスト3連チャンだ～！

まずは「Opus#1」。

Kellyさんのテーマ・ソング的存在？
「やっぱコレっしょ！」感がスゴイ。猛烈な密度のソロ。
息をつくヒマなど与えはしない。

KAZさんとのイキもいつも通りピッタリだ！

Yousukeさんがハジキ出す3連から始まるのは「The Wrath Of GAIA～Suite NO.1」。
「wrath（ラス）」というのは「激怒」という意味。

ジョン・スタインベックがピューリッツァー賞を獲った「怒りの葡萄」の原題は「The Grapes of Wrath」という。ちなみにスタインベックはこの作品を対象にして、発表から23年後にノーベル文学賞をもらった。
私は原作も読んだし、ジョン・フォードの映画も観たけど、イヤな話でね～、アレ。
こっちはスカッと、そしてどこまでもヘヴィにKellyミュージックが鳴り響く！

さらに～、インスト三段活用の最終段階は「Opus#3」。
『Overture of Destruction』収録のシンフォニック・インスト・ナンバー。

同じ「Opus」でもこの曲はクラシックのモチーフをジックリ煮込んだようなやり方。
そうだな…モーツアルトの25番の第1楽章の第1主題みたいなイメージかしらん？
「ナニ、クラシックを引き合いに出してカッコつけてんだよ、マーブロは！」なんて言われそうですな。
その通りです。でもクラシックはすごく好き…もっとも普段はアマデウスなんて聴かないけどね。
でも、ハッと「交響曲第25番」がアタマに浮かんだのだ。

KAZさんだから平然と弾いているように見えるけど、このコーナーはかなりガッツが必要だったハズだ。

そして、YAMA-Bさんが戻ってKellyさんのステージは最終楽章を迎える。
「Journey To The Gates」から「At The Gates Of A New World」へ。

前作『At The Gates Of A New World』の冒頭の再現だ。

火の玉のようなスピード・チューン。

指板を駆け巡るKellyさんの指！
しかしKellyさんの手自体はふっくら、やわらか、しなやかだ！

さらに「N.W.O」！

「コレでもか！」と押し込んでくる音の洪水にファンはノックダウン！

「ココでボクの洗礼を受けなければならない人がいます…」
「洗礼」って…！
サブ・ステージから姿を現したのは、"H.E.L"KAISER.Dracul！
この後に登場するDraculeaの魔王だ。

曲はKellyさんのリード・チューンのひとつ「Now Your Turn」。

魔王の共演…イヤ饗宴、イヤ狂炎！

Kellyさんのデモーニッシュなギターと…

KAISELさんのサタニックな雰囲気が相性バツグン！

Kellyさんのソロもトコトンきまって…

こんな感じで終了。
イヤ～、締めて1時間、かなり密度の濃いステージだった！

さて、Kellyさん、次はトモ藤田さんとの共演。イヤ、競演か。
以前、『TOMO & KELLY GUITAR ACADEMY』と題してココ東京キネマ倶楽部にもご登場頂き、Marshall Blogでレポートしているが、今回は京都と大阪での公演だ。
そちらのエリアの方はゼヒ！

以前の記事はコチラ　↓　　↓　　↓
★Kelly SIMONZ～TOMO & KELLY GUITAR ACADEMY 2016 ＜前編＞
★Kelly SIMONZ～TOMO & KELLY GUITAR ACADEMY 2016 ＜後編＞
★Tomo & Kelly Guitar Academy 2015 ＜前編＞
★Tomo & Kelly Guitar Academy 2015 ＜後編＞

Kelly SIMONZの詳しい情報はコチラ⇒Official Website

＜後編＞につづく
　

 
（一部敬称略　2018年3月11日　東京キネマ倶楽部にて撮影）

アッという間にショウも後半に入る。
二井原さんがステージから降りて舞台に乗っているのは3人…高崎晃

山下昌良…

演奏しているのは新作『RISE TO GLORY』のインスト曲「Kama Sutra」。
曲のタイトルに「ドキッ！」だけど、実はアルバムの中でも特にナマで聴いてみたかった曲のひとつ。
期待通りメッチャかっこいい！好きだわ～。

CDではドラム・ソロがフェイドアウトして曲は終わるが、ナマは違う。
ココからドラム・ソロが始まった！今度はステージにただひとり…。
病気療養中の鈴木"あんぱん"政行に代わってLOUDNESSをドライブさせた西田竜一のドラム・ソロ！

手でシンバルを叩き…

観客をアオり…

持ちうるエネルギーのすべてを発散するかのような充実のドラム・ソロだった！

二井原さんが戻って「Ghetto Machine」。
「Ghetto Machine」が出るとは思わなんだ。

高崎さんはギターを「Burned Natural」に持ち替え。

人気投票では17位を獲得し、『SAMSARA FLIGHT』の「FAN'S BEST SELECTION」に収録された曲。
二井原さんの歌う「Ghetto Machine」も好き。

高崎さんが舞台の中央に歩み出てお立ち台に上がる！

長尺のソロ。
どんなに長いソロでも無駄なフレーズが出て来ることは決してない。
すべてのフレーズが「高崎晃」だ！

さらに「Black Widow」。

コレもカッコいいリフを持つ曲だ。
こうしたリフを持った曲がまたジャンジャン出て来る世の中になって欲しいナァ。
だって、「リフ曲」というスタイルのはロックしかできない大きな特権じゃん！
パンク/ニューウェイブ以降、ジャンジャカとコードをかき鳴らすスタイルの曲ばかりになってしまったけど、それならフォークにもできる。
「リフ」だよ、ロックは「リフ」。
そして「リフ」の主役はギター。
そのギターを鳴らすのはMarshallと相場がキマってる。
ロックはコレで決まり…至って簡単な方程式だ。

ココで二井原さんが「神戸の天才的なドラマーです！」とあらためてRYUさんを紹介した。
「実はこのツアーが始まる2週間前にあんぱんさんのことがあって、ドラムを叩いてくれる人がいないんですよ！
1週間で20曲。LOUDNESSの曲はムズカシイですからね。
それで『オレたちを助けるつもりでやってくれないか？』と西田くんに電話で打診したんですわ。
そしたら『オス！やらせていただきます！』と言ってくれてツアーに参加してくれたんです！」

RYUさん、いい顔！
「皆さんもご存知の通り、あんぱんが脳梗塞で倒れました。命に別状はなく、身体もだいぶ動くようになって、スティックを持って叩けるようになって来ました！」
二井原さんが手にしているのは各地のファンからの寄せ書き。

「コレが6枚目です。1枚ずつあんぱんにあげるたびに号泣ですわ！ああ見えても涙モロいですからね！」
そして、ヨーロッパ・ツアーと9月21日のZEPP DIVER　CITYの情報が告知された。

1987年の『Hurricane Eyes』から「This Lonely Heart」。

後半になってますます冴えわたる高崎さんのギター。
それにしても素晴らしいサウンドだ。

さらに「In the Mirror」でたたみかける！

膨大なレパートリーを誇るLOUDNESSの中でもひときわ人気の高い曲だけあって、「きっと演るだろう」…とわかっちゃいるけどテンションが上がるね。

いよいよ本編最後！
「Crazy Doctor」で4人が観客席にのしかかる！
幸せの予定調和だ。

今日は前半が新曲、後半がおなじみの曲という、言ってみれば2部構成のようなセットリストが組まれたことになる。
どっちもいいね。
私は『METAL MAD』も『THE SUN WILL』も、新しいLOUDNESSが好きでしてね。
だって、こうした伝統的なハード・ロックの新しいネタなんて他で聴けないじゃない。
しかもLOUDNESSだからね。
違うか…LOUDNESSだから楽しみなのか。
どんな曲が飛び出してくるか、常に新作を楽しみにしている１人なのだ。
そして、いつも思うのは「音楽って『曲』だナァ」ということ。
子供の頃は速弾きだけで夢中になっていたけど、速弾きはただの音楽を作るための手段に過ぎない。
やっぱり音楽なんだからまず「曲」がよくなければダメだよね。
あと「音」。
楽器の別を問わず「音」や歌い手の「声」が悪ければせっかくの名曲も楽しむことはムズカシイ。
LOUDNESSにはその両方があって余りある。

イヤ～、もうこれ以上盛り上がるのはムリ！っていうぐらいに大興奮の本編だった。アンコールは今日2回目のドラム・ソロから…。
でもRYUさんじゃないよ！

Akira Takasaki on Drums！

高崎さんのドラム・ソロは幾度となく拝見してるけど、密度の濃い、味のあるソロなんだよね～。

今日もビシっとキメてくれました。
スティックを投げて…

本職に戻る。
ギターは「Rising Sun」…テンションがまた一段と上がるというモノ。
ッしゃ～、このリフ！
「LOUDNESS」だ！

二井原さんはあんぱんさんの「I WILL BE BACK!!」タオルを携えての登場！

まだまだ続く人気曲に客席は大熱狂の様相を示す。
そして、それにガップリと組み合う4人！

アンコールの2曲目。
これが最後の曲。

コンサートの締めくくりではおなじみの「S.D.I」だ！

規格外の巨大機関車が全速力で突っ走っていくかのようなド迫力！

そして、今日はコレで見納めの高崎さんのソロ。
もっと見たい～！

そしてクライマックスからの～

エンディング！

私のカメラ～！
重いでしょう～？
二井原さん、いつも最後に自分の携帯で客席を撮影しているからね。

イヤ～、とにかくトンカツと天ぷらと焼肉とすき焼きを一辺に食べたかのような「これでもか！」のコッテリコンサート。
大満足です。
9月のDIVER CITYが待ち遠しい！

それまで『RISE TO GLORY -8118-』を聴いてガマンしよう。
好評発売中！

LOUDNESSの詳しい情報はコチラ⇒LOUDNESS Official Website

 
（一部敬称略　2018年3月22日　ZEPP TOKYOにて撮影）

本年1月にLOUDNESSが前作『THE SUN WILL RISE AGAIN』から約4年ぶりに満を持してリリースした『RISE TO GLORY -8118-』。
昨年末にEXシアターで発表した通り、その新作を引っ提げてのツアーが催され、東京公演にお邪魔してきた。
アルバムがまだリリースされていなかった前回のステージでもリード・チューンを1曲披露していて、アルバムへの期待が募る一方だった。
その後アルバムがリリースされ全貌を知った時、当然「ナマで聴いてみたい！」という欲望と期待が高まらない方がおかしいワケで、首を長くしてその日を待ちわびていた。
そして、いよいよその時が到来したのだ！

会場は勝手知ったるZEPP TOKYO。
ロビーには夥しい数の祝い花。

いつものように「樋口宗孝がん研究基金」のスタンドも設置されていた。

そして、今回目を惹いたのがこの寄せ書き。

このツアーの1ヶ月前、2月の初旬に脳梗塞で入院したドラマー、鈴木"あんぱん"政行を励ますメッセージ。

一日も早い復帰を願って、あんぱんさんへに応援の言葉を送るファンが後を絶たない。

「I WILL BE BACK!!」というあんぱんさんのメッセージが入ったタオルも注目を集めていた。

開演と時間となり、客電が落ちる。
ステージには様々な色で照らし出される「LOUDNESS」ロゴ。
場内に満ち溢れるオープニングのSEはアルバム冒頭の「8118」だ。
コレは否が応でも興奮しちゃうよね～！

そして、メンバーがステージに現れ、ショウが始まった！
オープニングはアルバムと同じ流れで「Soul on Fire」。

二井原実

高崎晃

山下昌良

あんぱんさんに代わってLOUDNESSのドラム・スローンに座ったのは西田竜一！

「Soul on Fire」が昨年末のステージでも演奏された曲だ。

この迫りくる疾走感！
タマらんわ～。

そして高崎さんのソロ。
一段と歓声が高まる！
それにしてもいい音だにゃ～。
このグリーンのギターは「お初」かな？

高崎さんの本日の愛器のラインナップ。

バックラインはいつもの世界の「高崎セット」。

今回の足元のようす。

続けて「I'm Still Alive」。

ちょっとファンキーなイントロを経て曲は爆発。
RYUさんの切れ味鋭いドラミングが小気味よい。

言いたいことだけを言って、決してムダぐちをきかないソロ。
この曲、アルバムではフェイドアウトしてるんだけど、もちろんライブではピタリと着地を決めてくれた。

「Tokyo, say yeah!
お約束通り新しいアルバムを引っ提げて戻って来ましたよ！まさか、新しいアルバムを聴いていない人はいないよね？
聴いてきた人？」
客席を振り返ってみたら限りなく全員に近い人が手を上げてた！
「ウソはいかんよ、ウソは！今日は新曲もタップリやります。
歌えるものならウサ晴らしに歌って、楽しんで帰ってくださいよ～！」
イヤ、ウソではなくて、手を上げた人全員、すなわちこの時ZEPPにいた人ひとり残らずアルバムを聴いていたんじゃないかしら？
みんなLOUDNESSの新作を楽しみに待っていたんですよ、二井原さん！

さらにアルバム通りに曲は進む。
典型的なハード・ロック・チューン「Go for Broke」。

こういうストレートなハード・ロックを演ってビシっとさまになる日本のバンドってないんだよね。LOUDNESSはやっぱりどこを切っても洋楽の香りしかしない。
歌詞に出て来る「golden gate」ってナンのことだろう。

予想を裏切ってポップに展開するこのギター・ソロ・パート。
でもチョットしか見せない…そこが実にウマい！

「誰が長渕やねん！『乾杯』歌うぞッ！」
二井原さんがアコギを手にしたのは「Until I See the Light」。
デューク・エリントン作のスタンダード・ソングに「I'll Beginning to See the Light」という陽気な曲があるが、「光を見る」まではヘヴィにカマす！

高崎さんもアコギをプレイ。
流麗にソロ・メロディを奏でる。

そしてエレクトリックに持ち替え、重厚なサウンドをお見舞いする。
この曲の泣きのソロもいいな～。
おいしいフレーズがテンコ盛りだ。

客席も大層盛り上がって、この曲はすごくウケが良いようだった。

「どうもありがとう！楽しんでますか？
こうして新曲を人前で演奏するのはコレで5回目ぐらいなんですけど、だいぶ慣れて来ました。歌っていても楽しいです。
次の曲はアルバムのタイトル・チューンです」

ギターをRed Flameに持ち替えた高崎さん。

もちろん曲は「Rise to Glory」…LOUDNESSのハード・ロック賛歌。

山下さんの地を這うような重厚な低音が気持ちいい～！

やっぱりいいナァ、こういうロックは。
今の若い人たちって、こうしたロックを聴かないままに人生を終わらせてしまうのだろうか？
いくら時代は変わるにしても、「ロック」が「ありがとう」や「がんばれ」を歌う音楽だと思ったままこの世を去って行くのだろうか？
そんなのモッタイない！

「ロック」とひと口に言っても色々なスタイルがあるけれど、プログレッシブ・ロックの大ファンである私でも、最終的にはこうしたハード・ロックが最も「ロック」をイメージさせるんだよね。
この素晴らしい「ロック」のサウンドを何とか未来の世代にパスしていきたいものだ。

「大丈夫ですか？ちょっぴりスピードアップしますか！」
ニューアルバムから「Massive Tornado」。

二井原さんの言葉通りガツンとヒートアップ！

ドワ～！
まさに巨大な竜巻が迫りくるようなマッシヴなサウンド！

「♪Massive Tornado」と連呼する二井原さんがすさまじい。
こういうところは「Blackstar Oblivion」をチョット連想させる…私にはね。
昨日ちょうどテレビでやっていたんだけど、よくサイズの大きな食べ物を指して「ボリューミー」とか言うでしょう？
ああいうの、ヤメてもらいたい。
そんな英単語はないよ。
「マッシヴ」って言えば、それだけで正しい英単語をひとつ覚えることができるのに！

コレね中間部がすこぶるカッコいいんだよ。
ギター・ソロのキメのパートね。
起承転結の「承」に当たるのかな？
少し落としてクレッシェンドしていってからのギター・ソロ～！

まだまだ続く新作コーナー。
雰囲気が変わって「Rain」。
ドラムスのRYUさんは普段「Ra:IN」でも活躍中だ。

どうしようもない絶望感あふれる歌詞と曲の雰囲気。
そして二井原さんの身体が張り裂けんばかりの熱唱！

この曲のイントロってスゴイと思わない。
イントロが先にできたのか、曲の本体が先にできたのか、あるいは同時に作られたのかはわからないけど、チョット中華風なイントロ・フレーズとダークでヘヴィな曲本体をくっ付けるこのアイデア！
それが決してチグハグになってなくて、むしろこの曲はこのイントロでなければダメ…という感じすらして来る。
いつか菅沼孝三さんのソロ・アルバムに高崎さんが提供した曲がちょっとカントリー調のモノで、あまりにも意外な作風だったので、レコーディングにお邪魔した時ビックリしたことがあった。
でも、何をやっても「高崎さんの音楽」になっちゃうんだよね。
ココで新作から離れてヒット・パレードのコーナー。
まずは「Crazy Night」

いつものLOUDNESSの3人に…。

RYUさんが加わった「Crazy Night」。
やっぱり百戦錬磨のスキルフルなドラマーだけあって何の違和感もなし。
ナチュラル至極なプレイはさすが！

そして、「Let It Go」が続く。

「Crazy Night」は2位、「Let It Go」は12位にファンから選出された人気曲。
そりゃこのあたりは盛り上がるにキマってる！
鮮やかなギター・ソロにひときわ大きな歓声が上がった。

高崎さんのアルペジオから始まったのは…

『THUNDER IN THE EAST』から「Never Change Your Mind」。

とてつもなくスケールの大きなギター・ソロが会場の隅々にまで響き渡る！

ココまでがショウの前半。

LOUDNESSの詳しい情報はコチラ⇒LOUDNESS Official Website

＜後編＞につづく
　

 
（一部敬称略　2018年3月22日　ZEPP TOKYOにて撮影）

 
THE FEBのバースデイ・ライブ・レポートの＜後編＞はまずコレから。
見て！…当日、会場で限定販売された「考えは甘いけど、演奏はウマい」2月生まれの方々のサイン入りCD。
レアものです。

さて、狂乱のギター・バトルから休憩をはさんで第2部がスタート。
雰囲気は一転。
ステージに上がったのは…

Keiko Walker

松川純一郎

松川さんは赤いMarshall、ASTORIA CUSTOM。

西本明

伊藤広規…左手薬指骨折中。

ドラムスは満園英二。

Keikoさんのステージの1曲目は「Woodstock」。

ロングヘアで、ウエスタン・ギターを提げて…メチャクチャ雰囲気ある～。
ジョニのナンバーはKeikoさんにピッタリな感じだね。

ハイ、ここでドカッと脱線させて頂きます。
覚悟してください。
「ケッ、どうせまた『ウッドストック』の話だろ…」と思うでしょう？
もう映画のウッドストックについては散々やったので今日はホンの少し登場させるだけ…でもないか。
映画の『ウッドストック』の最後でキャストを紹介するエンドロールのバックで使われたのがクロスビー・スティルス・ナッシュ&ヤング（以下、CSN）の「Woodstock」。
名盤の誉れ高い『Deja vu』に収録されている。
このアルバムのリリースは「1970年の3月」。
CSNは「Suite:Judy Blue Eyes」で映画の中で思いっきりフィーチュアされているが、それだけではなく、「Long Time Gone」と「Woodstock」が冒頭と最後に使われた。
要するにあの映画はCSNで始まりCSNで締めくくっているのだ。
ものすごいヒイキじゃん？
ナニをどうしたって猛烈に印象に残るもんね。
「あの時代を最も象徴しているグループ」ということだったのだろうか？
それとも事務所の力か？
はたまたプロデューサーの公私混同か？
それにもかかわらず、ナゼか両方ともサウンドトラック盤に収録されなかった。
サウンドトラック・アルバムというのはフィルムに入っている音声のトラックを音盤化したものでしょう。
だから「サウンドトラック盤」という名称なのに『Woodstock』のサントラ盤は全くイカれていた。
40年の間に何百回聴いたかわからないけどね…へへへ。
だって「I Had a Dream」とか「Drug Store Truck Driver Man」とか「Volumteers」とか映画に出て来ないいい曲も入ってるから。
結局、ウッドストックでスミマセン…もうチョットやっていい？
この「I Had a Dream」ってジョン・セバスチャンの曲、Cmaj7→Amと来て、次のコードがわからなくてね～、VI7と来て「A7」かなんかかと思っていた。
でもシックリ来ない。
で、先日田川ヒロアキくんがウチに来た時に聴いてもらったら、初めて耳にした曲にもかかわらず、そしてギターにまったく触らず「ああ、ローコードのE分のA（A/E）ですね」と瞬時に答えやがんの！
私なんかコピーするだけでも大変なのにヤッパリ才能のある人はこんなこと朝飯前なワケだよね。
かわいそうに…我々アマチュアはコピー・バンドやって楽しんでいればいいんだけど、そういう才能がある人はそこから先が仕事だからね。
ゼロから何かを作り出すのが、アーティストの生業。
彼はこの「A/E」を聴いて、こう言った。
「こんなシンプルなコードをひとつ使っただけでこの『世界観』を作っちゃうんですからね…とてもマネできません」
興味のある方は聴いてみて！
元ラヴィン・スピーンフルのジョン・セバスチャンの「I Had a Dream」ね。
スタジオ版ではココに書いた意味はわからないでしょう。
『Woodstock』のサントラ盤でどうぞ。 曲の「Woodstock」に戻って…上で示唆したように作曲はジョニ・ミッチェル。
彼女の3枚目のアルバム、『Ladies of the Canyon』に収録されている。
そして、このアルバムのリリースも『Deja Vu』と同じ「1970年の3月」。
ジョニはカナダ人なんだけど、ウッドストックに出てもいなければ、行きもしなかったらしい。
でも、この曲を書いた。
「♪神の子に会った　どこに行くのかと尋ねると、彼は『ヤスガーの農場に行くんだ』と答えた」…という歌詞がすごく好き。
「（マックス・）ヤスガー」というのは、ウッドストックの会場となった農場の地主だ。
映画にも出演して「アーマファーマー（I'm a farmer）」と50万人の観客の前で挨拶をする。このシーンのモノマネが高校の時に友人の間でハヤった。
でも、実際にヤスガーの農場があったのは「ウッドストック」という地籍ではなく、「べセル」という場所だったのね。
で、ですね、このそれぞれのアルバムのリリースのタイミングを見てみる。
ジョニとCSNは同着の1970年3月。
映画の公開も1970年3月。
どういうことなんだろう？全部同時期。
もしかして映画の制作サイドが、「こういう映画を作るから『Woodstock』という曲を作ってください」…と予めジョニに頼んでいたのかな？
だとしたら、どうしてジョニ・ミッチェルだったんだろう？
ウッドストックが開催されたのはジョニのアルバムがリリースされるたった半年前なんだけど、映画の制作チームはジョニがそういう曲を作っていたことを知っていたのかしら？
また、ナンだってCSNにカバーさせたんだろう？
　　
調べてみると、ジョニはウッドストックの1か月後にカリフォルニアのビッグサーというところで開催された「Celebration at Big Sur」というフェスティバルに出演し、どのアルバムよりも先にこの曲をそこで披露したのだそうだ。
それを映画のスタッフが見ていたのかとうかはわからない。
また副脱線させてください。
以前にも書いたけど好きな話なのでまた書いちゃう。
「風に吹かれて（Blowin' in the Wind）」をボブ・ディランより先に録音したいうフォーク界の大重鎮、ハッピー・トラウムから直接聞いた話。
ウッドストックの会場には映画に出て来るステージの他にもサブのステージがあって、元来ウッドストックの住人であるハッピーもそのサブの方のステージに出演することになっていた。
ところが結果的に出演しなかった。
イヤ、できなかったのだそうだ。
…というのはあまりの人で、家を出たのはいいけど、最終的にステージにたどり着くことができなかったのだそうだ。
ハッピーが日本に来ていた時にニューヨークのテロ事件が起こってしまって、彼はウッドストックに帰れなくなっちゃってね。
「シゲ、困った…」と連絡が入り、数日の間、彼と奥さんのジェーンの面倒をみたのは今となってはとてもいい思い出だ。
　
ところで、この『Ladies of the Canyon』というアルバム…いいよね～。
「Circle Game」が入っているのがうれしいんだけど、残念ながらこの曲はバフィ・セイント・メアリーのバージョンの方が断然好き。

「14歳の時の体験」どころじゃなくて、小学生の時にラジオで聴いて「なんていい曲なんだ！」と大感動したんだよね。
肝心の「いちご白書」は1回は観てると思うんだけどサッパリ覚えていない。
ユーミンじゃありませんよ～。『いちご白書（Strawberry Statement）』という映画があったんですよ～。
その主題歌が「Circle Game」だった。
でも、バフィの歌は子供ながらに「ヘッタやな～」と思った。
あの「ちりめんビブラート」があまりにも奇異だったからだ。今ならロジャー・チャップマンだって平気なんだけど…。
　
久しぶりに聴いてみた。
泣けた…。
歌詞がいいんだ。
チョットやってみると、
「そして、季節はめぐりめぐる　
色のついた仔馬が上ったり、下ったり（←意味わからん。ジョニの有名な曲、「カヨーリ（Coyote）」の意味もわからなかった）
我々は『時』という回転木馬に捕らわれている
ただ後ろを振り返ることはできても　あの時に戻ることはできない
サークルゲームの中でただただ回り続けるだけ」
「サークルゲーム」というのは「時の流れ」を意味してるんだね～。
さて、下にあるその「Circle Game」のシングル盤で知ったんだけど、このバフィ・セイント・メアリーという人は映画『ソルジャー・ブルー』のテーマ・ソングも歌っていたんだネェ。
写真は主演のキャンディス・バーゲンだからお間違えのなきよう。

この『ソルジャー・ブルー』という映画は、やっぱり小学生の時にテレビで1回だけ観たことがあるんだけなんだけど、一生忘れないぐらいの大きなショックを受けた。
「サンドクリークの虐殺（Sand creek massacre）」という、1846年にアメリカ軍がコロラドのインディアンを無差別に虐殺した事件の映画化。
当時の人気美人女優キャンディス・バーゲンが出ていたので、普通の西部劇かと思って観たら大間違い。
アメリカの負の歴史を堂々と吐露した名作だ。
DVDにもなっているようなので興味がある人はどうぞ。
でもアメリカ人は映画よりズッとヒドいことを原住民にしたらしい。

でもこれよりヒドイ話がある。
それは16世紀にスペイン人とポルトガル人が南米のインディオたちにしたことだ。
ナゼ南米大陸の公用語がスペイン語（一部ポルトガル語）になっているか…。
この『インディアスの破壊についての簡潔な報告』という本が岩波文庫から出ているので興味のある方はどうぞ。
　
keikoさん、スミマセン！
せっかく楽しくやってたのにこんな話になっちゃって…。
初めてMarshall Blogにご登場頂いて、ビックリしたでしょ？
コレがMarshall Blog名物の「脱線」です。
コレで10年やってきました。

さて…TAKEさんが加わっての次の曲も驚いたよ。
TAKEさんは緑のMarshall。ASTORIA CLASSIC。
「♪Big wheels keep on turning」の「Sweet Home Alabama」！
コレはうれしい！（←ナンダカンダ言ってアメリカン・ロックも好きなんじゃんネェ、ワタシ）

あまりに個性の強い曲だけにロニー・ヴァン・ザントの歌声しか頭になかったが、それを一掃するようなKeikoさんのラブリーな歌声！
すごくゴキゲンな「アラバマ・ソング」になったよ。

「アラバマ・ソング」といえばクルト・ワイル…なんてやってるとまた脱線してっちゃうからココで止めておいて…と。
1977年のLynard Skynardの来日公演は観に行っておけばヨカッタナァ。
3,000円だったし…。
下はRitchie Blackmore's Rainbowの初来日のプログラムに掲載されている広告。
まさかこの後、あんな悲劇が起こるとは思わなんだからね。
その下のロビンも行っておけばヨカッタ。
ロビンはいまだにMarshallを愛用してくれているからね～。
え、レーナードのギター・アンプはどうだったかって？ヒミツ、ヒミツ！

あ～、思い出しちゃった！
『悪魔のいけにえ』というホラー映画が1975年に公開された。
私も中学生の時に観たんだけどコレもエラくショッキングな内容だった。
原題は『The Texas Chainsaw Massacre』…「massacre」っていうのは「虐殺」という意味ね。
下は私のチラシのコレクションから。

この『悪魔のいけにえ』がリメイクされて日本では2004年に公開された。私はDVDで観た。
その名も『テキサス・チェーンソー』。
原題も内容もオリジナルに則して作られているんだけど、脚本がメチャクチャよく書けていてヤケクソに面白かった。
ただ、オリジナルと違っていたのは冒頭の設定。
ココがよかった。
数人の若者がようやく手に入れたチケットのコンサートを観に行く途中で、この惨劇に会うという設定。
後は同じ…アタマのおかしい殺人鬼がチェーンソーを振り回して追いかけて来る物騒なヤツね。
で、その「コンサート」っていうのがレーナード・スキナードなんだよね。
確かバンドの名前は出ないんだけど、ラジオから「Sweet Home Alabama」だったか「Saturday Night Special」だったかが流れてきて「このコンサートに行くの！チケットを取るの大変だったんだから！」と警官を装った犯人サイドのスタッフに話をする場面がある。
こういうのは面白いね～。
あの当時のアメリカの日常の姿を見るような感じですごく興味深いワケ。

ところで、keikoさんも2月生まれなのだそうだ。
…ということで去年からTHE FEBの仲間入りをされた。

ストーンズの「Wild Horses」。

いい感じで松川さんのギターが寄り添う。
keikoさんと松川さん、さらに英二さんはよく一緒に演奏されているとのこと。

だから呼吸もピッタリ！

Keikoさんが「次の曲では純ちゃんがトム・ペティになるよ」と紹介したのは「Stop Draggin' my Heart Around」という曲。

そうか、keikoさんがそうおっしゃったので、コレはトム・ペティの曲なのかと思ったらスティーヴィー・ニックスとトムが共演した曲だったのね？
1981年か…それじゃ私にはチョットわからないかも…新しすぎて。

森さんも参加してのKeikoさんのステージの最後は「The Land of 1000 Dances」。
日本で言うところの「ダンス天国」…か～ら～の、「Lay Down Sally」！

「♪Lay down Sally」のコーラスにだけ参加するTAKEさん。
確かにココは誰しもが歌いたくなるパートだ。

ココでまた転換。
ベースが岡沢さんに替わる。
「低ッ！」っと岡沢さん。
そう広規さんの楽器のポジションって存外に下なんだよね。
手が長いのかな？

「ギター3人でやろうよ！」
森さん、松川さん、TAKEさんがステージに勢ぞろい…ということはASTORIA全種も勢ぞろいということ。
言っておきますが、Marshall ASTORIAが全種類揃って録音されたCDは世界で恐らく『THE FEB』だけのハズ。
このステージも珍しい。
商品PRのためのクリニックだったらあり得るけど、ホンモノのライブ・ステージでASTORIAが全種類揃っていっぺんに演奏するなんてことは、THE FEBを除いてはこの先もうないだろう。

曲はTAKEさんの歌でビートルズの「Why Don't we do it on the Road」。
「I don't Need no Doctor」もそうだけど、ナンカTAKEさんにバッチリだな、コレ。
昔はこの「Why don't we～」って意味がわからなかったね～。
「Why don't we」とか「Why don't you」とか今では当たり前に使ってるけど。
こういうのこそ学校の英語で教えたらいいのに…。
でも、イギリス人はあんまり使っていないような気がするな。

あ、森さんの姿を見て思い出した。
昔、何かの記事で「Flying」はビートルズの唯一のブルース形式の曲とされているのを読んだことがあるが、この曲もブルースじゃんね。
ナゼ「Flying」のことを森さんで思い出したのかは…わかるでしょ？
でも、この曲は形式はブルースであっても、ブルージーには聴こえないんだよナァ。

低いベースのポジションをモノともせずヘヴィな低音をブチかます岡沢さん。

切れ味鋭いソロを回すギタリスト衆。

そして、ドスの効いたTAKEさんの「道路でやろうよ！」…「ハイ」と答えちゃいそう。
この曲はポールの作品だけど、ジョンが歌いたがったとか…。
そして「自分が歌っていればもっとよくなっていた」言ったらしい。
反対にポールは「Revolution #9」の制作に加わりたかったのだが、それができなかった。
ポールとリンゴだけで録音した曲。
ジョンをこの曲に参加させなかったのは、そのリベンジだという話しもあるとかないとか…。
しかし、「Why don't we～」も「Revolution #9」もどちらかといえば、曲数を合わすためにやっつけ仕事でホワイト・アルバムに入れたようなイメージを受けちゃうんだけど、さすがビートルズ…どんな作品も真剣だったのね？
そうだ！と思って久しぶりに『Anthology vol.3』を引っ張り出して来て別テイクを聴いてみたんだけど…ブルースには聴こえないんだよナァ。
THE FEBの演奏はブルースにしか聴こえない。

「お待たせしました…小川美潮さんです！」
イヤ、待ったのは美潮さんの方でしょう。
ウッドストックで言えば、ジミヘンだよ。

1曲目はCDに収録されているマイケル・フランクスの「Lady Wants to Know」。
例のコルトレーンとかマイルスのヤツね。

レコーディング時には気にしていた英語の発音もバッチリの美潮さん。
ひと声発しただけで会場はもう完全に美潮さんモード。
このモードはマイルス・デイヴィスどころじゃないよ。（←ちょっとしたダブル・ミー二ングです）

「もう1曲、英語の曲を演るんだな…」…と2曲目が始まる。
ナンダこりゃ？
キャプテン・ビーフハートか？
森さんがフチークの「剣士の入場」のメロディをひたすら弾き続ける。
フチークについては以前ココに書いた。

サビのメロディがメチャクチャ魅力的だ。
メラニーの「Brand New Key」という曲。
メラニーは聴かなかったナァ～。
「Beautiful People」ぐらいしか知らない。
「最初から間違えてるみたいな曲だからね」なんて美潮さんはMCでおっしゃってたけど、THE FEBの演奏があんまりスゴかったので、家に帰って来てオリジナル・バージョンをチェックしてみた。

メラニーのオリジナル・テイクは…全然間違えてない！
恐るべしTHE FEB！完全に自家薬籠中のモノにしてる。
ちなみにこの曲は歌詞に由来して「ローラースケート・ソング」と呼ばれたメラニーの最大のヒット曲で、1971年末から年明けまでビルボードのNo.1をマークした。
 
映画には出て来ないけど、メラニーもウッドストックに出てたんだよね。
チョット前に出演者のギャラが公開されていたけど、メラニーはギャラの額がわかっている29の出演者中下から4番目の750ドルだって。
シャナナと同額…って高いんだか安いんだかわからないな。
大所帯にもかかわらずサンタナは700ドル。ま、アレがデビューだったからね。
750ドルというと、当時の為替は1ドル360円の固定相場制だったから27万円ほど。
1969年の大卒初任給が34,100円だっていうから…どうなんだろ。
コレでウッドストックはもう出て来ません。

ココでスペシャル・ゲスト…金子マリ登場！
「呼ばれたらすぐ出ることにしてるの。20周年おめでとうございます！私は12月生まれだけどずいぶんTHE FEBの皆さんと演りました」とマリさん。

美潮さんとのデュエットはCD収録のナンバー「犬の生活」。

美潮さんとのイキもピッタリ！

文字通りとても「スペシャル」な瞬間だった。

マリさんを送り出して、TAKEさんがステージに上がっての1曲は「南の花嫁さん」。
待ってました、待ってました！

広規さんもひと言…「コレ、いい曲なんだよね～」。

そう、ホントにいい曲だと思う。
私も歌詞を覚えてしょっちゅう歌ってます。

私見だけど、今の日本の音楽界って、こうした過去の魅力的な曲を掘り起こして、時代の新しい要素を加える…という手法しか延命策はないんじゃないかしら。
いつも言っている「温故知新」。
そういうことができる新しい才能が出て来るのを待つしかない。
とにかく若いミュージシャンは音楽の勉強をしなさい！
「J-POPのスゴイところ」なんてのをテレビで解説しているようじゃお先は真っ暗だ。
昭和の歌謡曲を研究する方がよっぽど価値がある。いよいよ最後の曲！

岡沢さんのパワフルなコーラスを得て「山登り銭湯」。

他の人の歌では到底考えられない、美潮さんならではの最高にチャーミングなナンバー。

このコーラスも岡沢さんならではだよね。

TAKEさんの起伏に富んだソロ。
ハズキルーペ着用…「コレいいよ。みんなも買った方がいいよ」ですって。
でも、あのCM見てるとチョット欲しくなってこない？

メチャクチャ楽しく、そしてニギニギしく、THE FEBのバースデイ・コンサートの本編の幕を降ろしたのであった。

そしてアンコール。

全員がステージに上がっての演奏はDVDにだけ収録されている「奴らとお嬢さん」。

これまたとても楽しいカリプソ・ナンバー。
美潮さんの歌は言うに及ばず、男性陣のコーラスもとても魅力的。
最高に愛らしいコール＆レスポンス。
指の故障もナンノその、最後まで完璧な演奏でバンドをグルーヴさせた広規さん！
　
伊藤広規の詳しい情報はコチラ⇒ITO KOKI official web site

美潮さんの歌…あ～、シアワセ。

楽しかった～！としか言いようがない！

『THE FEB　20th ANNIVERSARY LIVE AT STORMY MONDAY』好評発売中！

　
（一部敬称略　2018年2月27日　原宿クロコダイルにて撮影）

 
…ということで、昨日に引き続いて今年ミュージシャン生活41周年を迎える「伊藤広規」シリーズ。
「41」は素数だね。
37と43に挟まれた13番番目の素数。
いつかもこの「素数」について書いたことがあったけど、コレは自分と「1」でしか割り切ることのできないオリジナリティに富んだ数字なのね。
そしてコイツが何しろ神出鬼没でいつ出て来るかがわからない。
100までの整数には25個の素数があるのだが、まったく規則性がない。
「1」は素数としない規則があるので「2」が一番小さな素数。
一方、最も新しく発見された最大の素数は｢2の74,207,281乗-1｣という数字。
「という」というのは実際の数字をココに書き表すことができないから。
この数字を読むと、飲まず食わずでブッ通しで取り組んでも127日かかるらしい。
2013年に見つかった最大の素数を500万ケタも更新したんだって。
私には頭のいい連中がこういうバカバカしいことに真剣に取り組んでいるところがすごく面白く思えるんですよ。
失敬…「バカバカしい」かどうかはわからないね。きっと何かに必要なんでしょう。
　
広規さんのミュージシャン生活の41年目も神出鬼没。
自由で広い規則の中でオリジナリティあふれる活動をされることだろう。

さて、今日は2月生まれのミュージシャンが集まったプロジェクト「THE FEB」が2月に開催したCD発売記念&バースデイ・コンサート。
完全ではないにしろ、基本的に2月生まれのミュージシャンだけのショウ。
こんなの珍しいんじゃないかしら？
もちろんお客さんも2月生まれの人しか入れない。
11月生まれの私は外で音だけ聴かせて頂いた…なワケないか…。

コレがTHE FEBの20周年を記念してリリースされたCD+DVD。
私がライナーノーツの執筆とライブ写真の撮影を担当させて頂いたことはもう皆さんがウンザリするぐらい書いた。
もう一回書いてやろうか～？
それもどうかと思うので、このライブ・アルバム収録時のレポートをゼヒご覧くだされ…THE FEBがどういうモノかがわかるから。
①2月生まれ 考えあまいが演奏うまい ～ THE FEBの20周年！＜前編＞
②2月生まれ 考えあまいが演奏うまい ～ THE FEBの20周年！＜中編＞
③2月生まれ 考えあまいが演奏うまい ～ THE FEBの20周年！＜後編＞

物販コーナーには広規さんグッズやTHE FEBとそのメンバーさんのグッズがゾロリ。

いつかMarshall Blogでも紹介したアルバムのプロモーション・ビデオが流れ、ショウがスタート。

スターティング・メンバーは…
ギターに森園勝敏。

今日のキーボーズは西本明。ドラムスに小野秀夫。

ベースは広規さん。

アルバム同様、松川純一郎の歌う「Talk to me Baby」でショウはスタートした。

松川さんのアンプはMarshall。
向かって左の赤いヤツ。
アルバムのレコーディング時にも使用したASTORIA CUSTOMだ。

まるで文豪の書いた作品をユックリと朗読するかのような森さんのソロ。

森さんもMarshall。
ブルーのASTORIAは2チャンネル仕様のDUALだ。

2曲目は森さんの歌でアルバムに収録されていない曲。
J.J. Caleの「Crazy Mama」。

しかし、皆さんJ.J.Caleお好きですな～。
この曲が収録されているアルバム、『Naturally』はアライグマ（アレはタヌキか？）のジャケットが好きで私も持ってるけど、恥ずかしながら誰の曲か全然ピンときませんでした。
ちなみに英語でアライグマは「racoon」。タヌキは「racoon dog」という。
キツネは英語でサッと言えても、タヌキって言えないもんですよ。今度はアルバムから「T-Bone Shuffle」。

T-Bone Walkerが大スキだという松川さん。
それだけにノリノリでゴキゲンな演奏。

松川さんの「西本先輩！」の呼び声に応えて西本さんのソロがバッチリとキマった！
サクサクとセットリストが進んでいく。

また森さんにボーカルズが戻って「Third Degree」。
コレもアルバムから。

この曲でも西本さんのソロがフィーチュアされた。

最初のチーム最後の曲も森さんの歌で「Big Leg Woman」。

松川さんが織りなす筋金入りのブルース・フレーズに酔いしれて…

リズム隊がフィーチュアされた。
広規さんの渋いソロ！

小野さんの折り目正しいソロもタップリ！

…ってなワケでTHE FEBのバースデイ・ライブ、CD同様ブルース大会からスタートした。
ブルース・ギター好きの方にはタマらない滑り出しだよね。

メンバー・チェンジの間、広規さんのケガ自慢。
高さが調整できるピアノイスがあるでしょ？
アレに腰をかけたらドスンと座面が落っこちゃった。
その時、運悪く座面とイスの骨組の間に左手の薬指が入っていてバキィィィィ！…骨を折っちゃったんだって！
痛そう～！

しかし、持ち前の才能と度胸と根性と執念と技術と鷹揚さで、その状態のまま達郎さんのレコーディンを乗り切ったという…。
曲によっては不可能ではないのかも知れないが、達郎さんにOKを出させちゃう演奏をしてしまうところが何ともすさまじい。
プロ中のプロですな～。

2番手の登場。

横内TAKE健亨

岡沢茂

西本さんと…

小野さんはそのまま。

TAKEさんもMarshall。
グリーンのASTORIAはCLASSIC。まずはCDのちょうど真ん中に収録されている「Get Out of my Life, Woman」。
続けてCD通りの曲順で「I don't Need no Doctor」。

岡沢さんのコーラスも手伝ってスゴイ迫力～！

「マツ、1曲弾きに来てよ！派遣社員してくれる？」とTAKEさんが松川さんをステージに呼び込んだ。

CDには入っていない「Going Down」をプレイ。
この曲のセッションで取り上げられる頻度の高さといったらないよね。
カバーされて音源になっている数もズバ抜けて多い。
私が初めてこの曲を聴いたはBBAのライブ盤だった。
シンプルなのに深く、そして何よりもカッコいい。
メンフィスのドン・ニックスというソングライターが作った名曲中の名曲。
今の若いバンドの人たちってこういう曲を知ってるのかな？あるいは初めて会った人とジャムセッションなんて時には一体どんな曲を演ってるんだろう。
我々の世代なら、イントロをチョット聴いただけで「ハイ、Going Downね」と全パートの人が問答無用で参加できるだろう。

「うるせ～！」
出番を終えて客席で見ていた広規さんが耳をふさぐ。
そうそれほどまでにパワフルなのだ！

ワザワザ松川さんをステージに呼び上げたぐらいだからして、当然のギター・バトル。
各地の「Going Down」でおなじみの光景だ。

遠慮なく攻め込むTAKEさんに対し…

オオ～っと…愛器を蹂躙する松川さん！
いいの～？そんなことしてッ？

広規さん、楽しそうだな～！

２人のギター・バトルはエキサイトする一方！
どうすんのコレ？

予想外の展開！
TAKEさんと広規さんの共演が始まった！（「場外乱闘」ともいう。）

広規さんが手にしたビール瓶がTAKEさんのギター弦の上を自在に舞う！
どう見ても「場外乱闘」か！

そして、TAKEさんは最前列のテーブルの上へ！

盛り上がりに盛り上がった前半！
ベテラン勢の節度あるハメのハズし方は見ていて実に心地よいものだ。

伊藤広規の詳しい情報はコチラ⇒ITO KOKI official web site

＜後編につづく＞

　
（一部敬称略　2018年2月27日　原宿クロコダイルにて撮影）

　
場所は渋谷の宮益坂付近の明治通り沿い。
昔からボーリング場があるのは知っていたけど、今回初めてお邪魔したのがその「シブヤボウリング」。
1965年の開業なんだね～。ビックリ！
でも、ボウリングをしに行ったワケではなくて、実際にお邪魔したのは「シブヤボウリングカフェ」という地下にある喫茶店。
「ボウリング」ってどうして「ボウリング」っていうのかナゾだったのでこれを機に調べてみた。
だって、「bowl」じゃない？
いわゆる料理なんかで使う「ボウル」…ビートルズなんかで有名な「ハリウッド・ボウル」の「ボウル」ね。
アレは劇場の形がお椀みたいになっているからそう名付けられていて、アメフトの「スーパー・ボウル」なんかも同じ。
それがナゼ、球で棒を倒すゲームの名前に使われているのか…？
　　
コレね、語源は英語の「bowl」じゃないんだって。
元は「球」を意味する「boule（ブール）」というフランス語なんだと。
フランス語でパン屋さんのことを「boulangerie（ブーランジェリー）」と言うけど、フランスパンって丸いじゃん？
なるほど、フランスではパンというモノは丸くてしかるべきモノなんですな。
赤ちゃんが食べる「卵ボーロ」の「ボーロ」なんてのも同じ。
よって「四角い卵ボーロ」なんてのは撞着になる。
もうチョット調べて見てわかったんだけど、この言葉スゴイな～。
ドンドン派生していって、我々が普段の生活の中で使っているたくさんの言葉になってる。
またいつか触れたいと思う。その時には「ボロ」がでないようにしないと！

若い人は想像もつかないだろうけど、ボーリングって昔ものすごく流行ったんだぜ～。
私が小学校の低学年ぐらいの時のことだから45年以上も前の話。
友達と何回か行ったナァ。
全盛期には3時間待ちなんてのはザラだったらしいが、確かにいつボウリング場に行ってもものすごくにぎやかだった。
そこら中にボウリング場ができて、ブームが去り、アッという間に潰れて行った。
知ってる？
ボウリング場がたくさんツブれると、いいギターが増えるんだって。
というのはあのレーン、あれにはメイプルが使われていて、しかも重い球をガンガン受け止められるぐらいの良質なメイプルなんだって。
ボウリング場が解体されると、あのレーンを分解して、ネック材に使うという話を聞いたことがある。
下は「シブヤボウリングカフェ」の入り口に飾ってあったボード。
「BITTER VALLEY」…最初ナニかと思ったけど「渋谷」か！

私はこんな雑な性格なもんで、若い頃はボウリングをどちらかというと「力を競う競技」と捉えていた。
点数なんかはどうでもよくて、どれだけ速く球を投げて、豪快にピンをスッ飛ばす。またそれによって見ている人の笑いを取る競技だったのね。
湯河原のボウリング場では、思いっきり投げた球がハネて、隣のレーンに入っちゃったこともあった。
隣のお客さんは若い男性で「マズい！怒られる！」と思ったけど、もうその人も大笑いしちゃって、「イヤ～、ありがとうございます。あんなの生まれて初めて見ましたよ！」なんてお礼を言われたこともある。
でもね、ピンをニラんでただひたすら思いっきり力を入れて投げるだけだと、腕の動きがブレてしまって全く思うように当たらないんだよね。
レーンに打たれている点を見て球を投げる…なんてことを知ったのはかなり後になってからのこと。
知ったところで球を回転させて、曲げてピンに当てるなんて芸当ができるワケがない。
それである時、試しに腕をホンの少しだけ後に引いて、狙った場所に置き届けるようにして優しく投げてみた。
ゴルフのフォロースルーよろしく、球を離した後もそのまま投げた方向に腕を残しておいてやる。
電光石火でレーンの上を暴れまくっていた今までの私の球とは異なり、「ゴロリン、ゴロリン」と悠長に転がる球はほぼ100%狙ったところに行くようになった。
豪快感はゼロ。
しかし、スペアなどまず取ることができない第2投はことごとくウマくいくようになり、スコアには黒い直角三角形が並んで、オープン・フレームがなくなった。
それを試した会社のボウリング大会では2位になったのかな？
どちらかというと、やっぱり点数がいい方が面白いということも併せて知った。
　
コレは「シブヤボウリングカフェ」の店内のようす。

大きな喫茶店の横にレーンが3本横たわっている。
昔は全部レーンだったんだろうね。

以前の職場に「プロ・ボウラ―を目指していた」という人がいた。
当然、社内のボウリング大会では軽く優勝してしまうので、いつも模範演技というか、別枠で出場させられて気の毒だった。
そういえば、吉村昭を知ったのはこの方が『高熱隧道』を読んでいたのがキッカケだった。
で、話を聞いて驚いたのがボウリングのプロ・テストの内容。
実技のテストは2回あって、第一次で男子は1日15ゲーム×4日間、合計60ゲーム投げたアベレージが195以上でなければならないっていうんだよね。（女子は48ゲームで185以上）
必要とされるスコアの高さも厳しいけど、15ゲーム投げるって…。
もちろんプロを目指す人は、毎日何十ゲームと投げる訓練をしているのだろうから「1日15ゲーム」ぐらいへのカッパなんだろうけど、それを聞いただけでも右手の腱鞘炎が疼くわ！
第二次のテストでも同じことをやるのだそうだ。
第一次を通過すれば第二次も同じだと思うのは素人らしい。そううまく行くとは限らないらしくて、第二次で落ちる人も少なくないらしい。
そういう受験者は次回の第一次テストは免除される。
ちなみに両方のテストを通じて、ゲーム毎に異なるレーンで投球するのだそう。
もちろん、受験者がレーンのクセを知って有利になることを防ぐためだ。
そして、筆記テストを研修会を受けて全テストを終える。
合格率は男子で22%だって。
「個人タクシー」を開業するのも大変だということを知って驚いたこともあったが、プロ・ボウラーもなかなかじゃない？

アレ？
レーンの傍らに白いドラム・キットが！

そうなの、NATALなの。

「SHIBUYA BOWLING CAFE NIGHT LIVE」と銘打って、時折バンドの生演奏をお送りしている。
「バンドの生演奏」っての古い表現か…。
ま、我々の言い方をすると「ハコバンが入る」ぐらいの感じかな？

そこでこの晩はNATALのアッシュ・キットが使われた…というワケ。

使い手はこの人。
NATAL大スキ！

定刻通りにショウはスタート。
ひと晩に2セットだ。
バンドは「house shoes」。ボーカルズは池真衣。

ギターが酒井俊光。

ベースがTOME。

そしてドラムスがヨコピーTHEグルーブマスター。

ご覧の通りのルックスでオールディーズを演るのかな？と思ったら…

1曲目は「ルージュの伝言」。
なるほど、オールディーズといえばオールディーズっぽい。
1975年の曲だから…オイオイ、40年前かよ！
あ、今の人はジブリで知ってるのかな？

いつもは気が狂ったような激しいドラミングを見せるヨコピーだが、今日はヒッソリとおとなしめ。
まさかこんな場所でドシャメシャできないからね。
そういう時のヨコピーを「若き日本のキース・ムーン」とホメ過ぎを承知で形容している。
でも、彼が事務所に来た時、The Shaggsを聴かせたところ、一発で気に入ってしまって自分でCDを買いに行ったっていうのよ。
The Shaggsを「コピーしようと思ってる」とも言ってた。
音楽への探求心が旺盛なのだ。
そんな話を聞くと、返す返すもメランコリック写楽の解散はモッタイなかった！

2曲目はドリカムの「IT'S SO DELICIOUS」という曲。
ゴメンナサイ！もうわかりません！
でもね、真衣ちゃんの声がすごくいいの。
変にカッコをつけず、スコーンと声を出す民謡にも似たストレートな歌い方は聴いていて実に気持ちがいい。

続いてはS.O.S. Bandの「Take Your Time」という曲。
コレも知らないナァ～…と思ったら1980年にヒットしたディスコ・ナンバーだって。

こうした曲ならヨコピーに任せておけ！何しろ「グルーブ・マスター」だからね…と言いたいところだけど、力を入れて叩くことができない！
苦しいヨコピー。

ソロリソロリとなでるようにしてプレイしていたが、ココはさすがNATAL！
例えどんなにソフトに叩いてもガッツリと芯のあるクリアなサウンドを出してくれる。
やっぱりいいな、NATALは。

続いてもソウルのナンバー。
ダメなんだって、だから私は！ソウルやらR&Bは全くの門外漢なの。
「ソウル・セダカ」とか「アンカ・グルーヴ」なんてのだったらわかるかも…そんなのない！
でもオールディーズについてはいつかジックリ書きたいナァ。
最後締めくくったのは、ナント、マリさんの曲！
金子マリとバッグスバニーで「或る時」。

最後まで律儀にバックに徹するヨコピー・ドラミング！
ま、タマにはいいでしょう、こういうのも。

こういう選曲でいいの？みたいな意外展開が面白かったナァ。
今度はボウリングも絡めて遊びに行こうかな？
でも2ゲームまでね。
それ以上やると腕の腱鞘炎と腰、それに3日後ぐらい後にナゼか内股に発症する筋肉痛がツライので…。
ボロボロじゃんか！

 
（一部敬称略　2018年3月29日　シブヤボウリングカフェにて撮影）

 
ゲスト・コーナーも終了し、ショウは後半に突入。
まだまだテンションが上がりそうなステージと観客席！
何しろ曲は1998年の再結成時のヒット曲、「ULTRA HIGH」。
　
影山ヒロノブ

高崎晃

井上俊次

高崎さんの「♪ウルトラ～」も聴きどころ！

「ULTRA HIGH」が収録されたLAZYの17年ぶりのアルバム『Happy Time』から「My Rest Pose」。MCでは「LAZY昔ばなし」で盛り上がった。
デパートの屋上でよく演奏したとか…。
ベイ・シティ・ローラーズの映像の後に登場して客席からおにぎりが飛んできたこともあったとか…。
ナンてことをするんだッ！…というか、そういうモノを観に行く時、その時代はお客さんがおにぎりを持って行ってたんだね。映画館に冷やしトマトを持って行った人は知ってる。
「フィルム・コンサート」ってヤツですな…私もよく行きました。
タマ～にテレビで放映させる以外に動いている外国のロック・バンドを見るには、ホンモノの来日公演に行くか、フィルム・コンサートに行くしかなかった。
YouTubeもDVDもビデオすら珍しい時代だからね。
中学3年生の時にお金持ちの友人の家がナショナルのビデオ・デッキを買ったというので、みんなで見せてもらいに行った時代だった。
フィルムコンサートといえば…その中学時代のこと…今にして思うとアレはかなりプライベートな企画だったんだろうナァ。
客席が盛り上がっていないことに主催者が業を煮やし、「こっちはせっかくやってるんだからもっと盛り上がれよ！そんなにツマらないんだったらこの場で中止するぞ！」とお客さんに向かって怒声を浴びせかけたフィルム・コンサートがあったっけ…お客さんはお金を払って行ってたのに。
仕方ないのでお客さんは1曲終わるごとに小さなスクリーンに向かって渋々拍手してた。
私は子供ながら「何じゃ、この空間は？」と思ったわ。
　　　　
コチラはホンモノ中のホンモノ！
割れんばかりの歓声の中から飛び出す重厚なギター・イントロ。
しっかし、いい音だな～。

そう、高崎さんの背後にはMarshall！

曲は2002年の『宇宙船地球号II』から高崎さんの歌で「Make me Wonder」。

『宇宙船地球号II』を制作する際には合宿レコーディングを敢行。
その時、毎晩樋口さんがお好み焼きを作ってくれたのだそうだ。

同アルバムから影山さんがシットリと歌い上げる「Young & Innocent」。

そして、超ドラマチックな泣きのギタ～！
タマりまへんな～。

いよいよショウも最後のセクション。
昨年の12月、すなわちこのコンサートが開催された月の初めにリリースしたニュー・シングル、『Slow and Steady』からの曲を披露した。

曲はまず「1977」。
「16歳に戻ったつもりで聴いてください」
＜前編＞に書いた通り、1977年は「Hey! I Love You!」でLAZYがデビューした年。
40年か～。
スゴイな～。

今回のシングル盤には3曲が収められているが、3人のメンバーがそれぞれ1曲ずつ作曲している。
この「1977」は高崎さんの作品。
高崎さんのメッチャ幅広い音楽性を思い知らされる1曲！

続けて「Wandering Soul」。

バラードの導入部からスタートして、力強いビートを刻む壮大なこの曲は井上さんの作品。

ギター・ソロも大爆発！

「1曲じゃナンだから2曲。せっかくやるなら3曲…。10曲集まればアルバムが作れるじゃん！」と、3曲が作られたとか…。

その3曲の最後は影山さん作の「Happiness～二人ですごすX'mas～」。
コレまたちょっと意外な雰囲気な16ビート・チューン。

40年というと、翌年還暦を迎える人が白寿を迎えるという年月だからね…スゴイ歴史ですよ。
こうして1977年のデビュー曲からズラ～っとレパートリーを並べてもらうと、どうしても途中トビトビになっている部分もあるかもしれないが、日本のポップ・ミュージックの歴史そのものを見るような気になった。
考えてみると、歌謡曲全盛時代からハードロックの隆盛期を経て、現在に至っても活動しているバンドって他にないんじゃないのかしら？
LAZYは「歴史」なのだ。

そしてアンコール。

「♪S-A-T-U-R-D-A-Y Night!」
ドワ！おにぎりへのリベンジかしら？

ベイ・シティ・ローラーズの「Saturday Night」をホントに演っちゃった！

コレには私も一緒に歌ってしまったよ。
この曲が大流行したのは私が中学2年の時かな？
硬派な私はベイ・シティ・ローラーズなんて絶対に聴いたりしなかったけど、メロディはチャンと歌える。
「きんざNOW！」のおかげかね？
でも、昔のヒット曲ってそうだったんだよね。
ヒット曲の定義は「年寄りから子供までみんなが歌える曲」だと思う。
ウチの事務所に若いミュージシャンが入れ代わり立ち代わりしょっちゅう遊びに来てくれて、色んな音楽を聴かせてあげてるんだけど、ベイ・シティ・ローラーズに感激している子がいたよ…「曲がいい！」って。

最後のMCを挟んでおなじみのリフ！
「Burn」だ～。

LAZYとDeep Purpleは切っても切れない関係。
それこそ燃え上がる！
ベースは柴田さん。

当然柴田さんも完全燃焼。
井上さんのキーボーズのソロではお定まりのアクション！

そして、完璧なギター・ソロ。
それにしもいい音～。

やっぱり名曲は盛り上がりますな。

もうひとつ名曲！

盛り上がりのクライマックスを演出したのは「感じてKnight」！

本当にバラエティに富んだセットリストで40年分のLAZYの魅力を披露してくれた3人！

コレはベテランのファンも新しいファンも大満足の「LAZYショウ」だったに違いない！
今後もあるようなのでその活動が楽しみだ！

LAZY40周年の詳しい情報はコチラ⇒40th Anniversary Site
高崎晃の詳しい情報はコチラ⇒LOUDNESS Official Website
影山ヒロノブの詳しい情報はコチラ⇒OFFICIAL SITE

（一部敬称略　2017年12月27日　六本木EXシアターにて撮影）

 
昨年末、デビュー40周年を記念して新しいシングルをリリースしてファンを狂喜させたLAZY。
Marshall Blogでもレポートし、想像をはるかに超える大きな反響を頂戴した一昨年の公演に引き続き、昨年末もそのニュー・シングルの発売に合わせて「Rock Beats Cancer」のサポートの元、LAZYは再びEXシアターの舞台にその雄姿を現した。

今回は前回と異なる単独の公演だ。
大阪、東京ともにチケットは完売！
ふたたびその人気の根強さを見せつけてくれた。

影山ヒロノブ

高崎晃

井上俊次

そして、リズム隊はベースに山本直哉、ドラムスに村石雅行という布陣。

高崎さんの背後には…

Marshall！
やっぱりコレに尽きますな…ロックのステージは！

対してステージ下手。
井上さんの背後もMarshallに引けを取らない！

レスリー・スピーカーをズラリと4台もセットしたのだ！
こんなの初めて見た！

気になるオープニングは1977年のデビュー曲、「Hey! I Love you」。

1977年…私は中学校3年生だったか…。
リアル・タイムでは曲を存じ上げないが、思いっきり素直にポップでいいナァ。

キチンと盛り込まれるギター・ソロ！

2曲目はガラっと変わって「フルカウント」。

堰を切ったような勢いのある滑り出しにステージの皆さん全員、ノリノリだ～！

続けて1979年のシングル、「愛には愛を」。

今、こういう曲って本当になくなっちゃったね。
このサビ！一度耳にしたら忘れないような、いかにも「歌謡曲」という風情が私はスキ。

アタマ3曲、ケタはずれの歓声に応える高崎さん！
その熱気にあおられてジャケットが暑そう！

「再結成をしてから20年経ちました！今日はほぼ時系列に沿ったセットリストでお送りします」と影山さんからご挨拶があり、次のセクションへとコマを進める。
曲は1980年のシングル「Midnight Boxer」。
「横須賀」という言葉に「日本の歌」として歌詞にパワーを感じるナァ。
「横浜」、「長崎」、「札幌」、そして「横須賀」…歌謡曲が盛んなりしころの強力なキーワード。
「浅草」とか「上野」は出て来ない。

ファンキーな高崎さんのギターもまたよき哉。
ね、すぐにジャケットを脱いじゃった。
場内はそれほどの熱気なのだ。

「地獄の天使」が続く。

この曲は昨年のステージでも演奏したね。
歌詞がすごく印象に残ってる。
コレもシングル。1978年のリリースだった。

「ベイビー・アイ・メイク・ア・モーション」も1979年のシングル。
LAZYってやっぱりこういうポップ・チューンがいいナァ。
今、こういう曲を演るバンドがいないもんね。
当時高校生だった私が、今聴いてものすごく新鮮。

1979年となると私は高校生。Marshall Blogで時折触れる機会があるが、奇しくも高崎さんと同じ高校に通っていた。

名盤の誉れ高い1980年の『宇宙船地球号』から「僕らの国でも」。
このあたりから『宇宙船地球号』コーナーに入った。

続けて同作から「EARTH ARK」をハードにブチかます！

ココでベースにANTHEMの柴田直人が加わる。

柴田さんの強力な低音を得て「DREAMER」！

ロック魂あふれるドライビング・チューンで高崎さんと柴田さんの絶妙のコンビ―ネーションが編まれまくる！
そして、オープニングSEに使用されていたLAZY唯一のインストゥルメンタル・チューン、「遥かなるマザーランド」。
タップリと情感が注がれた高崎さんのギターにみんなウットリ！

柴田さんを迎えての3曲目は「LONELY STAR」。

これまたノリノリのハード・チューンでお客さんのボルテージは上がるばかり！

LAZY40周年の詳しい情報はコチラ⇒40th Anniversary Site
高崎晃の詳しい情報はコチラ⇒LOUDNESS Official Website
影山ヒロノブの詳しい情報はコチラ⇒OFFICIAL SITE

＜後編＞につづく
　

（一部敬称略　2017年12月27日　六本木EXシアターにて撮影）

大分遅くなってしまってかたじけない。
ナ、ナ、ナント4ヶ月も前の犬神サアカス團のライブ。
でも、それはそれは…内容の濃い素晴らしいモノだった。
しかし、最近は「イベントよりワンマンの方がお客さんの入りが良い」なんてことが当たり前のように言われるようになったじゃない？
我々が若い頃はライブハウスなんかホントに少なかったし、高価だったレコードを自由に買い込むなんてことはできなかったし、ましてやYouTubeなんてモノは当然あるワケないしで、対バンイベントで知らないグループを観たり聴いたりできるのはすごく得な感じがしたモノだったですよ。
逆にひとつのバンドしか出ないライブの方が当たり前だったからね。
つまり、音楽が無料ではなかった時代の話ね。
もう何回もこんなことを書いているけど、やっぱりあの時代はヨカッタと思うよね。
今では「CDを売っていることが信じられない」ぐらいのことが言われているけど、いいじゃないのCDぐらい。
買いなよ。
CDを買ってステレオで音楽を聴きなよ。
音楽ってそういうもんだよ。
確かに私も調べごとをする時にインターネットの力を借りて音を確かめたりはしますよ。
でも好きな音楽ぐらい「形のあるモノ」で持っておきたいとは思わないかね？
ハイハイ、若い人はそうは思いませんよね～。
生まれた時から音楽はコンピューターで聴くのが当たり前なんだから。
「レコード・ブーム再燃」なんて言われているけど、マァ、長続きはしないんじゃないかしら。
そもそもブームになっているようには見えないし。
「ブーム」なんてのは、「流行の終着駅」の私みたいな人間に「お～、ハヤってんね～」と言わせてこそ「ブーム」って言えるんだよ。
で、話を戻してそのイベントについて…今回はみんなが言っていることもわかるような気がしたわ。
イヤ、正直わかったわ。
ワンマンでなければ絶対に実現できないような最高に充実したレコ発ライブのプログラムを組んでくれたのだ。
マァ、これも肝心の新しいアルバムの内容がよいからこそそうなったんだけどね。
そこは犬神、過去の代表曲にしがみつくなんてことはしません。

…ということで今日は最近作『新宿ゴーゴー』レコ発ツアーの千秋楽のレポート。

ステージにはデーンと「暗黒礼賛ロックンロール」のバックドロップ。

幟も用意しちゃってヤル気満々！

そして、ズラリと並んだゴーゴー・グッズ。

この時はまだ旧年中だったので今年の手帳もシッカリと用意されていた。
去年は「その日暮らしの手帳」だったんだよね。
後のMCでミスプリントが発表されたけど。

ウワ！お数珠まで始めたのか！と思ったら「念じょいブレスレット」。
前からあるね。

ベイビー缶バッジも大好評。
さて、誰でしょう？

犬神印のハイテク・アイテム、携帯充電用バッテリー。

コレはチェキ・アルバム。
名刺ホルダーにも使えるそうだ。

犬神さんのグッズはよくできていて大変おもしろうございますな。

ほぼ定刻通りに客電が落ち、「マクンバの夜」のオープニングSEに乗ってメンバーがステージに現れる。
呪殺魔術、マクンバ。

オープニングは早速アルバムのタイトルチューン「新宿ゴーゴー」。

犬神凶子

犬神情次2号

ジョニーちゃんは今日も愛器を携えての登場。
JCM800 2203と1960A。

お足元のようす。

犬神ジン

ジン兄さんはEDEN。

人気のちっちゃいヘッド、Terra Nova TN501と4x10"キャビネットD410XSTが2台。

お足元のようす。

犬神明

明兄さんもいつものNATALのアッシュ。

切れ味鋭いソリッドなナンバーで一気に会場の熱気が上がる！

「犬神サアカス團です！今日は『新宿ゴーゴー』のレコ発ツアーのファイナルだぜ～！最後まで盛り上がっていくぜ～！」

2曲目も『新宿ゴーゴー』から「毒虫」。

情次兄さんのギター・ソロ炸裂！そう、この曲はジョニーちゃんの作品。

先日、文豪・島崎藤村の出身地として有名な中山道第42番目の宿場、馬籠に行って来た。
藤村の実家は馬籠宿の本陣で、お母さんの生家がそのひとつ手前の妻籠宿の本陣の出だ。
この家屋はレプリカで、有料で開放されているが、見学時には注意が必要だ。

「カメムシ」が出るらしい。
…といってもカメムシって、どういうヤツ？屁をこくヤツだっけ？
ヤダな～、虫は苦手だ。
でも「毒虫」よりはマシか？
当日は4月にも関わらず雪がガンガン降るような寒い日だったせいか、幸いカメムシは出なかった。
カメムシ、出て来いや～！
屁なら負けんぞ！
木曽のお話の詳しくは後日Shige Blogで…。

「今、ワタシ、できてた？歌詞は間違えなかったけど、わかんなくなっちゃった…。みんながワ～って言うからです」
そう、スゴイ盛り上がりようだったの。
「ファイナルっていうことでワタシ緊張してるのかな？ココに来て前髪を切ろうと思っていたんだけど忘れちゃった！
今日は元気よくがんばります！」

3曲目は『地獄の子守唄』から「夜が終わっちまう前に…」。

曲の舞台が新宿だからね。
私はこの曲が大スキなの。

数ある犬神さんのお気に入りの中でもベスト5に入るな。

このどうしようもない絶望的でシアトリカルな展開がタマらないのよ！

「元気よくがんばります」という凶子姉さんの言葉じゃないけど、ホントにこの日は4人とも実に滑らかでノリノリの演奏を見せてくれた…と思う。
続けて「鬱病の道化師」。

「皆さん、『新宿ゴーゴー』聴いてくれたでしょうか？ミディアム・テンポの曲があっていい気分なんだけど、よく動くので大変なの！
でも売り上げ1位になったでしょ？もう、うれしくて！皆さんのおかげです！」
ヨカッタ！
実際内容がいいからね。
「アタイら20年以上もバンドやってんだよ。
筋金入りよ。
そんじょそこらのバンドとは違うのよ！
カッコいいだけの雑魚いバンドとは違うのよ！
アタイらのロックはね…
アタイらのロックはね…
アタイらのロックはね…
ガキの遊びじゃないのよ！」

と、『新宿ゴーゴー』からこれまたソリッドに「昔みたいに」。

他のバンドとは違うことはよくわかってますから！
だからライブ会場に来るファンも若い人が少なくないのよ。
最近ね、音楽だけでなくどの分野も同じモノばかりになってしまって、消費者の一部はそういう状況に気付いて、他にはないオリジナリティを持っている事物を求めているのではないか？…と私は思っているのです。
まさに「♪昔みたいにドキドキしないの」だ。
このパートの凶子姉さんがいいんだ～。

まだまだ続くニュー・アルバムからのレパートリー。
これでいいのだ！レコ発なんだから。
今度は「白昼夢」。

今度はチョット時間をさかのぼって『玉椿姫』から「邂逅」。

上っ張りを脱ぎ捨てた明兄さん。
ん～、やっぱりNATALのアッシュってのは気風のいい音がするね。
イナセなドラムスだ。

『新宿ゴーゴー』に戻って「あだうち」。

しょっちゅうMarshall Blogに出て来る私の大スキな吉村昭に「敵討」と「最後の仇討ち」という短編が収められた『敵討』という本がある。
また内容に及ぶと長くなっちゃうので今日は「作品がある」というだけに止める。
「仇討」と「敵討」は同じ。
「仇討」や「敵討」は江戸時代には制度として合法だった。
ヨーロッパの「決闘」みたいなイメージだよね。

キューブリックの『バリー・リンドン』にその決闘のシーンが3回ぐらい出て来る。
この映画、私が中学2年生ぐらいの時に封切られて映画館へ観に行ったけど、長くて辛かった。
でも、今観るとヤケクソに面白い。
ストーリーも、演技も、映像も、音楽も、衣装もすべてが素晴らしい。
さすがキューブリック！

まだまだ続く「ゴーゴー」レパートリー。
今度は「侮辱の傷」。

「さぁ～、身体も温まってきたところでもっと機敏に動いていきたいとおもいます！」

タンバリンを手にした凶子姉さんが歌いしは「ビバ！アメリカ」。
アメリカ、シリアでまたやりそうだね～。またロシアとおかしくなっちゃうんだろうか？
アメリカってのはホントに戦争で成り立っている国なんですな～。

続けておなじみ「平成デモクラシー」。
あと数年で「平成」も終わっちゃう。
その時、また何か新しく犬神さんの名曲が生まれてくるといいね！

空間を切り裂く鋭いトーン。「音ヌケがいい」というヤツ。
コレはやっぱり真空管のアンプでないとムリ。
決裁書の改ざん、自衛隊日報の隠蔽…もうまやかしだらけの世の中じゃないか！
デジタル・テクノロジーへの要らぬ忖度など抜きにしてギターぐらいはホンモノの真空管が入ったアンプで弾こうじゃないか！

やっぱりこのあたりはギンギンに盛り上がるね。

『ゴーゴー』から「栄光の日々」。

80年代を話題にしたMCがはさまれた。
世良公則や沢田研二、荻野目ちゃんの名前が挙がっていたけど、レコード大賞受賞曲だけで探ると、80年代ってのはまだ「歌謡曲」が健在だったんだね。
90年代に入ると「レコード大賞」の形態が時代にそぐわなくなったのか、「演歌部門」と「ポップス部門」に細分化して、ポップスの方は「おどるポンポコリン」が大賞を獲得している。
ハヤったもんね～。
そして、このあたりからバンド形態あるいはロック系バンドを従えた歌手が興隆して一気に歌謡曲が駆逐されている。
そして、また93年から賞は一本化されてロック系の歌手しか受賞しなくなっているんだね。
私なんかはこのあたりからの曲は全くわからないわ。
言い換えると、コレって若者から年寄りまでが歌えるヒット曲ってのが消滅した瞬間なんだよね。
昔はね、お父さんやお母さんが口ずさむ歌は幼稚園生も大抵歌えたもんですよ。
「この先どうなっちゃうの？」なんて心配は無用。
時代が変わって、ゲームやパソコンの出現で、かつてはエンタテインメントの王者だった「音楽」の地位が格段に下がっただけの話。
または、「世代を超えたヒット曲」なんてものの存在を知らない世代が増えてそういう音楽が必要なくなっただけの話。
実はエンタテインメントの主役は「演じる方」ではなくて、お金を払って「楽しむ方」なんですな。
だから、作る方は映画でも音楽でも色んなモノを送り出して、楽しみ方の幅を広げて消費者の数を増やすべきなんだけど、何とかラクして儲けようとするもんだから同じようなモノばかりになってしまう。
こうなるとナニが起きるかというと、消費者の音楽を聴いたり楽しんだりする能力が衰えちゃうんだよ。
実はコレが一番怖い。
耳が貧しくなってしまうんだね。
「他とは違うモノ」…だから私は犬神さんをプッシュしてるワケ。
日本のロックに関して言えば、犬神さんみたいなのを聴いていればまず間違いないって。
凶子姉さんが…
「アタイら20年以上もバンドやってんだよ。
筋金入りよ。
そんじょそこらのバンドとは違うのよ！
カッコいいだけの雑魚いバンドとは違うのよ！
アタイらのロックはガキの遊びじゃないのよ！」
…と言っているのは当然なワケ。
アメリカみたいにロックがヒップホップにヤラれちまう前に何とかしなければ！…ということでその見本のような「暗黒礼賛ロックンロール」。
『新宿ゴーゴー』のリード・チューンだ。

伝統的なリフ。

シンプルなエイトビート。

サラ・ヴォーンで有名な「Black Coffee」にも似た重くブルージーな歌メロ。

もちろんギター・ソロもカッチリとキメる。
アタシャやっぱりこういうロックが好きだナァ。
お客さんも一緒に歌って楽しかったね！

メンバーの皆さんのMC。
お題は「ツアーを振り返って」。
「ツアーでは美味しいモノを食べて楽しかったですね。でも今年、胃カメラを2回飲みました。十二指腸潰瘍の手前…食道もやっちゃいまして、1週間で体重が8kg落ちました。
その時に撮った写真が『新宿ゴーゴー』のジャケットです。

ん～、そう言われてみると…。
20年前、初めて犬神のメンバーと出会った頃の貴重なショットが収められたとのこと。
でも、1ヶ月で8kg戻ったそうです。
ヨカッタ、ヨカッタ！

情次にいさん。
「ツアー楽しかった！今年は色々あって胃の調子があまり良くなくて、胃カメラ飲みたくて飲みたくて！…で、胃カメラやったんだけど、チョット荒れていたぐらいでした。
犬フェスやったのはヨカッタね！
来年は戌年だし、ナニかやりたいですね！」
私はこれまでの人生で3回ぐらい胃カメラ飲んだかな？
大キライなの。
ま、胃カメラ好きなのはジョニーちゃんぐらいなもんか？
でも、バリウムが大好きっていう人いるよね。
「バリウムならいっくらでも飲めちゃう」ってヤツいたもん。
胃カメラを2回目にやった時かな？
長野の病院で、軽い麻酔をして、寝ている間にカメラを突っ込んじゃうっていうのをやったのよ。
ところが、麻酔が効かなくてゼンゼン眠くならないのよ。
どうするのかと思ったら先生が「仕方ないのでこのままカメラを飲んで頂きます」って言うワケ。
「チョチョチョ、それじゃこの病院に来た意味がないじゃないですか！」
「大丈夫、すぐ終わりますから！」
と言われて泣く泣く素の状態でカメラを飲んだ。
相変わらず辛かった。
「ハイ、お疲れさまでした。少し休んでいってくださいね」…と言われ、ベッドで横になっていたら麻酔が効いてきたのが、ガーガー寝込んでしまった。
次…。
3回目の胃カメラ。
ラクだというので、鼻から入れるヤツをやってみた。
コレは真っ向から口に入れるのより確かにラクですよ。
以前に比べてカメラの直径が格段に小さくなったこともある。
ところが、鼻からズズイとカメラが入り込んでくるのはいいんだけど、当然ノドを通過させなければならない。
この時、「タイミングを合わせてゴクンと唾を飲むようにカメラを飲み込んでください」って言うワケ。
「エ～、唾とカメラじゃ大分違うじゃないの～！」なんてことはカメラが鼻に突き刺さっているので口にすることはできない。
で、「セ～ノ」でゴクンとやると、カメラがメリッとノドを通過していく。
アッという間なんだけど、コレがメッチャ辛い。
おかげさまで毎回大した異状は見つからなくてヨカッタんだけどね。
私はバリウムを飲まないようにしているの。
ナゼかというと、大学の時に大きな病院でバイトをしていたんだけど、医者も看護婦も絶対にアレをやらないってその時聞いたから。
あの放射線が相当身体に良くないんだって。
だから私ももし検査をしなければならない時は胃カメラにしてる。
でも情次兄さんのように「飲みたい」と思ったことはないよ！

胃カメラファンの皆さんにもう1冊吉村昭の本を紹介しておこう。
胃カメラはオリンパスの発明品なんだけど、その開発ストーリー。
小型のカメラを作って、それをどうやって実験に供したのか？
犬に麻酔をかけて、コンドームに入れたカメラを寝ている間に口から突っ込んだっていうんだよね。
そうか…考えてみると、あの時の私は犬だったのか…。
犬とカメラを使ってこの世にないモノを作り出すという、サーカスのようにナニが起こるかわからない手探り状態。
すなわち「犬カメサアカス團」だったのだ。
これから読む人のためにこれ以上は書かないけど、メッチャおもしろいよ。

「ツアー楽しかった！『次はアレをやらなきゃ！』と思いながらやっているので、あまり振り返ることができなかった。アッという間に終わっちゃいました！」
そして、『新宿ゴーゴー』に関しては…
「今までと違う感じにしたかったんだよね。衣装もパーッといこうと思って…。いろんなことがエスカレートしたね！」

凶子姉さんもツアーが楽しかったそう。
「久しぶりに広島にも行ったけどお客さんがたくさんでビックリした！」
やっぱりマーブロ効果かね？…んなことないかな？
「来年は健康に気を付けたいですね。差し入れを頂けるようであれば健康のヤツをお願いします！」

いよいよ終盤。
ココもスゴかった！

だってまず「スケ番ロック」じゃん？

大好きな「ドグマの呪い」じゃん？

そして、最後に「命みぢかし恋せよ人類！」だもん。

代表曲の連続に大盛り上がりだった！

明兄さんのスティック・ベロンチョもバッチリ！

アンコールでは担当のジン兄さんがグッズを紹介。
内容は今日の記事の冒頭のアイテムね。

この日はアンコールもスゴかった。
まず「運命のカルマ」と「Sleeping Beauty」を演奏。

でもそれだけでは収まらなくて2回目のアンコールで「死ぬまでROCK!」。

ココでこの日予定していたすべてのプログラムを演奏し終わったんだけど、ナント、もう一度アンコールに応えたのだ！
曲は「最後のアイドル」！

新譜の魅力を十分に伝え、さらにヒット・パレードを織り込む非の打ちどころのない最高の内容だった。
だから、最初にあんなことを書きたくなっちゃったのよ！
今週末から『ゴーゴー！ゴールデンウイーク！』と題した8本のツアーが始まる。
5月19日のココ高田馬場CLUB PHASEでの千秋楽では、約束通り『犬フェス』のコピーバンド大会で優勝した「犬っ子サーカス團」も登場するんだって！
楽しみだ！

見て、終演後の物販の行列！
書き入れ時ですナァ～！（「掻き入れ時」は誤り）

犬っ子さんもこの通り。
カ～ッコいい～！
犬神サアカス團の詳しい情報はコチラ⇒公式家頁

（一部敬称略　2017年12月2日　高田馬場CLUB PHASEにて撮影）
　　

さてさて、犬神サアカス團の「女火箸殺人地獄」に触発されて前回からスタートした「私のディープ浅草」シリーズ。
そう、まだやってるの。
アレから吉原に関する色んな本をチョコチョコ読んでるんだけど、やっぱり本によってずいぶん言ってることが違うんよ。
この先どうしようかと思ったけど、都度考えて書き進めることにした。
興味のない人はココでサヨナラ。
興味をお持ちの方は、下で切り離して前回の分と合わせて保存していつでも読めるようにしておいてくださいな。
--------------------------きりとりせん------------------------

さて、フランク・ザッパが吉原にやってきたことを前回お伝えした。
フランク・ザッパが記者会見を行ったのが下の写真の左側に写っている場所にあった「松葉屋」というかつての引き手茶屋。
そのすぐ横の通り。

この通りは吉原があった頃、「お歯黒どぶ」と呼ばれる堀だった。
幅は最大のところで9mｍあったらしい。
もう一度書くと、下の写真で自転車に乗っているオジちゃんやおバアさんが歩いている場所はかつて水の中だった。
まっ黒の水。
「お歯黒どぶ」と呼ばれたように、お歯黒をするための溶液をそのまま流していたので水がまっ黒だったらしい。
信じられないよな～、ココにお堀があったなんて。

何がしかの痕跡が残ってはいないか？…と思っていたら本シリーズの第1回目に登場した「一葉記念館」の受付の方が教えてくれた。
堀の石垣のごく一部が残っているというのだ。
場所は上の写真の道をホンの少し行った左側。

コレ。
まず、マンションの建っている場所が階段6段分ほど高くなっているでしょ？
これは堀を掘った土砂で嵩上げされているかららしい。
そして、右下の石垣に注目。

この大谷石の部分はどう見ても新しいモノとすぐにわかる。
その下の黒い石の部分がその名残りで、お歯黒の溶液の黒い成分で石が黒くなっているっていうワケ。
エ～ッ？と半信半疑だったのは、新吉原が出来たのは1657年のことだからね。
今から361年前のことでしょう。
素人の私が見てもコレがそんなに古いモノとは思えない。
後に改修しているのかもしれないけど、それじゃ意味がない。

…と、感動半分、疑惑半分で写真を撮っていたらアッと驚くタメゴロー！
昔、一緒にお仕事をさせて頂いた方にバッタリ出くわした。
その方は近くに倉庫を持っていて、タマタマそこを訪れたというのだ。
コレは千載一遇のチャンス！と思って、この石垣について尋ねてみた。
普段は「吉原見学ツアー」でチラホラ観光客も訪れるらしいのだが、答えは「否」らしい。
ナゼなら、古くからココに住むオバサンがいて、「アレは戦前はなかった」と明言しているのだそうだ。
浪漫失われたり～！
ま、仕方ない。
しかし、ココがお歯黒どぶであったことは間違いないのだ。
親切な私はワザワザ一葉記念館まで戻ってこのことを伝えた。
記念館の人は惜しげもなく大きな驚きと絶望の声を上げていた。
「もう一度調べてみます」ということだった。
どこかのテレビ番組で取り上げてくれないかな？

同じ通りをそのまま進む。
ここもズ～っと堀だった。
ハイ、右。

「カストリ」って言葉を最初に聞いた時、何とも変な印象を持った。
「カストロ」なら将軍なんだけど、「カストリ」ね～…カストリ後を濁さず、ナンチャッテ。
「カストリ」というのは、終戦直後に出回った粗悪な密造焼酎のこと。
元は酒粕が原料だったことから、「粕から取る」焼酎で「カストリ焼酎」といったのだそうだ。
酒粕から作るちゃんとした焼酎とはまた別のモノということになる。
そして、やはり戦後「カストリ雑誌」という大衆向けの娯楽雑誌が出回った。娯楽雑誌と言っても内容はエログロが中心で、赤線の情報などを掲載していたらしい。
で、そうした雑誌は刊行が長続きせず、3号も出したらコロっと潰れてしまうことが多かった。
つまり、「カストリ雑誌」という名称は「3合飲むとつぶれる」と言われた品質のよくないカストリ焼酎に引っ掛けたワケだ。
誰だ？こんなウマいことを言ったのは？
ちなみに、このカストリ雑誌の前の時代、つまり大正から昭和の初期にかけての「カフェー文化」と言われる時代が盛んなりし頃に出版された『グロテスク』とか『犯罪科学』なんてエログロ雑誌は、宮武外骨のような教養の高い筆者が揃っていてすこぶる面白いらしい。
読んでみたい。
この宮武外骨という人は『滑稽新聞』という刊行物を通じて政府批判や風刺を行った著作家・歴史家。
著作物を直接読んだことはないが、『府藩県政史』という本の中で、面白いことを指摘していることを知った。
というのは、今、県名と県庁所在が異なる県が東京と沖縄を除いて全国で17あるらしんだけど、そのうち14の県は明治維新の時に幕府を味方した藩が勢力を持っていた県である…ということを指摘いているのだそうだ。
今の総理大臣は？私にも山口県や鹿児島県出身の親友がいるのでこの先のことは書くまい。

このカストリ書房さんは別に焼酎を作っているワケでも、雑誌の出版をしているワケでもない。
看板にあるように遊郭に関する書籍を専門に扱っている本屋さんなのだ。
見ての通り普通の家屋で、中に入ってみても普通の家屋。
そこにありとあらゆる遊郭に関する本が展示してある。
確かチョット前まで違う場所にあったよね。
興味のある方はゼヒ。

さっきの道路を進んで突き当たった道。
ココもかつては堀だった。
この左側、すなわち吉原遊郭の中と通りの右側のエリアは通りの向きがズレていることがすぐにわかる。
それは碁盤の目状に作られた吉原遊郭へ来たお客さんや住人たちが、床に入った時に北枕にならないように方位を考慮しているからだ。

今、お歯黒どぶがあった場所をグルリと一周しようとしているのね。
遊郭の入り口である大門の方と両サイドはどこが堀だったかすぐにわかるんだけど、反対側がわからない。
この左手にある吉原神社のロケーションを考えると、多分この細い道がそれに当たるのではないか？と思うのだ。
この遊郭の突き当りを「水道尻」といって、「秋葉常灯明」という常夜灯が建っていた。
「秋葉権現」はいつか『私の秋葉原』で説明したように火除けの神様だ。
井上ひさしの『四千万歩の男』に出て来るように何度も火事に遭っている吉原だけど、やっぱり火事がコワかったんだね～。

大門から見て左側の堀はここを通っていた。
見てみたかったな～。
ところでこの堀を作ったのは、もちろん遊女たちが脱走するのを防ぐためだったのだが、反対に外部から不審者が入って来るのを防ぐ役割も果たしていた。
いくつかのハネ橋は設置してあったが、もちろん一般の人は使うことができなかった。
前回紹介した『吉原はこんな所でございました』の著者であり、吉原で育った福田利子さんは、そのハネ橋を渡って学校に通った…ということを述べている。

また樋口一葉の『たけくらべ』を引用すると…書き出しはこうある。
「廻れば大門の見返り柳いと長けれど、お歯ぐろ溝（ドブ）に燈火うつる三階の騒ぎも手に取るごとく…」
コレは、お歯黒どぶがあるためにグルリと回り道をしなければならないから、見返り柳まで結構距離がある。
そして、「三階の騒ぎ」というのは、一葉がこの作品を著した明治時代の遊郭の建物は3階建てだったということが示されている。

お歯黒どぶを1周して吉原大門に戻って来た。
ココがお歯黒どぶに囲まれた吉原遊郭の唯一の入り口だった。
この先はどんなにエライ人でも帯刀は許されず、医者以外は駕籠で入ることができなかった。
どんな様子だったかは、江戸時代、明治時代、大正時代とさまざまで、インターネットで調べれば錦絵や写真などでその姿が確認できる。
ま、今のコレは当時の影も形もござんせん。

コレが吉原のメインストリートだった「仲之町通り」。

現在は「台東区千束4丁目」。
色気もナニもあったもんじゃない。

次回からは吉原の中に入っていくよ。

＜まだまだ続く＞